BIOGRAFIA

ABRAHAM PALATNIK (NASCEU EM: 1928, NATAL, RN – FALECEU EM: 2020, RIO DE JANEIRO, RJ) PIONEIRO DA ARTE CINÉTICA NO BRASIL, CONHECIDO POR INTEGRAR ARTE, TECNOLOGIA E CIÊNCIA. SUA FORMAÇÃO EM PINTURA E ENGENHARIA NO INSTITUTO DE ARTE E TECNOLOGIA DE TEL AVIV INFLUENCIOU SEU TRABALHO INOVADOR. EM 1951, APRESENTOU O "APARELHO CINECROMÁTICO" NA 1ª BIENAL INTERNACIONAL DE SÃO PAULO, MARCANDO O INÍCIO DE SEU RECONHECIMENTO GLOBAL. PARTICIPOU DE EXPOSIÇÕES COMO A BIENAL DE VENEZA (1964) E NA PINACOTECA DE SÃO PAULO. SUA OBRA EXPLOROU MOVIMENTO, LUZ E COR, COM PEÇAS EXIBIDAS EM GALERIAS RENOMADAS, COMO A NARA ROESLER.     

REFERÊNCIAS

https://toppoexpress.com.br/a-historia-de-abraham-palatnik-o-pioneiro-da-arte-cinetica-no-brasil/

https://nararoesler.art/en/artists/29-abraham-palatnik/

BIOGRAFIA

Iniciou sua carreira na adolescência aos 17 anos em Vitória da Conquista, onde realizou suas primeiras exposições. Logo foi reconhecido por figuras importantes do cenário cultural baiano, como Jorge Amado, que desde que tomou conhecimento com o trabalho do artista, soube apreciá-lo. Poucos anos mais tarde já circulava e se destacava no cenário cultural de Salvador, onde realizou diversas mostras individuais. A carreira deslancha na década de 1970, na cidade do Rio de Janeiro, levando Santos à projeção nacional e internacional. Prova disto é a quantidade de telas do artista espalhadas pelo mundo. França, Alemanha, Itália, Estados Unidos são apenas alguns dos países que guardam parte do acervo do pintor. A obra de Adilson evoca o surrealismo e tem como principais objetos elementos da natureza e a figura feminina. A técnica, perfeita, gera um trabalho calcado não apenas no desenho, mas, sobretudo, na emoção. Seus quadros convidam e conduzem o observador a apreciar os personagens retratados na tela por meio de expressões observadoras realçadas por ares de romantismo. Atualmente, Adilson reside em Vitória da Conquista com a família, onde ainda atua como pintor e realiza mostras nacionais.

REFERÊNCIAS

Guia das artes:
https://www.guiadasartes.com.br/adilson-santos/obras-e-biografia

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Adriana Varejão (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1964). Artista visual. Passa parte da infância em Brasília. Ingressa no curso de engenharia da Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro (PUC/RJ) em 1981, mas o abandona no ano seguinte. A partir de 1983, estuda nos cursos livres da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, Rio de Janeiro, e aluga ateliê no bairro do Horto com outros estudantes. Viaja para Nova York, em 1985, e tem contato com a pintura do alemão Anselm Kiefer (1945) e do americano Philip Guston (1913-1980). Em 1986, recebe  o Prêmio Aquisição do 9º Salão Nacional de Artes Plásticas, promovido pela Fundação Nacional de Artes (Funarte/RJ). Ao visitar a cidade mineira de Ouro Preto, entra em contato com a arte barroca, que se torna referência para seu trabalho. Em Escrito sobre un Cuerpo, do escritor cubano Severo Sarduy (1937-1993), conhece os ensaios sobre esse movimento artístico. Neste período, aspectos do barroco cubano e da filosofia chinesa passam a influenciar sua pintura. Participa da mostra Brasil Já no Museu Morsbroich, Leverkusen, Alemanha, em 1988. No mesmo ano, realiza sua primeira exposição individual na Galeria Thomas Cohn, Rio de Janeiro, e integra a coletiva U-ABC, no Stedelijk Museum, em Amsterdam, Holanda. Em 1992, passa três meses na China. As experiências da viagem integram a exposição Terra Incógnita na Galeria Luisa Strina, São Paulo. Produz a exposição Proposta para uma Catequese (1993) depois de ler as obras do historiador Sérgio Buarque de Holanda (1902-1982), do ensaísta Gilberto Freyre (1900-1987) e do crítico literário Alfredo Bosi (1936). Em 1993, participa da residência artística promovida pelo Instituto Goethe em Maceió. Em seguida, viaja pelo nordeste brasileiro pesquisando sobre arte sacra e artesanato popular, especialmente ex-votos e azulejaria. Integra a mostra Mapping no Museu de Arte moderna (MoMA), em Nova York e, também, a 22ª, 24ª e 30ª edições da Bienal Internacional de São Paulo. O arquiteto paulista Rodrigo Cerviño Lopez (1972) realiza um projeto para abrigar algumas de suas obras no Centro Inhotim de Arte Contemporânea, em Inhotim, Minas Gerais, em 2008. Possui obras em coleções internacionais de museus, como o Tate Modern, Londres, o Guggenheim, Nova York, e o Tokyo’s Hara Museum. Análise A obra de Adriana Varejão toma impulso com a pintura figurativa e gestual dos anos 1980, na qual lhe interessa a permanência das marcas do processo. A pintura constitui o campo maior de sua produção, incorporando elementos de outras linguagens, como a escultura. Ao conhecer a cidade de Ouro Preto, Minas Gerais, o repertório barroco passa a marcar suas criações. A narrativa, a mescla de linguagens bi e tridimensionais e a exuberância material das obras dialogam com a visualidade barroca, em busca de uma experiência estética totalizante. Em pinturas como Altar I (1987), as pinceladas espessas remetem aos ornamentos das igrejas. Em Abóbada (1987), tais alusões e a materialidade vigorosa confrontam figuração e abstração. A intensidade barroca é expressa pela lógica compositiva de preenchimento total do espaço e pela cenografia das telas. Em suas obras, os materiais estão ligados simbolicamente à história cultural brasileira. Na década de 1990, o desenho toma maior importância, dialogando com a iconografia colonial e, por vezes, estabelecendo uma relação narrativa. Em Proposta para uma Catequese – Parte I Díptico: Morte e Esquartejamento (1993), cenas de antropofagia retiradas de gravuras do século XVI incorporam a visualidade da azulejaria portuguesa. No lugar das cenas cristãs, os índios ensinam a antropofagia, invertendo as posições da colonização. Com uma imagem de Cristo e uma inscrição do Evangelho1, Varejão aproxima simbologias distintas, como a antropofagia e a transubstanciação. A superfície azulejada, simulada por meio da pintura a óleo sobre tela, revela um interior visceral em pequenas incisões. No início da década de 1990, fissuras invadem os trabalhos em imagens apropriadas do holandês Franz Post (1612-1680), do francês Nicolas Taunay (1755-1803) e de temas tradicionais da azulejaria. Pedaços das imagens são extraídos e expostos sobre pratos fixados à parede ao redor das telas cortadas. O uso de camadas espessas de tinta a óleo conserva um interior úmido e a artista explora essa condição de forma semântica: opõe a camada superficial da pintura, a pele, a seu interior, a carne. Este procedimento é enfatizado em pinturas e esculturas que mimetizam partes do corpo. Em seus intercâmbios simbólicos, a carne, além da antropofagia, remete aos estigmas católicos, como as chagas dos mártires. Varejão apropria-se de imagens como signos de acesso, fornecendo-lhes um significado amplo. Paisagens (1995) apresenta-se como ligação entre universos visuais: uma imagem com rasgos que revelam outras paisagens como citações sobrepostas. Já a instalação Azulejões (2000), composta por pinturas de fragmentos de ornamentos, produz um aspecto vertiginoso pelo excesso de curvas em diferentes direções, que se agigantam no espaço sem chegar a uma completude. Da série Saunas e Banhos (2001-2009) também emergem transposições culturais. Constrói, com a geometria do azulejo, espaços labirínticos que dialogam com a cultura muçulmana e com a influência portuguesa na arquitetura de Macau e dos botequins e mercados de carne do Rio de Janeiro. Para a série Polvo (2013-2014), Varejão produz uma caixa de tintas, em parceria com a fábrica Águia, com 33 cores mencionadas como tons de pele em pesquisas do Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística (IBGE). As pinturas produzidas com as tintas estudam combinações cromáticas sobre o retrato da artista que revelam novas analogias entre tinta, pele e mestiçagem. A obra de Adriana Varejão expõe a violência nos processos de assimilação cultural. Questiona ainda a superfície pictórica, o papel simbólico da imagem e a maleabilidade de seus signos. Tal como as incisões em sua pintura, a iconografia colonial surge como irrupção anacrônica. Mas a escolha dos signos é sempre permeada pelas relações que estabelecem com a contemporaneidade. Notas 1 “Qui manducat meam carnem, et bibit meum sanguinem, in me manet, et ego in illo”, do latim: quem come a minha carne e bebe o meu sangue permanece em mim e eu nele.

REFERÊNCIAS

ADRIANA Varejão. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2020. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa17507/adriana-varejao&tbnid=Sf2ffOdI1NHkGM&vet=1&docid=WSAs6EqbWtNkgM&w=325&h=400&itg=1&hl=pt-BR&source=sh/x/im>. Acesso em: 22 de Dez. 2020. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Albano Fernandes Afonso (São Paulo, São Paulo, 1964). Artista visual. Estuda na Faculdade de Arte Alcântara Machado (Faam), em Santos, São Paulo. Em 1994 realiza sua primeira exposição individual, no Centro Cultural São Paulo (CCSP), na capital paulista. No mesmo ano é premiado no 21º Salão de Arte Contemporânea de Santo André e é contemplado com o prêmio aquisição do Museu de Arte Contemporânea de Santo André. Em 2006 a editora Dardo, de Santiago de Compostela, Espanha, lança um livro sobre o artista. Análise Impossível evitar a sensação de corrosão suscitada pela série Viagem à Selva Tropical, de Albano Afonso, exposta em 1999 no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP). Seu procedimento consiste em perfurar repetidamente reproduções em fotografia digital de pinturas da autoria de mestres como Rugendas (1802-1858) e Thomas Gainsborough (1727-1788), espalhando círculos vazados pela superfície da obra, revelando assim partes de uma outra imagem posta num segundo plano. O artista não lida, portanto, com nenhum material corrosivo ou abrasivo, porém a certa distância essas superfícies transmitem algo de desgastado, enferrujado, embolorado até. Essa falsa aparência de decomposição desencadeia uma ambiguidade de sentidos: entre uma crítica à história da arte e uma nostalgia em relação a ela. Ao mesmo tempo, opera uma inversão em um dos pares conceituais fundamentais da pintura - profundidade e superfície. Afonso escolhe reproduzir obras pictóricas que têm como preocupação central a reprodução da sensação de profundidade, via recursos de perspectiva. Ora, ao interferir sobre a imagem dessas obras, perfurando-as, Afonso impõe ao olhar do espectador a superfície plana da obra, logrando evidenciar o que antes era negado, fazendo com que a fonte de emanação de sentidos da obra transfira-se para a superfície concreta, abandonando a intenção ilusionista.

REFERÊNCIAS

ALBANO Afonso. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa19404/albano-afonso>. Acesso em: 12 de Mai. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Alberto da Veiga Guignard (Nova Friburgo RJ 1896 - Belo Horizonte MG 1962). Pintor, professor, desenhista, ilustrador e gravador. Muda-se com a família para a Europa em 1907. Em dois períodos, entre 1917 e 1918 e entre 1921 e 1923, freqüenta a Königliche Akademie der Bildenden Künste [Real Academia de Belas Artes] de Munique, onde estuda com Hermann Groeber (1865 - 1935)  e Adolf Hengeler (1863 - 1927). Aperfeiçoa-se em Florença e em Paris, onde participa do Salão de Outono. Retorna para o Rio de Janeiro em 1929 e integra-se ao cenário cultural por meio do contato com Ismael Nery (1900 - 1934). No ano seguinte, instala ateliê no Jardim Botânico, que retrata em várias obras. Participa do Salão Revolucionário de 1931, e é destacado por Mário de Andrade (1893 - 1945) como uma das revelações da mostra. De 1931 a 1943, dedica-se ao ensino de desenho e gravura na Fundação Osório, no Rio de Janeiro. Entre 1940 e 1942, vive num hotel em Itatiaia, pinta a paisagem local e decora peças e cômodos do hotel. Em 1941, integra a Comissão Organizadora da Divisão de Arte Moderna do Salão Nacional de Belas Artes, com Oscar Niemeyer (1907 - 2012) e Aníbal Machado (1894 - 1964). Em 1943, passa a orientar alunos em seu ateliê e cria o Grupo Guignard. A única exposição do grupo, realizada no Diretório Acadêmico da Escola Nacional de Belas Artes - Enba, é fechada por alunos conservadores e reinaugurada na Associação Brasileira de Imprensa (ABI). Em 1944, a convite do prefeito Juscelino Kubitschek (1902 - 1976), transfere-se para Belo Horizonte e começa a lecionar e dirigir o curso livre de desenho e pintura da Escola de Belas Artes, por onde passam Amilcar de Castro (1920 - 2002), Farnese de Andrade (1926 - 1996) e Lygia Clark (1920 - 1988), entre outros. Permanece à frente da escola até 1962, quando, em sua homenagem, esta passa a chamar-se Escola Guignard. Sua produção compreende paisagens, retratos, pinturas de gênero e de temática religiosa. Análise Guignard inicia estudos artísticos na Königliche Akademie der Bildenden Künste [Real Academia de Belas Artes] de Munique, que freqüenta em dois períodos: entre 1917 e 1918 e entre 1921 e 1923. Estuda desenho e pintura com Herman Groeber (1865 - 1935), membro da Sezession alemã, e com Adolf Hengeler (1863 - 1927), artista gráfico e ilustrador. Em sua estada na Alemanha dedica-se assiduamente a estudos da arte flamenga na Pinacoteca de Munique. Entre 1925 e 1928, prossegue os estudos em Florença, onde se identifica com a obra de Alessandro Botticelli (1444/1445-1510) e de Raoul Dufy (1877 - 1953), e se liberta da rigidez acadêmica, marcando sua passagem para o modernismo. Com o aprendizado técnico concluído, volta definitivamente ao Brasil, em 1929, e vai residir no Rio de Janeiro. Pinta a cidade em cores claras e pinceladas miúdas. Realiza uma série de trabalhos sobre o Jardim Botânico, onde instala ateliê, como a obra Bambu (1937), que recebe o 2º prêmio no Salão Oficial de Buenos Aires. De acordo com o crítico Frederico Morais, &quot;o invólucro da luz na estrutura gótica dessa obra belíssima já remete, de certa forma, ainda que de maneira radiosa, ao orientalismo presente na grande série de paisagens imaginantes dos anos finais da vida do artista em Minas Gerais&quot;.1 Por dedicar-se a praticamente todos os gêneros da pintura - retrato, auto-retrato, paisagem, natureza-morta, flor, pintura de gênero e pintura religiosa - costuma, em muitas obras, tratar de dois ou mais gêneros na mesma tela, como em suas naturezas-mortas, de número reduzido e quase sempre de caráter fantástico, que trazem uma paisagem ao fundo. Os retratos, considerados por alguns críticos como a vertente mais fértil de sua obra, constituem a maior parte de sua produção e trazem pessoas de sua família, amigos ou filhos de amigos, intelectuais, artistas e auto-retratos. Nesses não deixa de fazer menção ao seu defeito congênito, o lábio leporino, também presente em representações de Cristo e outras figuras religiosas. Na produção de retratos destaca-se a obra As Gêmeas (1940), com a qual recebeu o prêmio de viagem ao país, na divisão moderna do Salão Nacional de Belas Artes. A tela retrata as irmãs Léa e Maura sentadas num sofá, tendo ao fundo a paisagem de Laranjeiras, bairro do Rio de Janeiro. O crítico de arte Teixeira Leite2 vê na obra de Guignard traços da nova objetividade - movimento alemão que transpõe os limites do real, buscando impregná-lo de poesia -, aproximando-a, pelo tema tratado, à obra do pintor francês Henri Rousseau (1844 - 1910), especialmente na fase denominada lirismo nacionalista, representada por Casamento na Roça (1960), Família do Fuzileiro Naval (ca.1937) e Família na Praça. Para o historiador da arte Rodrigo Naves,3 a pintura de Guignard tem um caráter decorativo acentuado, como a obra Os Noivos (1937), repleta de arabescos e outros motivos. Em sua pintura o decorativo está presente nos retratos, nos arranjos florais, nas estampas das roupas e em toda ornamentação em torno de seus modelos femininos, além de tetos, painéis, móveis e objetos que pintou. Guignard também inovou em sua atividade docente. A partir de 1931, ensina desenho e pintura para órfãos de militares, na Fundação Osório, no Rio de Janeiro. Em 1936, leciona desenho no Instituto de Artes do Distrito Federal. Em 1943, funda com outros artistas, no diretório acadêmico da Escola Nacional de Belas Artes - Enba, o Grupo Guignard, no qual orienta, entre outros, Iberê Camargo (1914 - 1994) e Waldemar Cordeiro (1925 - 1973). Em 1944, a convite do então prefeito de Belo Horizonte, Juscelino Kubitschek (1902 - 1976), dá aulas num curso livre de pintura na Escola de Belas Artes de Belo Horizonte, também conhecida por Escola do Parque e atual Escola Guignard. Seus alunos o consideram um professor democrático, de temperamento informal, que os estimula intuitivamente. Entre outros, freqüentam a Escola Guignard: Amilcar de Castro (1920 - 2002), Mary Vieira (1927 - 2001) e Farnese de Andrade (1926 - 1996). Na década de 1960, Guignard pinta as &quot;paisagens imaginantes&quot;. Nelas, sua palheta volta-se para um cinza esbranquiçado e, como aponta Rodrigo Naves,4 tudo parece estar em suspensão, sem solo ou pontos de apoio firmes. Não há caminhos, acidentes geográficos nem distâncias. Há apenas um mundo nublado e tristonho. Notas 1 MORAIS, Frederico. In: FROTA, Lélia Coelho. Guignard: arte, vida. Rio de Janeiro: Campos Gerais, 1997. p. 55. 2 LEITE, José Roberto Teixeira. Dicionário crítico da pintura no Brasil. Rio de Janeiro: Artlivre, 1988. p. 240. 3 NAVES, Rodrigo. O Brasil no Ar. In: ______. A forma difícil: ensaios sobre arte brasileira. São Paulo: Ática, 1996.  4 Idem. Ibidem. 

REFERÊNCIAS

Itaú Cultural

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

ALDEMIR MARTINS (NASCEU EM; 1922, INGAZEIRAS, CEARÁ – FALECEU EM: 2006, SÃO PAULO, SP). DESTACOU-SE POR SUA CONTRIBUIÇÃO À ARTE NACIONAL E INTERNACIONAL, COM OBRAS QUE EXPLORAM A CULTURA NORDESTINA. ENTRE SUAS EXPOSIÇÕES MAIS RELEVANTES, INCLUEM-SE SUA PARTICIPAÇÃO NA 28ª BIENAL DE VENEZA (1956), ONDE FOI PREMIADO COMO O MELHOR DESENHISTA INTERNACIONAL, E EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS EM CIDADES COMO PARIS (GRAND PALAIS, 1985), ESTOCOLMO, NOVA YORK. NO BRASIL FOI HOMENAGEADO COM UMA SALA NO MUSEU DE ARTE DA UNIVERSIDADE FEDERAL DO CEARÁ E TEVE EXPOSIÇÕES MARCANTES NO MUSEU DE ARTE DE SÃO PAULO (MASP). AO LONGO DE SUA CARREIRA, RECEBEU PRÊMIOS COMO A ORDEM DO RIO BRANCO EM GRAU DE CAVALEIRO E TEVE SUAS OBRAS EXPOSTAS EM COLEÇÕES DE DESTAQUE EM PAÍSES COMO FRANÇA, ITÁLIA, SUÍÇA, E ESTADOS UNIDOS.   

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Aldir Mendes de Souza (Nasceu em São Paulo 1941 e faleceu em 2007) Pintor, desenhista, escultor e gravador.Forma-se pela Escola Paulista de Medicina (EPM) em 1964, especializando-se em cirurgia plástica. Autodidata em pintura, começa a expor no início da década de 1960, desenvolvendo paralelamente as carreiras de médico e de artista. Defende sua tese de doutorado em medicina pela Universidade de São Paulo (USP), em 1966. A partir de 1969, o cafeeiro e o cafezal tornam-se assuntos constantes em sua produção. Nos anos 1970, realiza pinturas que fazem referências à cidade se expandindo em direção ao campo. Nessa mesma década, atua como roteirista e diretor de cinema, realizando curtas, médias e longas-metragens.Em 1992, Souza comemora 30 anos de pintura com exposição no Paço das Artes, em São Paulo. No mesmo ano, na Itália, publica GeometrieParlanti [Geometrias Falantes], livro sobre sua obra que conta com textos de críticos italianos e com um poema de Haroldo de Campos (1929-2003), escrito com base na obra de Souza especialmente para essa publicação. Desde o início da década de 1980 são lançados vários livros que analisam sua trajetória artística, como Aldir - Obsessão pela Cor, da autoria dos críticos Frederico Morais e Olívio Tavares de Araújo.  

REFERÊNCIAS

• ALDIR Mendes de Souza. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2020. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa7476/aldir-mendes-de-souza>. Acesso em: 22 de Dez. 2020. Verbete da Enciclopédia.
  ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Aldo Cláudio Felipe Bonadei (São Paulo SP 1906 - idem 1974). Pintor, designer, gravador, figurinista e professor. Entre 1923 e 1928 é aluno de desenho do pintor Pedro Alexandrino (1856 - 1942), período em que também freqüenta o ateliê do pintor Antonio Rocco (1880 - 1944). Em 1929, Bonadei torna-se amigo do professor de arte Amadeo Scavone. Viaja para a Itália, entre 1930 e 1931, e freqüenta a Accademia di Belle Arti di Firenze [Academia de Belas Artes de Florença], onde tem aulas com o pintor Felice Carena (1879 - 1966) e seu assistente Ennio Pozzi (1893 - 1972), ambos ligados ao movimento novecento. Nesse período, dedica-se ao desenho da figura humana, principalmente ao nu.  Retorna a São Paulo no início da década de 1930 e participa ativamente do Grupo Santa Helena, da Família Artística Paulista - FAP e do Sindicato dos Artistas Plásticos. Integra de 1939 e 1941 o Grupo Cultura Musical, criado pelo psiquiatra Adolpho Jagle, que promove reuniões de artistas. Datam dessa época as suas primeiras experiências abstratas. Em 1949 leciona na Escola Livre de Artes Plásticas, primeira escola de arte moderna de São Paulo e participa do Grupo Teatro de Vanguarda. No ano seguinte, funda a Oficina de Arte - O. D. A., com Odetto Guersoni (1924 - 2007) e Bassano Vaccarini (1914 - 2002). No fim da década de 1950 atua como figurinista nas peças Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues (1912 - 1980), e Casamento Suspeitoso, de Ariano Suassuna (1927), ambas encenadas pela Companhia Nídia Lícia - Sérgio Cardoso. Nesse período, desenha alguns figurinos para dois filmes dirigidos por Walter Hugo Khoury (1929 - 2003), Fronteiras do Inferno (1958) e Na Garganta do Diabo (1959). Comentário Crítico Em 1915, aos nove anos, Aldo Bonadei executa seu primeiro trabalho a óleo e depois realiza pequenas pinturas autodidaticamente. Entre 1923 e 1928, estuda com Pedro Alexandrino (1856 - 1942). Freqüenta ainda o ateliê do pintor italiano Antonio Rocco (1880 - 1944) e o curso de desenho e artes no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo. Em 1929, torna-se amigo do professor Amadeo Scavone, com o qual mantém conversas quase diárias sobre arte. Segundo o artista, Scavone o ensina a estruturar mentalmente a composição em formas, linhas e valores de cor. Bonadei continua a formação artística na Itália, em 1930. Freqüenta em Florença a Accademia di Belle Arti di Firenze, onde estuda com Felice Carena (1879 - 1966). Tem contato com a estética futurista e com o expressionismo da escola romana, que conta com artistas como Mario Mafai (1902 - 1965) e Corrado Cagli (1910 - 1976), e, principalmente, com o movimento Novecento (1922), ao qual Carena é ligado, marcado por uma pintura eclética. Regressa ao Brasil em 1931 e gradualmente adere às pesquisas da arte moderna. A partir de 1935, integra o Grupo Santa Helena, com Mario Zanini (1907 - 1971), Francisco Rebolo (1902 - 1980), Fulvio Pennacchi (1905 - 1992) e Alfredo Volpi (1896 - 1988), entre outros. Participa também das exposições da Família Artística Paulista - FAP e do Sindicato dos Artistas Plásticos. Pinta principalmente naturezas-mortas e paisagens urbanas e suburbanas de São Paulo, temas que se tornam constantes. Destaca-se em suas obras do período o diálogo constante com a obra de Paul Cézanne (1839 - 1906), no tratamento da cor e no uso da pincelada, como pode ser observado em Paisagem (1935) ou em Subúrbio (1937). Na década de 1940, leciona pintura e trabalha como figurinista, cria modelos para vestidos e desenhos para bordados. Dessa atividade advém a idéia de aplicar sobre a tela costuras ou bordados, de maneira a determinar relevo e textura na composição. O período marca maior liberdade plástica do artista, que pinta quadros que buscam estabelecer relação entre música, ritmos e modulações da cor e pintura. Em seguida, sob o impacto da abstração, que começa a ser apresentada no país em importantes mostras, Bonadei interessa-se pelo cubismo e posteriormente busca a compreensão perceptiva do espaço por meio da teoria da Gestalt [Psicologia da Forma]. Pode-se observar em obras como Mulher Sentada (1948) e Gemini II (1952) a tensão entre o figurativo e o abstrato, que permanece em sua produção posterior. Aldo Bonadei, para o crítico Jacob Klintowitz, destaca-se entre os pintores do Grupo Santa Helena por sua formação mais erudita. O interesse por diferentes áreas leva-o a desenvolver atividades em poesia, moda e teatro. O artista tem importante atuação, entre os anos 1930 e 1940, na consolidação da arte moderna paulista e, como aponta a estudiosa Lisbeth Rebollo, é um dos pioneiros no desenvolvimento da arte abstrata no Brasil.

REFERÊNCIAS

Itaú Cultural

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Alexandro Júlio de Oliveira Cerveny (São Paulo, São Paulo, 1963). Desenhista, gravador, escultor, ilustrador, pintor. Estuda desenho e pintura com Valdir Sarubbi (1939-2000) e gravura em metal com Selma Daffré (1951). No início da década de 1980, leciona gravura em metal no Paço das Artes, no Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM/SP e nas Oficinas Culturais Oswald de Andrade, em São Paulo. A partir desse período produz desenhos e aquarelas de caráter predominantemente narrativo e que também apresentam referências autobiográficas, relacionadas a sua experiência anterior como artista circense. Trabalha como ilustrador em diversos livros, como Vejam Como Eu Sei Escrever, de José Paulo Paes (1926-1998) (Ática, 2001), e Pindorama, de Sandra Peres e Luiz Tatit (1951) (Cosac &amp; Naify; Palavra Cantada, 2003), e também para o jornal Folha de S. Paulo. Participa do ateliê Barro Blanco, onde produz trabalhos de cerâmica. Em 2002, atua no Projeto Periferia São Paulo como professor de escultura de bronze. Atua ainda em um projeto educacional da Fundação Vale do Rio Doce, ministra oficinas de cultura para professores em cidades do interior das regiões Norte e Nordeste. Sua produção como ilustrador é apresentada na mostra Desenhos de Ilustrações, realizada em 2005, na Estação Pinacoteca, em São Paulo. Análise Alex Cerveny, desde os anos 1980, produz desenhos em que apresenta uma narrativa intimista. Inspira-se em imagens do cotidiano e em personagens extraídos da literatura e também do universo da cultura de massa. Sua obra é repleta de referências pessoais, como a sua vivência de artista circense, presente nas inúmeras figuras retorcidas e elásticas constantes em seus desenhos. Como nota o crítico Marcelo Araújo, as imagens ingênuas provenientes de histórias em quadrinhos, misturadas a figuras de santos e anjos, encontram-se sempre em tensão com as sofisticadas texturas da aquarela e os elaborados elementos arquitetônicos que estruturam as composições. Realiza ainda gravuras nas quais alude a um universo fantástico, em que se misturam personagens bíblicos ou mitológicos, crustáceos, torres e espaços circenses. Nelas predominam as inscrições e grafismos, associados ao trabalho cuidadoso com o claro-escuro, como na água-forte Mércúrio (1986). Entre suas obras mais recentes, encontram-se ainda esculturas de pequenas dimensões, trazendo para o tridimensional as figuras que até então povoavam sua produção gráfica.

REFERÊNCIAS

Itaú Cultural 

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Biografia Alex Flemming (São Paulo, São Paulo, 1954). Pintor, escultor e gravador. Freqüenta o curso livre de cinema na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, entre 1972 e 1974. Cursa serigrafia com Regina Silveira (1939) e Julio Plaza (1938-2003), e gravura em metal com Romildo Paiva (1938), em 1979 e 1980. Na década de 1970, realiza filmes de curtas-metragens e participa de festivais. Em 1981, viaja para Nova York, onde permanece por dois anos e desenvolve projeto no Pratt Institute, com bolsa de estudos da Fulbright Foundation. A partir dos anos 1990, realiza intervenções em espaços expositivos e pinturas de caráter autobiográfico. Passa também a recolher móveis como cadeiras e poltronas, para utilizar em seus trabalhos, aplicando sobre eles tintas e letras ou textos. É professor da Kunstakademie de Oslo, na Noruega, entre 1993 e 1994. Reside na Alemanha a partir de 1995, e continua expondo freqüentemente no Brasil. Em 1998, realiza painéis em vidro para a Estação Sumaré do Metrô de São Paulo, com fotos de pessoas comuns, às quais sobrepõe com letras coloridas trechos de poemas de autores brasileiros. A representação do corpo humano e os mapas de regiões em conflito estão na série Body Builders (2001-2002). Em 2002, são publicados os livros Alex Flemming, pela Edusp, organizado por Ana Mae Barbosa (1936), com textos de diversos especialistas em artes visuais, e Alex Flemming, uma Poética..., de Katia Canton (1962), pela editora Metalivros, e, em 2005, o livro Alex Flemming - Arte e História, de Roseli Ventrella e Valéria de Souza, pela Editora Moderna. Análise Alex Flemming dedica-se inicialmente à gravura, à fotografia e à pintura, realizando, em 1983, uma série de grandes quadros que têm como referência fotografias de corpos vigorosos. Em 1990, sua produção é marcada por uma nova orientação: passa a realizar também intervenções, expondo, na escadaria do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp), diversas cabeças de boi empalhadas, pintadas de azul metálico, encaixadas em latas de lixo brancas invertidas. No começo dos anos 1990, realiza algumas séries de pinturas com caráter autobiográfico, que têm como suporte suas próprias roupas. Posteriormente, passa a recolher e pintar, cadeiras, poltronas e sofás usados, nos quais posteriormente aplica letras, que formam textos retirados de notícias de jornais, deslocando assim a relação preestabelecida com esses objetos. Já em Body Builders (2001-2002), fotografa corpos jovens e esbeltos para em seguida desenhar, sobre essas imagens, mapas de áreas de conflitos e de guerras, como, por exemplo, aquelas do Oriente Médio ou da região de Chiapas, no México. O uso de caracteres gráficos sobre fotografias de pessoas também está presente em um dos seus mais destacados trabalhos: os painéis da Estação Sumaré do Metrô de São Paulo. Compostos por fotos de pessoas comuns, a cada uma delas foi atribuído um poema, escrito em letras meio borradas, com alguns trechos invertidos ou ausentes, o que não impossibilita totalmente a compreensão do texto.

REFERÊNCIAS

Itaú Cultural

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Alexander Calder nasceu em 22 de julho de 1898 em Lawton - Pensilvnia. Filho de pais artistas, onde, seu pai era, também, um escultor e sua mãe uma pintora, convivendo com esse universo foi incentivado desde cedo a criar. Aos nove anos de idade ele fez suas primeiras esculturas, um pequeno cão e um pato, para presentear seus pais no natal. Foram feitos a partir de pedaços, cortados e moldados, de folhas de latão. Desde então pôde-se notar que ela tinha facilidade em criar. Apesar dessa facilidade, Calder não se imaaginava um escultor. Se formou em engenharia em 1919 pelo Stevens Institute of Technology e teve vários trabalhos como engenheiro hidráulico e engenheiro de automóveis, cronometrista em um campo de exploração madeireira, e bombeiro no quarto de um navio da caldeira.  Despertou para a vida artística após aobservar o amanhcer de um  navio ao qual stava trabalhando, com esse acontecimente Calder teria ficado encantado com o que vira e a partir desse momento decidiu que iria se tornar um artista. Em 1923, mudou-se para Nova York,  e se matriculou na Art Students League. Ainda em NY trabalhou como pintor e desenhista, esse último trabalho, na National Police Gazette, foi que lhe abriu as portas para sua carreira artística, uma vez que ela o enviara para Ringling Brothers e Barnum & Bailey com o fim de contrata-lo para esboçar cenas circense, no Ringling Brothers Circus, durante duas semanas , no ano de 1925. O contato com o circo despertou seu interesse durante muito tempo, e que posteriormente o fez criar o Cirque Calder, agora, já em Paris no ano de 1926. O Circo Calder consistia em miniaturas de artistas e objetos circenses e animais, feitos com arames, madeira, couro,  tecido, entre outros materiais que ele observara no Ringling Brothers Circus. Suas esculturas foram projetadas para serem manipuladas por Calder, de uma forma que ele pudesse leva-las a onde ele quisesse. A sua primeira apresentação foi para um grupo de amigos e colegas, para posteriormente aprenstar em Paris e em Nova Yorke, apresentação de grande sucesso, fazendo com que a performace do Cirque Calder ficasse sendo executada durante quaretnta anos. A partir desse trabalho com o Cirque Calder, o escultor percebeu que ele gostava de trabalhar com fios e arames, fazendo várias outras esculturas, até que em 1928 Calder fez sua primeira exposição na Weyhe Gallery em Nova Yorke, e depois disso foi uma exposição atrás da outra, tanto em NY, como em Paris e Berlim. Em uma das viagens da sua turnê de expocisão, Calder conheceu Louisa James, sobrinha - neta do escritor Henry James, e em 1931 casou-se com ela. Além de conhecer a sua esposa nessas viagens, Alexander também tornou-se amigos de intelectuais do século XX,  Joan Miró, Fernand Léger, James Johnson Sweeney, e Marcel Duchamp. Depois de uma visita ao estúdio de Piet Modrian, ao deparar-se com uma parede de retângulos, feita de papel colorido, os quais Modrian encaixava frequentemente para experiência de reposição, Calder deciciu pintar telas abstratas, só para se certificar de que preferia a escultura do que a pintura. Consequentemente foi convidado a participar do Abstraction-Création, influente grupo de artistas incluindo Arp, Mondrian e Hélion. Nesse mesmo ano de 1931, Alexander criou a sua primeira escultura cinética, movida a manivelas e motor, apelidadas por Duchamp de "mobiles", por serem móveis, sendo que logo o escultor abandonou as formas mecânicas dessa obra quando percebeu que poderia fazer outras que seriam movidas por correntes aéreas. Jean Arp, querendo diferenciar as suas obras não-cinéticas das obras cinéticas, nomeou seus objetos estacionários de "estabiles". Em 1933 deixou Paris com a sua esposa e voltou aos Estados Unidos, agora em Roxbury - Connecticut, onde comprara uma fazenda antiga, transformando um de seus compartimentos em seu próprio estúdio. Lá nasceu sua primeira filha, Sandra, no ano de 1935 e em seguida a sua segunda filha, Maria, em 1939. Também associou-se ao Pierre Matisse Gallery em NY, onde realizou a sua primeira mostra em 1934, realizando ainda performances do Cirque de Calder. Nessa mesma época ele começou suas primeiras esculturas ao ar livre. Em 1937, Calder criou sua primeira escultura ao ar livre toda parafusada e inteiramente no metals, chamada de Devil Fish, onde expôs na Pierre Matisse Gallery show,  e o nome de sua amostra era StabilesMobiles. A partir dessa escultura Alexander deslanchou fazendo muito mais delas e na maioria por encomenda como é o caso da Mercury Fountain, que simboliza a resistência republicana espanhola ao fascismo, entre muitas outras belíssimas obras, como posteriormente os seu gigantes móbilies que é resultado da falta de aço, com o acontecimento da II Guerra Mundial, por isso são utilizados pelo escultor, pedaços talhados de madeiras suspensos por arames, chamados por Sweeney e Duchamp de "constelations", embora Calder não os tivesse feito com a intenção de representassem alguma coisa em particular.Esses trabalhos foram apresentados na Pierre Matisse Gallery o qual foi a última exposição solo do escultor, no ano de 1943. Os anos 40 e 50 foram muitos produtivos para Alexander Calder, fazendo mais e mais esculturas ,grande e pequenas e tendo inúmeras encomendas e exposições como retrospectiva, de suas obras nas grandes galerias como a George Walter Vincent Smith Gallery in Springfield - Massachussetts Museum of Modern Art em New York Galerie Louis Carré em Paris Philadelphia Museum of Art's na Terceira Mostra Internacional de Escultura Galerie Maeght entre outras. No ano de 1976 foi chamado pela Whitney Museum of American Art em NY, para inda outra retrospectiva das suas obras com o nome da exposição chamada de " Calder's Universe", chegou a falecer em algumas semanas depois. E é considerado o maior escultor do século XX.

REFERÊNCIAS

Escritório de Arte

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Alexandre Rapoport (Rio de Janeiro, 1929) é um pintor, arquiteto, desenhista e gravador brasileiro. Autodidata, começou a pintar na Faculdade de Arquitetura, antes do final da década de 1950. Estudou desenho com Ubi Paiva e, enquanto estudante, assistiu às aulas de gravura de Raymundo Cella, na Escola Nacional de Belas Artes; foi então que participou de suas primeiras exposições coletivas promovidas pelo Governo Federal. Teve contacto com Cândido Portinari, cujas influências permeiam sua obra até hoje. Viajou pela América Latina inteira, onde tem grande fama. Foi também professor da disciplina de "Composição Decorativa" na faculdade em que se formou. Ainda na década de 50 ganhou a "Menção Honrosa" no Salão Nacional de Belas Artes. De 1956 até aproximadamente 1972, dedicou-se também ao desenho industrial, expondo no Brasil e exterior. Além do Brasil, possui trabalhos em diversas coleções particulares e instituições públicas, em Roma, Viena, Zurique, Nova Iorque, Tóquio, Paris, Buenos Aires, Antuérpia, Washington e Jerusalém. É considerado um surrealista, e sua obra tem grande fama e liquidez. Por um breve momento, na década de 1960, também fez design de mobiliário.

REFERÊNCIAS

Referência: https://pt.wikipedia.org/wiki/Alexandre_Rapoport

BIOGRAFIA

Alfredo Volpi (Lucca, Itália 1896 - São Paulo, São Paulo, 1988). Pintor. Muda-se com os pais para São Paulo em 1897 e, ainda criança, estuda na Escola Profissional Masculina do Brás. Mais tarde trabalha como marceneiro, entalhador e encadernador. Em 1911, torna-se pintor decorador e começa a pintar sobre madeiras e telas. Na década de 1930 passa a fazer parte do Grupo Santa Helena com vários artistas, como Mário Zanini e Francisco Rebolo, entre outros. Em 1936, participa da formação do Sindicato dos Artistas Plásticos de São Paulo e integra, em 1937, a Família Artística Paulista (FAP). Sua produção inicial é figurativa, destacando-se marinhas executadas em Itanhaém, São Paulo. No fim dos anos de 1930, mantém contato com o pintor Emídio de Souza (1868-1949). Em 1940, ganha o concurso promovido pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN), com trabalhos realizados com base nos monumentos das cidades de São Miguel e Embu e encanta-se com a arte colonial, voltando-se para temas populares e religiosos. Realiza trabalhos para a Osirarte, empresa de azulejaria criada em 1940, por Rossi Osir. Sua primeira exposição individual ocorre em São Paulo, na Galeria Itá, em 1944. Em 1950, viaja para a Europa acompanhado de Rossi Osir e Mario Zanini, quando impressiona-se com obras pré-renascentistas. Passa a executar, a partir da década de 1950, composições que gradativamente caminham para a abstração. É convidado a participar, em 1956 e 1957, das Exposições Nacionais de Arte Concreta e mantém contato com artistas e poetas do grupo concreto. Recebe, em 1953, o prêmio de Melhor Pintor Nacional da Bienal Internacional de São Paulo, dividido com Di Cavalcanti (1897-1976); em 1958, o Prêmio Guggenheim; em 1962 e 1966, o de melhor pintor brasileiro pela crítica de arte do Rio de Janeiro, entre outros.

REFERÊNCIAS

ALFREDO Volpi. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1610/alfredo-volpi>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Amelia Amorim Toledo (São Paulo, São Paulo, 1926 - idem, 2017). Escultora, pintora, desenhista, designer. Frequenta o ateliê de Anita Malfatti (1889-1964), em São Paulo, no fim dos anos 1930. Entre 1943 e 1947, estuda com Yoshiya Takaoka (1909-1978) e, em 1948, com Waldemar da Costa (1904-1982). Nesse mesmo ano, trabalha com desenho de projetos no escritório do arquiteto Vilanova Artigas (1915-1985). Em 1958, frequenta a London County Council Central School of Arts and Crafts, em Londres. De volta ao Brasil, em 1960, estuda gravura em metal com João Luís Oliveira Chaves (1924), no Estúdio/Gravura. Obtém, em 1964, o título de mestre pela Universidade de Brasília (UNB). Desde a metade dos anos 1960, leciona na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Mackenzie e na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, e na Escola Superior de Desenho Industrial (Esdi), no Rio de Janeiro. A artista dedica-se também à pintura a óleo e aquarela e ao design de jóias. Realiza obras para espaços públicos, como o projeto cromático, 1996/1998, para a estação Arcoverde do metrô do Rio de Janeiro. Em 1999, é realizada exposição retrospectiva de sua obra na Galeria do Sesi, em São Paulo, e, em 2004, é publicado o livro Amélia Toledo: As Naturezas do Artifício, de Agnaldo Farias.

REFERÊNCIAS

AMELIA Toledo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9129/amelia-toledo>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Amilcar Augusto Pereira de Castro (Paraisópolis, Minas Gerais,1920 - Belo Horizonte, Minas Gerais, 2002). Escultor, gravador, desenhista, diagramador, cenógrafo, professor. Muda-se com a família para Belo Horizonte em 1935, e estuda na Faculdade de Direito da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), de 1941 a 1945. A partir de 1944, frequenta curso livre de desenho e pintura com Guignard (1896 - 1962), na Escola de Belas Artes de Belo Horizonte, e estuda escultura figurativa com Franz Weissmann (1911 - 2005). No fim da década de 1940, assume alguns cargos públicos, que logo abandona, assim como a carreira de advogado. Paralelamente, em seus trabalhos, dá-se a passagem do desenho para a tridimensionalidade. Em 1952, muda-se para o Rio de Janeiro e trabalha como diagramador em diversos periódicos, destacando-se a reforma gráfica que realizou no Jornal do Brasil. Depois de entrar em contato com a obra do suíço Max Bill (1908 - 1994), realiza sua primeira escultura construtiva, exposta na 2ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1953. Participa de exposições do grupo concretista, no Rio de Janeiro e em São Paulo, em 1956, e assina o Manifesto Neoconcreto em 1959. No ano seguinte, participa em Zurique da Mostra Internacional de Arte Concreta, organizada por Max Bill. Em 1968, vai para os Estados Unidos, conjugando bolsa de estudo da Guggenheim Memorial Foundation com o prêmio de viagem ao exterior obtido na edição de 1967 do Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM). De volta ao Brasil, em 1971, fixa residência em Belo Horizonte. Torna-se professor de composição e escultura da Escola Guignard, na qual trabalha até 1977, inclusive como diretor. Leciona na Faculdade de Belas Artes da UFMG, entre as décadas de 1970 e 1980. Em 1990, aposenta-se da docência e passa a dedicar-se com exclusividade à atividade artística.

REFERÊNCIAS

AMILCAR de Castro. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa2448/amilcar-de-castro>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

André de Souza Parente (Sabinópolis, Minas Gerais, 1957). Pesquisador de novas mídias e artista visual. Em 1970, participa de oficinas de fotografia, cinema e gravura na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage), no Rio de Janeiro. É influenciado pelo grupo brasileiro de videoarte, do qual participa sua mãe, Letícia Parente (1930-1991). Realiza filmes em Super-8, como o documentário A Morte da Galinha em Sabinópolis (1976), e no formato 35mm, como o experimental Os Sonacirema (1978). No fim da década de 1970, ingressa na Cooperativa de Realizadores Cinematográficos Autônomos (Corsina), da qual participam os artistas Lygia Pape (1927-2004) e Arthur Omar (1948). Em 1980, gradua-se em psicologia pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Faz  mestrado e doutorado em comunicação na Université Paris 8 (Saint-Denis, França), sob orientação do filósofo francês Gilles Deleuze (1925-1995). Obtém pós-doutorado em 2002, sob orientação do pintor belga Philippe Dubois (1958), na Universidade de Paris III (Paris, França), da qual se torna professor visitante. Em 1991, funda, com Rogerio Luz (1936), o Núcleo de Tecnologia da Imagem (N-Imagem) na UFRJ. No fim da década de 1990, incorpora instalações interativas e videoinstalações à sua produção, apresentadas em países como Alemanha, França, Espanha e Suécia. Ao longo de sua trajetória, desenvolve projetos com outros artistas e teóricos. Em 2002, é contemplado com o prêmio Transmídia, do Instituto Itaú Cultural, fruto da parceria com Ricardo Basbaum (1961). Em 2003, organiza o livro Redes Sensoriais: Arte, Ciência e Tecnologia com Katia Maciel (1963) e apresenta a  videoinstalação Entre Margens. Vence o prêmio Petrobrás de Novas Mídias em 2004, e o prêmio Sergio Motta de Arte e Tecnologia (Instituto Sergio Motta) em 2005. Em 2006, a pesquisa sobre os vídeos de Letícia Parente é contemplada com o prêmio Petrobrás de Memória das Artes. Com Katia Maciel, realiza outros trabalhos colaborativos, como Esteroscopia (2006), Dança das Cadeiras (2007) e Na Parede (2007). Apresenta as obras Curto-Circuito em 2007, Belvedere em 2009 e Circuladô em 2010 – videoinstalações icônicas da produção do artista.  Em 2011, ganha o prêmio Caixa Cultural Brasília e, no ano seguinte, realiza exposição retrospectiva sobre Letícia Parente  no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM/BA) e no Centro Cultural Dragão do Mar no Ceará. Em 2014, recebe o 14o prêmio Marc Ferrez de fotografia.

REFERÊNCIAS

ANDRÉ Parente. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa4634/andre-parente>. Acesso em: 12 de Mai. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Andrei Thomaz é artista visual e programador. Mestre em Artes Visuais pela ECA/USP e formado em Artes Plásticas pela UFRGS. Sua produção artística abrange diversas mídias, digitais e analógicas, envolvendo também várias colaborações com outros artistas, entre as quais encontram-se performances sonoras e instalações interativas. Entre os prêmios e editais pelos quais foi contemplado, encontram-se a Bolsa Funarte de Estímulo à Produção em Artes Visuais 2014; #1 C.LAB – Blau Projects, com curadoria de Douglas Negrisoli, 2014; Edital de Estímulo à Produção Audiovisual do Espaço do Conhecimento UFMG 2012; Prêmio de Ocupação dos Espaços da Funarte 2010, junto com Daniel Escobar e Marina Camargo; Edital do Centro Cultural Banco do Norteste 2010; 63 Salão Paranaense, 2009; Prêmio Atos Visuais, 2007; Prêmio FIAT Mostra Brasil, 2006. Participou de festivais como Videobrasil (2011), FILE (diversas edições) e outros. Como sócio da produtora Mandelbrot, atua como programador e coordenador no desenvolvimento de projetos interativos. Vive e trabalha em São Paulo, SP.

REFERÊNCIAS

Texto retirado do Site do Artista

BIOGRAFIA

Angelo Cannone (Abruzzo, Itália 1899 - Rio de Janeiro RJ 1992) Pintor e desenhista. Estuda no Instituto de Belas Artes de Nápoles com Paolo Vetri. Vive em Roma durante quatro anos com uma pensão conquistada em um concurso. Ganha uma série de prêmios em decorrência de suas exposições. Leciona desenho no Instituto Técnico. Em fins de 1947, vem ao Brasil, reside algum tempo em São Paulo e depois muda-se para o Rio de Janeiro, onde se radica. Pinta o retrato do Papa Pio X, em tamanho natural, que está na Igreja dos Italianos, na mesma cidade.

REFERÊNCIAS

ANGELO Cannone. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9689/angelo-cannone>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Anna Bella Geiger (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1933). Escultora, pintora, gravadora, desenhista, artista intermídia e professora. Com formação em língua e literatura anglo-germânicas, inicia, na década de 1950, seus estudos artísticos no ateliê de Fayga Ostrower (1920-2001). Em 1954, vive em Nova York, onde freqüenta as aulas de história da arte com Hannah Levy no The Metropolitan Museum of Art (MET) [Museu Metropolitano de Arte] e, como ouvinte, cursos na New York University. Retorna ao Brasil no ano seguinte. Entre 1960 e 1965, participa do ateliê de gravura em metal do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), onde passa a lecionar três anos mais tarde. Em 1969, novamente em Nova York, ministra aulas na Columbia University. Volta ao Rio de Janeiro em 1970. Em 1982, recebe bolsa da John Simon Guggenheim Memorial Foundation, em Nova York. Publica, com Fernando Cocchiarale (1951), o livro Abstracionismo Geométrico e Informal: a vanguarda brasileira nos anos cinqüenta, em 1987. Sua obra é marcada pelo uso de diversas linguagens e a exploração de novos materiais e suportes. Nos anos 1970, sua produção tem caráter experimental: fotomontagem, fotogravura, xerox, vídeo e Super-8. Dedica-se também à pintura desde a década de 1980. A partir da década de 1990, emprega novos materiais e produz formas cartográficas vazadas em metal, dentro de caixas de ferro ou gavetas, preenchidas por encáustica. Suas obras situam-se no limite entre pintura, objeto e gravura.

REFERÊNCIAS

ANNA Bella Geiger. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa296/anna-bella-geiger>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Antonio Augusto Marx (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1919). Pintor e arquiteto. Muda-se em 1928 para São Paulo, onde radica-se. Cursa arquitetura, na Universidade Presbiteriana Mackenzie entre 1944 e 1949. Autodidata em seus estudos de pintura, participa, em 1947, da exposição 19 Pintores, promovida pela UCBEU, onde são revelados artistas como Flavio-Shiró (1928), Aldemir Martins (1922), Luiz Sacilotto (1924-2003), entre outros. Entre 1948 e 1963, passa a dedicar-se exclusivamente à arquitetura, abrindo, em 1950, uma empresa de projetos arquitetônicos. Trabalha no departamento de urbanismo da Prefeitura Municipal de São Paulo entre 1950 e 1953. Quando volta a pintar, na metade da década de 60, cria obras com temática social, como operários trabalhando e paisagens em cores escuras. No final dos anos 60, passa a usar cores vibrantes, como azul, laranja e violeta em paisagens naturais. Logo depois, a natureza passa a dividir espaço com construções. Nos anos 90, passa a interessar-se por paisagens urbanas, pintando as cidades de Florianópolis, Rio de Janeiro, São Paulo, Verona (Itália), Barcelona (Espanha) e Roma (Itália). Há 3 livros sobre sua vida e obra escritos pelo crítico Enock Sacramento: A. Marx - O Pintor da Natureza, Verona - História e Paixão e Avenida Paulista. É considerado por muitos críticos um dos maiores paisagistas brasileiros.

REFERÊNCIAS

A. Marx. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1700/a-marx>. Acesso em: 03 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Antonio Gonçalves Gomide (Itapetininga, São Paulo, 1895 - Ubatuba, São Paulo, 1967). Pintor, escultor, decorador e cenógrafo. Muda-se com a família para a Suíça em 1913, e freqüenta a Academia de Belas Artes de Genebra até 1918, onde estuda com Gillard e Ferdinand Hodler (1853 - 1918). Muda-se para a França na década de 1920. Em 1922, em Toulouse, trabalha com Marcel Lenoir (1872-1931), com quem aprende a técnica do afresco. De 1924 a 1926, em Paris, instala ateliê e entra em contato com artistas europeus ligados aos movimentos de vanguarda. No ambiente parisiense, convive também com Victor Brecheret (1894 - 1955) e Vicente do Rego Monteiro (1899 - 1970). Retorna ao Brasil em 1929. Em 1932, atua na fundação da Sociedade Pró-Arte Moderna (Spam) e do Clube dos Artistas Modernos (CAM). Entre as décadas de 1930 e 1940, além de pinturas, produz afrescos e cartões para vitrais. Leciona desenho na escolinha do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), entre 1952 e 1954. Suas obras aliam formas abstratas a motivos indígenas ou a composições com paisagens. Na área das artes decorativas, com Regina Graz (1897-1973) e John Graz (1891-1980), é considerado um dos introdutores do estilo art deco no país.   Análise Antonio Gomide viaja para a França na década de 1920, onde conhece pintores ligados ao cubismo e outros movimentos de vanguarda. Os quadros Paisagem com Barcos e Ponte de Saint-Michel (ambos de 1923) revelam a geometrização e a simplificação formal cubistas, aliados a uma paleta com suaves passagens de tons que remete ao pintor francês Paul Cézanne (1839-1906). Já o Retrato de Vera Azevedo, na opinião da crítica Maria Alice Milliet, representa a assimilação máxima do art deco no Brasil, com seu caráter altamente estilizado. A arquitetura determina o ritmo ascensional do quadro, acompanhando a verticalização da metrópole paulistana. Algumas obras de Gomide revelam afinidades estilísticas com a produção de Vicente do Rego Monteiro e Victor Brecheret.   A partir da década de 1930, com o retorno de Gomide ao Brasil, sua pintura passa a enfatizar temas nacionais. Como nota o historiador da arte Walter Zanini (1925-2013), à inspiração cubista de suas obras dos anos 1920, se opõem as obras posteriores, caracterizadas pela abordagem mais espontânea de um repertório diversificado, em que predomina a figura humana.   Antonio Gomide destaca-se pela versatilidade técnica, realizando pinturas a óleo, aquarelas, desenhos, afrescos, cartões para vitrais e vários projetos decorativos, nos quais as linhas sinuosas e as formas abstratas são aliadas a motivos indígenas ou a composições com paisagens. Na área das artes decorativas, com Regina Graz e John Graz, é considerado um dos introdutores do estilo art deco no país.

REFERÊNCIAS

ANTONIO Gomide. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa5781/antonio-gomide>. Acesso em: 04 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Antonio Henrique Abreu Amaral (São Paulo, São Paulo, 1935 - idem 2015). Pintor, gravador e desenhista. Inicia sua formação artística na Escola do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp), com Roberto Sambonet (1924-1995), em 1952. Em 1956, estuda gravura com Lívio Abramo (1903-1992) no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP). Em 1958, viaja para a Argentina e o Chile, onde realiza exposições e entra em contato com Pablo Neruda (1904-1973). Viaja para os Estados Unidos em 1959, estudando gravura no Pratt Graphics Center, em Nova York. Voltando ao Brasil em 1960, trabalha como assistente na Galeria Bonino, no Rio de Janeiro, e conhece Ivan Serpa (1923-1973), Candido Portinari (1903-1962), Antonio Bandeira (1922-1967), Djanira (1914-1979) e Oswaldo Goeldi (1895-1961). Paralelamente à carreira artística, atua como redator publicitário. No início da carreira realiza desenhos e gravuras que se aproximam do surrealismo. A partir da metade da década de 1960, sua produção passa a incorporar a temática social, elementos da gravura popular e da cultura de massa, aproximando-se também da arte pop. Em 1967, lança o álbum de xilogravuras coloridas O Meu e o Seu, com apresentação e texto de Ferreira Gullar (1930) e capa de Ruben Martins (1929-1968), em que apresenta uma crítica ao autoritarismo vigente no país. Passa a dedicar-se predominantemente à pintura. Recebe em 1971 o prêmio viagem ao exterior do Salão de Arte Moderna do Rio de Janeiro e viaja para Nova York. Retorna ao Brasil em 1981.

REFERÊNCIAS

ANTONIO Henrique Amaral. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8581/antonio-henrique-amaral>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Antonio Gundemaro Lizárraga ( nasceu 1924  e faleceu 2009). Foi um artista argentino naturalizado brasileiro. Em 1959, mudou-se para São Paulo, onde trabalhou como ilustrador e designer gráfico. Na década de 1970, dedicou-se à escultura, pintura e instalações, explorando formas geométricas. Mesmo após sofrer trombose em 1983, continuou criando com a ajuda de assistentes. Publicações como "Uma Poética da Radicalidade" (2000) celebram sua obra. Lizárraga faleceu em São Paulo, vítima de insuficiência cardíaca.

REFERÊNCIAS

• ANTONIO Lizarraga. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa3540/antonio-lizarraga>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
  ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Antonio Maia (Carmópolis SE 1928 - Rio de Janeiro RJ 2008). Pintor, desenhista, gravador, ilustrador. Vive a infância no interior sergipano, o que contribui para o desenvolvimento de uma temática sua ligada à religiosidade popular do Nordeste. Transfere-se para o Rio de Janeiro em 1955, ali exercendo a atividade de pintor e adotando como estilo o abstracionismo informal. Faz pesquisas de textura entre 1955 e 1963. Realiza sua primeira exposição individual em Cataguases MG, em 1960. Ganha prêmio de viagem aos Estados Unidos em 1968, patrocinado pela galeria do Instituto Cultural Brasil-Estados Unidos. Obras suas são adquiridas pelo Museu de Ontario, Canadá, em 1973.

REFERÊNCIAS

ANTONIO Maia. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1616/antonio-maia>. Acesso em: 16 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Antônio Maluf (São Paulo SP 1926 - idem 2005). Pintor, desenhista e artista gráfico. Inicia seus estudos em engenharia civil e passa, posteriormente, a cursar a Escola Livre de Artes Plásticas, em São Paulo, dirigida por Flávio Motta (1916). Realiza também cursos de pintura com Waldemar da Costa (1904 - 1982)  e Flexor (1907 - 1971). Estuda gravura no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - Masp, com Poty (1924 - 1998) e Darel (1924). Freqüenta o primeiro curso de desenho industrial da América Latina, no Instituto de Arte Contemporânea - IAC do Masp, onde é aluno de Sambonet (1924 - 1995), entre outros. Nessa época, entra em contato com a arte construtiva, por meio da obra de Max Bill (1908 - 1994), apresentada na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, e no Masp, em 1952. A tendência construtiva caracteriza sua atividade como artista, designer gráfico e programador visual. Vence o concurso para o cartaz da 1ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, e este é considerado um marco do design gráfico no país. O artista utiliza vários suportes e realiza pinturas murais e elementos modulares, atuando em colaboração com arquitetos como Vilanova Artigas (1915 - 1985), entre outros. Comentário Crítico Antônio Maluf estuda na Escola Livre de Artes Plásticas, em São Paulo, na década de 1940, e também cursa pintura nos ateliês de Waldemar da Costa (1904 - 1982)  e Flexor (1907 - 1971). Em 1951, matricula-se no primeiro curso de desenho industrial da América Latina, no Instituto de Arte Contemporânea - IAC do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - Masp. Entre os colegas do IAC, encontram-se futuros grandes designers e artistas concretos brasileiros como Alexandre Wollner (1928) e Maurício Nogueira Lima (1930 - 1999). Maluf segue uma trajetória singular, pois apesar de adotar a linguagem construtiva, compartilhada por vários artistas a partir da década de 1950, não se vincula a nenhum grupo. Elabora, em 1951, um de seus primeiros trabalhos concretos, Equação dos Desenvolvimentos em Progressões Crescentes e Decrescentes, que é adaptado para participar do concurso de cartazes da 1ª Bienal Internacional de São Paulo. Ele vence o concurso e seu trabalho é considerado um marco no design gráfico brasileiro. O cartaz traz retângulos que se adensam, à medida em que são reduzidos, em direção ao centro do papel. Apresenta assim uma vibração ótica resultante da sugestão de movimento criada pelas linhas paralelas. Já nas séries Progressões Crescentes e Decrescentes, o artista cria um ritmo que parece se ampliar ao infinito, pela repetição de uma mesma estrutura geométrica. Maluf utiliza variados suportes, dedicando-se a pinturas murais em azulejos e estampas para tecidos, sempre norteados por sua visão da arte concreta. Na opinião da crítica Regina Teixeira de Barros, a produção de Antônio Maluf baseia-se no conceito da equação dos desenvolvimentos, estabelecendo uma relação de igualdade entre os elementos da linguagem artística e o suporte sobre o qual eles são aplicados. Nos murais criados, por exemplo, para o edifício Vila Normanda, no centro de São Paulo, a disposição dos azulejos que servem como suporte é proporcional à utilizada nos retângulos que constituem o mural. Através de variações possíveis, obtidas pela divisão de retângulos em doze unidades, o artista lida com princípios de equilíbrio e contrastes de cores, criando ritmos rigorosamente elaborados. Como designer, elabora cartazes, logomarcas, padronagens de tecido, projetos para outdoors e integra sua obra gráfica a projetos de arquitetura. Cria murais e elementos modulares, colaborando com arquitetos como, por exemplo, Vilanova Artigas (1915 - 1985). A tendência construtiva caracteriza sua trajetória como artista e suas atividades de designer e programador visual. Com seus trabalhos, colabora para a transformação da identidade visual da cidade de São Paulo, integrando a arte às atividades relacionadas ao cotidiano da população.

REFERÊNCIAS

ANTÔNIO Maluf. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa22438/antonio-maluf>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Antonio Peticov (Assis SP 1946). Desenhista, gravador, escultor e pintor. Com produção diversificada, Peticov trabalha com pintura, desenho, gravura, escultura e ilustração. Faz instalações como Balli Ballet (1982), em Cloudwalk Farm, Connecticut, e The Big Ladder - Scala Cromatica (1983), para a New York Art Expo, nos Estados Unidos. Apresenta, em 1989, o Projeto Natura - Rio Pinheiros na 20ª Bienal Internacional de São Paulo, prevendo a plantação de várias espécies de árvores ao longo do rio Pinheiros, em São Paulo; e, em 1992, cria o Projeto Bosque Natura, para a Conferência da Organização das Nações Unidas sobre o Meio Ambiente e Desenvolvimento, no Rio de Janeiro. Realiza, em 1990, o mural Momento Antropofágico com Oswald de Andrade, instalado na estação República do metrô de São Paulo, em homenagem ao centenário do escritor. Em 2003, é lançado o livro Trabalhos Escolhidos, juntamente com a exposição no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - Masp. Em suas pinturas trabalha freqüentemente com séries temáticas como a Seção Áurea e Dia e Noite, utilizando conceitos da física e da matemática, relacionados ao espectro de cores e à luz. Comentário Crítico Autodidata, Antonio Peticov estuda história da arte e os movimentos de vanguarda na segunda metade da década de 1960. Trabalha com pintura, escultura e instalações, apresentando uma produção diversificada. Em seus quadros, destacam-se os efeitos luminosos e a utilização de cores intensas. Neles, cria imagens oníricas alinhadas ao imaginário da publicidade. Realiza, em 1990, o mural Momento Antropofágico com Oswald de Andrade, em homenagem ao centenário do escritor, instalado na estação República do metrô de São Paulo. O espectador ao situar-se em um ponto de vista frontal em relação ao mural, vê formas ondulantes na parte central. Ao posicionar-se em um ângulo de 45 graus, passa a perceber nessas formas um rosto. O artista emprega a anamorfose,1 e explora oposições como positivo e negativo, e horizontalidade e verticalidade. Peticov emprega freqüentemente conceitos matemáticos e também da física, relacionados ao espectro de cores e à luz, criando obras de cunho simbólico.

REFERÊNCIAS

Referência: Itaú Cultural

BIOGRAFIA

Antonio Batista de Souza (Aldeia de Santa Cristina da Pousa, Braga, Portugal 1925 - Goiânia, Goiás, 2010). Escultor, pintor, ceramista.  Imigra com a família para São Paulo em 1926. Mais tarde, reside em Araguari e Uberlândia, em Minas Gerais, onde inicia a atividade de ceramista, realizando peças utilitárias. Monta duas fábricas de cerâmica, que vão à falência, e passa um longo período entre os índios na Ilha do Bananal, em Goiás. Passa a residir em Goiânia. Em 1957, adota o apelido de Antonio Poteiro por sugestão da folclorista Regina Lacerda, que o orienta a assinar seus bonecos de barro. Gradualmente passa a apresentar, em suas obras, motivos regionais e temas bíblicos. Em 1972, já como conhecido ceramista, é estimulado a pintar por Siron Franco (1947) e Cleber Gouvêa (1942 - 2000). Expõe seus trabalhos em mostras no Brasil e no exterior. Leciona cerâmica no Centro de Atividades do Sesc e nas cidades de Hannover e Düsseldorf, na Alemanha. Em 1985, recebe o prêmio da Associação Paulista dos Críticos de Arte - APCA, na categoria escultura. Em 1997, é homenageado com a Comenda da Ordem do Mérito Cultural, do Ministério da Cultura, Brasil.

REFERÊNCIAS

ANTONIO Poteiro. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9718/antonio-poteiro>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Arcangelo Ianelli (São Paulo, São Paulo, 1922 - idem 2009). Pintor, escultor, ilustrador e desenhista. Inicia-se no desenho como autodidata. Em 1940, estuda perspectiva na Associação Paulista de Belas Artes e, em 1942, recebe orientação em pintura de Colette Pujol (1913-1999). Dois anos depois, freqüenta o ateliê de Waldemar da Costa (1904-1982) com Lothar Charoux (1912-1987), Hermelindo Fiaminghi (1920-2004) e Maria Leontina (1917-1984). Durante a década de 1950 integra o Grupo Guanabara juntamente com Manabu Mabe (1924-1997), Yoshiya Takaoka (1909-1978), Jorge Mori (1932), Tomoo Handa (1906-1996), Tikashi Fukushima (1920-2001) e Wega Nery (1912-2007), entre outros. A partir da década de 1940, produz cenas cotidianas, paisagens urbanas e marinhas, que revelam grande síntese formal e uma gama cromática em tons rebaixados. Por volta dos anos 1960, volta-se ao abstracionismo informal e produz telas que apresentam densidade matérica e cores escuras. No fim dos anos 1960, sua obra é ao mesmo tempo linear e pictórica, onde se destaca o uso de grafismos. Já a partir de 1970, volta-se à abstração geométrica e emprega principalmente retângulos e quadrados, que se apresentam como planos superpostos e interpenetrados. Atua ainda como escultor, desde a metade da década de 1970, quando realiza obras em mármore e em madeira, nas quais retoma questões constantes na obra pictórica. Em 2002, comemora os seus 80 anos com retrospectiva montada pela Pinacoteca do Estado de São Paulo (Pesp).

REFERÊNCIAS

ARCANGELO Ianelli. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa17407/arcangelo-ianelli>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Armando Romanelli de Cerqueira, Roma para amigos, é um pintor impressionista de refinada sensibilidade nascido e formado no Estado do Rio de Janeiro. Filho e neto de grandes artistas da pintura, iniciou-se na arte aos 15 anos, cursando o Instituto de Belas Artes. Em perfeito equilíbrio de formas e cores, Romanelli desenvolve suas obras com grande influência dos mestres europeus, projetando emoções, criando uma atmosfera de encantamento, construindo um autêntico universo de sonho, sem porém, perder os vínculos com o mundo real. Conceituado artista nacional e internacional, recebeu sua primeira medalha de ouro em 1968, no Primeiro Salão Duquecaxiense de Pintura. Dessa época para cá, continuou crescendo e participando de exposições e premiações.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/armando-romanelli-de-cerqueira/biografia

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Armando Moral Sendin (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1928). Pintor, ceramista, escultor, desenhista, gravador e professor. Dedica boa parte de sua vida a estudos: cursa a Escola de Belas Artes de Priego na Espanha (por volta de 1940); filosofia na Universidade de São Paulo (1945 a 1949); especialização em estética, com Bogumil Jasinowsky, na Universidade do Chile (1950); e, como bolsista do governo francês, estética na Sorbonne, com mestre Souriau (1950 a 1953). Durante suas viagens, trabalha com Gensoli na Manufatura Nacional de Sevres, França, e desenvolve pesquisas com o ceramista Zuloaga e técnicas de cerâmica de origem oriental com Guardiola e com Gonzalez-Marti, na Espanha. Entre 1954 e 1964, dá cursos de pintura, cerâmica, escultura e desenho em seu estúdio, em São Paulo. Nessa mesma cidade, realiza sua primeira mostra individual, no Clube dos Artistas em 1960. Em 1965, publica um livro didático intitulado Cerâmica Artística. Na década de 80, recebe o Prêmio Ribeiro Couto como destaque do ano em Artes Plásticas (1982). 

REFERÊNCIAS

SENDIN . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8855/sendin>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Arnaldo Ferrari (São Paulo, São Paulo, 1906 - Idem, 1974). Pintor, desenhista, professor. Seguindo a profissão do pai, trabalha como pintor decorador, realizando frisos decorativos para residências. Estuda artes decorativas no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, entre 1925 e 1935. Em 1934, divide um ateliê com amigos no edifício Santa Helena e, pela amizade com o pintor Mario Zanini (1907-1971), aproxima-se dos demais integrantes do Grupo Santa Helena. Como Alfredo Volpi (1896-1988), faz decorações para palacetes, dedicando-se à pintura esporadicamente. Freqüenta também o curso livre de pintura e desenho na Escola Nacional de Belas Artes (Enba), onde tem aulas de desenho e pintura com Enrico Vio (1874-1960), entre 1936 e 1938. Sua produção inicial aproxima-se daquela dos pintores do Grupo Santa Helena em relação aos temas e realiza paisagens dos arredores de São Paulo, naturezas-morta e nus. Entre 1950 e 1959, integra o Grupo Guanabara, com Thomaz (1932-2001), Tomie Ohtake (1913), Tikashi Fukushima (1920-2001) e Oswald de Andrade Filho (1914-1972). Na metade da década de 1950, interessa-se pela obra do pintor uruguaio Joaquín Torres-García (1874-1949), e volta-se para a pintura abstrata e construtivista. É apresentada retrospectiva de sua obra em 1975, no Paço das Artes, em São Paulo, e catálogo com textos de Theon Spanudis (1915-1986), José Geraldo Vieira (1897-1977) e Mário Schenberg (1914-1990). Análise Arnaldo Ferrari estuda desenho no Liceu de Artes e Ofícios, entre 1925 e 1935. Também em torno de 1930, freqüenta o curso livre de desenho e pintura da Escola de Belas Artes de São Paulo, onde é aluno de Enrico Vio. Até a década de 1950, acompanha o Grupo Santa Helena, produzindo naturezas-mortas e paisagens dos arredores de São Paulo, que apresentam grande simplificação formal e uma paleta de tons escuros. A partir da metade da década de 1950, aproxima-se do Grupo Guanabara, também de São Paulo. Nessa época, começa a pintar paisagens urbanas, principalmente fachadas de casas, cujo tratamento formal tende cada vez mais à abstração, como em Casario (1960) e em Igrejas e Casas (1962). Sua pintura passa a vincular-se ao construtivismo geométrico, revelando a apreciação da obra do pintor uruguaio Joaquín Torres-García (1874-1949). Predomina em suas obras um ritmo visual vibrante, dado pela freqüência de curvas e contracurvas ou pelo jogo de ortogonais, em composições cuidadosas. Os quadros revelam uma pulsação interna forte, dada também pelo uso da gama cromática, densa e profunda, mais do que impactante. Na opinião do historiador da arte Walter Zanini (1925), na obra do artista está presente sempre uma espiritualização em tudo aquilo que compõe o seu universo.

REFERÊNCIAS

ARNALDO Ferrari. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8720/arnaldo-ferrari>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Arthur Luiz Piza (São Paulo, São Paulo, 1928 - Paris, França, 2017). Gravador, desenhista, escultor. Inicia a formação artística em 1943, estudando pintura e afresco com Antonio Gomide (1895-1967). Após participar da 1ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, viaja para a Europa e passa a residir em Paris. Freqüenta o ateliê de Johnny Friedlaender (1912 - 1992) e aperfeiçoa-se nas técnicas de gravura em metal, água-forte, talho-doce, água-tinta e ponta-seca. Em 1953, participa da 2ª Bienal Internacional de São Paulo e obtém o prêmio aquisição. Na 5ª Bienal, em 1959, é contemplado com o grande prêmio nacional de gravura. Nesse período, começa a fazer relevos, picotando suas aquarelas e aproveitando os fragmentos em colagens sobre tela, papel, cobre e madeira. Posteriormente cria relevos de metal sobre sisal, e produz peças tridimensionais em grande escala e trabalhos em porcelana e ourivesaria. Realiza ilustrações para diversos livros, de tiragens reduzidas. No fim dos anos 1980, cria um mural tridimensional para o Centro Cultural da França, em Damasco, Síria. Em 2002, são apresentadas na Pinacoteca do Estado de São Paulo (_Pina), e no Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli - Margs, em Porto Alegre, duas amplas retrospectivas de sua obra.

REFERÊNCIAS

PIZA . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9617/piza>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Artur Alípio Barrio de Sousa Lopes (Porto, Portugal 1945). Artista multimídia e desenhista. Em 1955, passa a viver no Rio de Janeiro. Começa a se dedicar à pintura em 1965 e, a partir de 1967, freqüenta a Escola Nacional de Belas Artes - Enba. Nesse período, realiza os "cadernos livres", com registros e anotações que se afastam das linguagens tradicionais. Em 1969, começa a criar as Situações: trabalhos de grande impacto, realizados com materiais orgânicos como lixo, papel higiênico, detritos humanos e carne putrefata (como as Trouxas Ensangüentadas), com os quais realiza intervenções no espaço urbano. No mesmo ano, escreve um manifesto no qual contesta as categorias tradicionais da arte e sua relação com o mercado, e a situação social e política na América Latina. Em 1970, na mostra Do Corpo à Terra, espalha as Trouxas Ensangüentadas em um rio em Belo Horizonte. Barrio documenta essas situações com o uso de fotografia, cadernos de artista e filmes Super-8. Cria também instalações e esculturas, nas quais emprega objetos cotidianos. Realiza constantes viagens, e reside também na África e na Europa - em Portugal, na França e na Holanda. Desde a metade da década de 1990, ocorrem várias publicações e exposições que procuram recuperar sua obra.

REFERÊNCIAS

ARTUR Barrio. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa47/artur-barrio>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Benedito Calixto de Jesus (Conceição de Itanhaém, SP, 1853 - São Paulo, SP, 1927). Pintor, professor, historiador, ensaísta. Transfere-se para Brotas, interior de São Paulo, onde adquire noções de pintura com o tio Joaquim Pedro de Jesus, ao auxiliá-lo na restauração de imagens sacras de uma igreja local. Calixto realiza a primeira individual em 1881, na sede do jornal Correio Paulistano, em São Paulo. Muda-se para Santos, trabalha na oficina de Tomás Antônio de Azevedo, e é incumbido da decoração do teto do Theatro Guarany. Em 1883, viaja a Paris para estudar desenho e pintura, com recursos concedidos pelo visconde Nicolau Pereira de Campos Vergueiro. Freqüenta o ateliê de Jean François Raffaëlli (1850-1924) e a Académie Julian, e convive com os pintores Gustave Boulanger (1824-1888), Tony Robert-Fleury (1837-1911) e William-Adolphe Bouguereau (1825-1905), entre outros. Retorna ao Brasil em 1884, trazendo uma câmera fotográfica, que passa a utilizar para elaborar suas composições. Reside em Santos e posteriormente em São Vicente. Produz inúmeras marinhas, em que representa o litoral paulista. No começo do século XX, realiza diversos painéis de temas religiosos para igrejas na capital e interior do Estado de São Paulo. Pinta vistas de antigos trechos das cidades de São Paulo, Santos e São Vicente para o Museu Paulista da Universidade de São Paulo (MP/USP), por encomenda do diretor do museu o historiador Afonso d´Escragnolle Taunay (1876-1958). Dedica-se também a estudos históricos da região e à preservação de seu patrimônio, e publica, entre outros, os livros A Vila de Itanhaém, em 1895, e Capitanias Paulistas, em 1924. Comentário Crítico Benedito Calixto manifesta, desde muito jovem, a tendência para a pintura. Em 1881, passa a residir em Santos, cidade que lhe serve de inspiração para vários quadros. Com uma bolsa concedida pela cidade de Santos, viaja para Paris, onde permanece menos de um ano, trazendo de lá um equipamento fotográfico. É com o quadro Enchente na Várzea do Carmo, ca.1892, que o artista consegue maior destaque: a crítica da época aponta a exatidão admirável com que representa a cidade de São Paulo e alguns de seus principais pontos, como o mercado, a rua 25 de março, a fábrica de chitas e o casario do Brás. O artista realiza diversas obras para o Museu Paulista, sob encomenda de Afonso d´Escragnolle Taunay, sobretudo cenas da São Paulo antiga e paisagens, sendo que algumas foram baseadas em desenhos de Hercule Florence (1804-1879) ou em fotografias de Militão Augusto de Azevedo (1837-1905), entre outros. Para seus quadros históricos e religiosos, como Fundação de São Vicente, 1900 ou Fundação de Santos, 1922, realiza estudos fotográficos preparatórios, para os quais se vale de minuciosa pesquisa histórica. As paisagens são a temática mais cara ao artista. Nessas obras, apresenta uma pintura lisa, com o uso de veladuras e um colorido sempre fiel às características locais, embora trabalhado de maneira bastante pessoal no uso dos verdes, azuis e ocres. Benedito Calixto, que dispunha de amplo conhecimento sobre o litoral paulista, atua ainda como cartógrafo, realizando ensaios de mapas de Santos, e como historiador, escrevendo sobre as capitanias paulistas.

REFERÊNCIAS

Referência: Itaú Cultural

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Argentino nascido em Buenos Aires em 21 de janeiro de 1923. Autodidata. A sua preferência pelo desenho leva-o a persistir nesta disciplina através de várias técnicas, de preferência a carvão e nanquim. A entrada na cor é feita por meio de aquarela e têmpera, até chegar ao seu trabalho de cavalete pelo procedimento a óleo. Estudou as escolas impressionista e expressionista, combinando entre elas uma forma original que o caracterizou de forma conclusiva. Ele é apresentado para consideração pública em 1951 no Salão dos Independentes, na Galeria Rose Marie, Witcomb, etc., seus trabalhos sendo recebidos com comentários favoráveis ​​da crítica. Em 1957, realiza a sua primeira individual na Galeria Van Riel e realiza 49 exposições desta natureza até 1986, além de 238 coletivas. Entre 1956 e 1964 participou em 14 Salões Nacionais e Provinciais, interrompendo nesta última data a sua participação neste tipo de eventos. Obtém primeiros prêmios em exposições privadas. Em 1956 recebeu o "Prêmio ao melhor Esboço" Seção de Desenho do 45º Salão Nacional de Artes Plásticas (Capital), bem como em 1973 o "Louro da Primavera" junto com o professor Diomede na Galeria dos Pintores Argentinos do Teatro do Povo. Participou, junto com figuras proeminentes do plástico nacional, de exposições no Canadá, EUA, Londres, Romênia, Lima, Itália (Montecatini), México, Guatemala, Universidades de Viena e Estocolmo, Cidade Universitária de Paris e Colégio Prefeito Argentino de Madrid, conquistando julgamentos críticos louváveis. Está representada nas principais galerias de arte privadas nacionais argentinas, nas do Brasil, Chile, Estados Unidos, Espanha, Uruguai, Japão, Israel, Alemanha e Itália, na Direção Geral de Serviços Sociais do Ministério das Finanças da Nação , Museu de Belas Artes Pergamino Arts, Museu "Estanislao Guzmán Loza" de Miramar, Museu de Belas Artes La Boca, Museu de Belas Artes "Ceferino Carnacini" de Villa Ballester, Museu de Artes Plásticas Moreno, Museu de Belas Artes "General Urquiza" (Capital), bem como na Embaixada da Argentina em Ottawa (Canadá), Instituto Nacional de Cultura de Lima (Peru),Secretaria de Relações Exteriores do México, Cidade Universitária de Paris, Academia de Arte Montecatini (Itália), Embaixada Argentina na Guatemala, Museu de Arte Argentina de Pinamar, Museu Municipal de Arte "Angel María de Rosa" (Junín) e Museu Provincial de Artes de La Pampa.

REFERÊNCIAS

Traduzido do site: http://www.bernardofontanet.com.ar/castellano/curriculum.htm

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Bruno Giorgi (Mococa, São Paulo, 1905 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1993). Escultor. Muda-se com a família para Itália, e fixa-se em Roma em 1913. Em 1920, inicia estudos de desenho e escultura com o professor Loss. Participa de movimentos antifascistas. Em 1931, é preso por motivos políticos e condenado a sete anos de prisão. É extraditado para o Brasil em 1935, por intervenção do embaixador brasileiro na Itália. Em São Paulo, trava contato com Joaquim Figueira (1904 - 1943) e Alfredo Volpi (1896 - 1988). Em 1937, viaja para Paris e freqüenta as academias La Grand Chaumière e Ranson, onde estuda com Aristide Maillol (1861 - 1944). Em 1939, retorna a São Paulo e convive com Mário de Andrade (1893 - 1945), Lasar Segall (1891 - 1957), Oswald de Andrade (1890 - 1954) e Sérgio Milliet (1898 - 1966), entre outros. Começa a praticar desenho de modelo-vivo e pintura com os artistas do Grupo Santa Helena e integra a Família Artística Paulista (FAP). Em 1943, transfere-se para o Rio de Janeiro. A convite do ministro Gustavo Capanema (1900 - 1985) instala ateliê no antigo Hospício da Praia Vermelha, onde orienta jovens artistas como Francisco Stockinger (1919). Possui obras em espaços públicos como Monumento à Juventude Brasileira (1947), nos jardins do antigo Ministério da Educação e Saúde (MES), atual Palácio Gustavo Capanema, no Rio de Janeiro; Candangos (1960), na praça dos Três Poderes, e Meteoro (1967), no lago do edifício do Ministério das Relações Exteriores, em Brasília; e Integração, 1989, no Memorial da América Latina, em São Paulo.

REFERÊNCIAS

BRUNO Giorgi. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8920/bruno-giorgi>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Caciporé de Sá Continho da Lamare Torres (Araçatuba, São Paulo, 1935). Escultor, desenhista e professor. Viaja para a Europa através de bolsa de estudos que recebe na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, de 1951, e durante dois anos freqüenta os ateliês de escultura de Marino Marini (1901-1980) e Alexander Calder (1898-1976). Retorna ao Brasil em 1953, participa de exposições, e posteriormente, regressa à Europa. Em 1954, estuda história da arte na Sorbonne, Paris, e trabalha em ateliê durante 4 anos, período em que desenvolve obra de caráter abstracionista. Passa a construir formas maciças orgânicas e geométricas, utilizando peças metálicas de aparência industrial, como o aço, bronze e ferro. Muitas dessas esculturas são feitas em grandes dimensões e integram museus e espaços públicos de diversas cidades, como as obras na Praça da Sé, metrô Santa Cecília, e painel escultórico em Miami, Estados Unidos. Entre 1961 e 1971, leciona escultura na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap) e, a partir de 1971, na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Presbiteriana Mackenzie, ambas em São Paulo. Em 1970, é eleito presidente da Associação Internacional de Artes Plásticas/Unesco, e, em 1980 e 1982, melhor escultor brasileiro pela Associação Paulista de Críticos de Artes (APCA). É agraciado com a Comenda Mário de Andrade pelo Governo do Estado de São Paulo, na gestão de Paulo Egydio Martins.

REFERÊNCIAS

CACIPORÉ Torres. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa21475/cacipore-torres>. Acesso em: 08 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Alberto Caetano Dias Rodrigues (Feira de Santana, Bahia, 1959). Artista visual. Cursa letras vernáculas na Universidade Católica do Salvador, entre 1985 e 1987. O início de sua carreira artística é marcada pela participação no Grupo Interferências, com realização de murais em espaços públicos em Salvador. Em 1988, realiza a performance Hormônios de uma Cidade, no Teatro do ACBEU e uma pintura mural na Praça de Oxum/Terreiro Casa Branca. Desde 1995, ministra curso de pintura nas oficinas do Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM/BA). Atualmente, sua obra não privilegia um suporte ou técnica, trabalha com vídeo, pintura, obras tridimensionais, instalação multimídia e fotografia digital. 

REFERÊNCIAS

CAETANO Dias. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa26794/caetano-dias>. Acesso em: 12 de Mai. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Diógenes Campos Ayres (Itapetininga SP 1881 - São Paulo SP 1944). Pintor, desenhista. De família do interior paulista, começa a pintar como autodidata em Avaré, São Paulo. Expõe pela primeira vez em 1906, na Casa Bevilácqua, em São Paulo. Em 1909 torna-se bolsista do Pensionato Artístico do Estado de São Paulo, regulamentado em 1912, e viaja para Paris. Estuda de 1909 a 1910 na Académie Julian, com Tony Robert-Fleury (1837-1912), pintor de retratos e composições históricas, presidente da Sociedade dos Artistas Franceses, Paul Albert Laurens (1870-1934) e Henri Paul Royer (1869-1938), integrante da chamada Escola de Nancy - interessada na representação das tradições regionais e na vida fora dos grandes centros urbanos -, que expõe diversas vezes no Brasil. Nas aulas, Ayres exercita os habituais estudos de figura, mas é nos passeios nos arredores de Paris que busca paisagens para seus quadros. Faz frequentes visitas ao Musée du Louvre [Museu do Louvre], onde observa os paisagistas franceses do século XIX, em especial Jean-Baptiste-Camille Corot. Em 1914 retorna ao Brasil e em maio desse ano apresenta individual na Casa Mascarani, em São Paulo. Expõe em junho de 1917, na Casa Verde. Em fevereiro de 1919, participa da exposição Autos, na Casa di Franco, loja de instrumentos musicais, também em São Paulo, quando desperta a atenção de Monteiro Lobato (1882-1948), que lhe dedica um artigo elogioso no jornal O Estado de S. Paulo.

REFERÊNCIAS

CAMPOS Ayres. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa21310/campos-ayres>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Candido Portinari (Brodósqui, São Paulo, 1903 – Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1962). Pintor, gravador, ilustrador e professor. Portinari caracteriza-se como um artista que muda suas técnicas ao longo do tempo, mas mantém como temática o homem brasileiro e as questões sociais e históricas que o determinam. O pintor inicia sua formação artística na Escola Nacional de Belas Artes (Enba), no Rio de Janeiro, em 1920. Obtém o prêmio de viagem ao exterior em 1928 e segue para a Europa no ano seguinte, episódio crucial em sua trajetória artística. Lá, conhece as obras dos mestres italianos Giotto (ca.1266-1337) e Piero della Francesca (ca.1415-1492), além de importantes nomes da cena europeia da época, como o artista plástico italiano Amedeo Modigliani (1884-1920) e o pintor espanhol Pablo Picasso (1881-1973). Todos esses artistas têm grande influência na obra de Portinari em diferentes momentos de sua carreira.  Retorna ao Brasil no início de 1931 e passa a produzir com intensidade. No começo da carreira, Portinari tem a intenção de criar uma pintura de característica nacional, baseada em tipos brasileiros, seguindo o legado do pintor Almeida Júnior (1850-1899). Porém, para o escritor Mário de Andrade (1893-1945), em grande parte de suas pinturas, Portinari não está preocupado em retratar determinado brasileiro (como faz Almeida Júnior no fim do século XIX), mas o povo brasileiro. Assim, Portinari supera o regionalismo de Almeida Júnior e produz uma obra com um caráter nacional e moderno, não apenas pelos temas tratados, mas também por suas grandes qualidades plásticas, o que vai ao encontro das ideias de Mário de Andrade e do movimento modernista brasileiro. Os quadros O Mestiço e Lavrador de Café (ambos de 1934) são exemplos dessa figura do brasileiro retratada por Portinari. Neles, os personagens são pintados em composições monumentais, e predominam tons de marrom da paisagem, na qual se destacam os campos cultivados ao fundo. Também em Café (1935), a figura humana adquire formas escultóricas robustas, com o agigantamento de mãos e pés, recurso que reforça a ligação dos personagens com o mundo do trabalho e da terra. Esta obra rende ao pintor um prêmio do Carnegie Institute, de Pittsburgh, Estados Unidos, em 1935, e ele se torna o primeiro modernista brasileiro premiado no exterior.  Portinari é um artista reconhecido não apenas por seus quadros, mas também por seus famosos murais em prédios e monumentos importantes. Em 1936, realiza seu primeiro mural, que integra o Monumento Rodoviário da Estrada Rio-São Paulo. Em seguida, convidado pelo então ministro Gustavo Capanema (1900-1985), pinta vários painéis para o novo prédio do Ministério da Educação e Cultura (MEC), no Rio de Janeiro, com temas dos ciclos econômicos do Brasil. Em 1941, pinta os painéis para a Biblioteca do Congresso em Washington D.C., Estados Unidos, com temas da história do Brasil. Realizados em têmpera, com grande luminosidade, os painéis têm como protagonistas, mais uma vez, os trabalhadores.  Ainda na década de 1940, depois de ver Guernica (1937), de Picasso, no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), a admiração de Portinari pela obra do pintor espanhol, presente desde o início da carreira, é renovada. O trabalho de Portinari passa, então, a apresentar mais dramaticidade, expressando a tragédia e o sofrimento humano, e adquire caráter de denúncia em relação a questões sociais brasileiras, reveladas em obras como as da Série Bíblica (1942-1944) e Os Retirantes (1944-1945).  Na Série Bíblica, em telas como O Último Baluarte (1942) e O Massacre dos Inocentes (1943), a influência de Picasso pode ser percebida no uso dos tons de cinza, na teatralidade dos gestos, na criação de um espaço abstrato, na deformação pronunciada e no choque constante entre figura e fundo.  Já na Série Os Retirantes, os elementos expressionistas continuam presentes, mas com uma dramaticidade mais controlada. As telas são construídas com pinceladas largas e em composições piramidais, apresentando uma paleta dominada por tons terrosos e cinza, que realçam o caráter da representação. O artista expressa a tragédia dos retirantes por meio dos gestos crispados das mãos e das lágrimas de pedra. Há uma desarticulação das figuras, em um ritmo definido pelas linhas negras, com um fundo que tende à abstração em algumas obras. Em 1956, Portinari inaugura os painéis Guerra e Paz (1953-1956), produzidos para a sede da Organização das Nações Unidas (ONU), em Nova York, pelos quais recebe o Prêmio Guggenheim no mesmo ano. Esses murais apresentam um resumo da trajetória do artista, em termos de iconografia: neles estão presentes a mãe com o filho morto, os retirantes e os meninos de Brodósqui. Em 1979, seu filho João Cândido Portinari (1939) implanta o Projeto Portinari, que reúne um vasto acervo documental sobre a produção, a vida e a época do artista, com o objetivo de resgatar mais de 4.600 obras de Candido Portinari, que  constituem, em sua grande maioria, coleções particulares, inacessíveis ao grande público.  Candido Portinari é um dos maiores expoentes da arte brasileira, não apenas por suas qualidades artísticas e pelo seu reconhecimento internacional, mas, principalmente, por contribuir com a fundação de uma cultura nacional no Brasil. Sua obra é ao mesmo tempo singular, ao retratar as mazelas sociais brasileiras, e universal, ao retratar o sofrimento humano.

REFERÊNCIAS

CANDIDO Portinari. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10686/candido-portinari>. Acesso em: 16 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Carlos Alberto de Araújo Filho (São Paulo SP 1950). Pintor, desenhista, litógrafo. Inicia em 1963 estudos autodidáticos com o painel Alegoria ao Carnaval. Entre 1971 e 1975 cursa engenharia na Universidade Mackenzie, em São Paulo. Em 1973, é convidado a participar da exposição Imagens do Brasil, em Bruxelas. No ano seguinte, faz a primeira exposição individual, no Masp, local em que realiza outras exposições. Além da pintura, trabalha outras técnicas, como desenho e litografia. Lança em Paris, em 1989, o livro de litogravuras Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse. Na sua obra observam-se elementos da pintura renascentista. No decorrer de sua carreira, realiza diversas exposições individuais e coletivas, no Brasil e exterior. Em 1980, o painel Anunciação, de sua autoria, é enviado pelo governo brasileiro ao Papa João Paulo II. Em 1984, é premiado pela Associação Paulista de Críticos de Arte - APCA.

REFERÊNCIAS

CARLOS Araújo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8934/carlos-araujo>. Acesso em: 27 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Nasceu em Goiás a 07 de janeiro de 1959 e desde a sua primeira infância mora em Brasília. Aqui trabalha como arquiteto e artista plástico. Tem as duas formações pela Universidade de Brasília somados à vivência em ateliês de outros artistas, viagens e workshops. Depois de participar com destaque em vários eventos e exposições de caráter local, nacional e internacional com premiações e reconhecimento da crítica, Borges se destaca também nas intervenções de grande porte, usando seus conhecimentos de arquiteto. Pode-se destacar a instalação "Sentinela", no centro antigo de São Paulo e as 27 pinturas na instalação "Grande Paisagem", uma metáfora visual com as bandeiras do Brasil, no Salão Negro do Congresso Nacional em Brasília. O trabalho de Carlos Borges transita num universo de criação em constante metamorfose, não se prendendo a limites, fórmulas ou materiais específicos, colocando todos estes a serviço de suas necessidades estéticas na materialização de um "mundo" próprio, povoado de cores, formas e intrigante tridimensionalidade

REFERÊNCIAS

Texto retirado de: https://www.catalogodasartes.com.br/artista/Carlos%20Borges/

BIOGRAFIA

Domício Moreira Pedroso, mais conhecido como Domício Pinho. Nascido em 1915, em Curitiba, Paraná, e falecido em 2004. Estudou na Escola Nacional de Belas Artes (Enba) no Rio de Janeiro e, posteriormente, na École des Beaux-Arts em Paris. Ele também foi aluno do artista plástico e professor, Paulo Rossi Osir. Algumas de suas exposições individuais notáveis incluem: - 1948: Exposição individual no Salão de Arte do Instituto de Artes da Universidade Federal do RJ - 1963: Exposição individual na Galeria Bonino, Rio de Janeiro - 1982: Exposição individual na Galeria de Arte Banestado, Curitiba Domício Pinho também foi um dedicado educador, tendo lecionado em diversas instituições, incluindo a Escola de Artes Visuais do Paraná e a Universidade Federal do Paraná. Sua obra é um testemunho de sua versatilidade e criatividade, e ele é considerado um dos principais artistas brasileiros do século XX.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

CARLOS FAJARDO (NASCEU EM: 1941 EM SÃO PAULO) CONHECIDO POR SUA OBRA QUE TRANSITA ENTRE PINTURA, ESCULTURA E INSTALAÇÃO. FOI MEMBRO FUNDADOR DO GRUPO REX E DA ESCOLA BRASIL, AMBOS MARCOS NA ARTE CONTEMPORÂNEA BRASILEIRA. DESDE 1983, É PROFESSOR NA ECA-USP E PRODUZIU TRABALHOS QUE EXPLORAM QUESTÕES DE MATERIALIDADE, SUPERFÍCIE E TRIDIMENSIONALIDADE. PARTICIPOU DE QUATRO EDIÇÕES DA BIENAL DE SÃO PAULO E DUAS DA BIENAL DE VENEZA, ALÉM DE EXPOSIÇÕES INTERNACIONAIS. RECEBEU PRÊMIOS COMO A BOLSA VITAE E O PRÊMIO PRICE WATERHOUSE (MAM-SP), E SUA OBRA INTEGRA ACERVOS DE MUSEUS RENOMADOS​.

REFERÊNCIAS

https://www.escritoriodearte.com/artista/carlos-fajardo

www.catalogodasartes.com.br/artista/Carlos%20Fajardo%20-%20Carlos%20Alberto%20Fajardo/

https://www.sp-arte.com/artistas/carlos-fajardo/

 

 

 

BIOGRAFIA

Carlos Haraldo Sorensen (Bauru, São Paulo, 1928 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2008).Pintor, ceramista, tapeceiro, cenógrafo, ilustrador, figurinista, arquiteto, designer, poeta. Carlos Haraldo Sorensen forma-se em arquitetura pela Faculdade de Arquitetura da Universidade do Brasil em 1958. Em 1952 e 1953 vive em Paris (França) onde freqüenta o ateliê de André Lhote e conhece Picasso, Roonet e Fernand Léger , durante esse período também estuda na Escola Superior de Belas Artes de Paris com Gleizes. Em 1948 trabalha com Di Cavalcanti (1897-1976), com quem pinta inúmeros painéis. Em 1949 faz sua primeira individual, na Cooperativa dos Artistas Plásticos em São Paulo SP. Durante a década de 50 ilustra diariamente inúmeras revistas e jornais com Santa Rosa (1909-1956), Portinari (1903-1962) e Sigaud (1899-1979); participa de diversos salões, entre eles o Salão Preto e Branco, no Palácio da Cultura do Rio de Janeiro. Em 1950 organiza o 1º Salão do ART no Clube do Rio de Janeiro, e dois anos depois organiza, junto com grupo de expositores orientados por Lucio Costa (1902-1998) e Jorge Amado (1912-2001), o 1º Salão Brasileiro de Arte Moderna. Em 1951 ingressa como ator na cia de Jean Louis Barrault - Madeleine Renaut. Entre 1956 e 1970 é diretor de arte na TV Tupi, a convite de Assis Chateaubriand (1892-1968). Entre 1970 e 1981 realiza a criação visual do programa Fantástico e de musicais e novelas da Rede Globo. Participa da 8ª Bienal Internacional de São Paulo em 1965, e em 1976, da Retrospectiva de 35 anos de atividades no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), na Real Galeria de Arte e no MEC, onde recebe o Prêmio Aquisição MEC. Em 1985 expõe no 8º Salão Nacional de Artes Plásticas, no MAM/RJ. Ilustra diversos livros, desenha figurinos para peças teatrais e recebe diversos prêmios como Prêmio Melhor Figurinista do Ano em 1958 e 1962.

REFERÊNCIAS

SORENSEN . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa24743/sorensen>. Acesso em: 27 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Carlos Monzani nasceu em Buenos Aires, Argentina, em 2 de junho de 1929. Até 1978 atuou como Chefe da Oficina de Cenografia do Teatro Colón, tendo feito, entre outras, as cenografias dos balés, O Pássaro de Fogo, A Verdade (o primeiro conjunto informalista feito na Argentina), A máscara e o rosto, etc. Colaborou sob a direção do Maestro Raul Soldi na pintura da cúpula do Teatro Colon.  Integra regularmente o Júri em diferentes manifestações artísticas. Foi escolhido para representar a Argentina com suas obras, na comemoração dos 500 anos do descobrimento da América, realizada em Hong Kong. Atualmente está desenvolvendo a atividade docente em oficina própria. Ele é considerado o criador do "Realismo Mágico", que se tornou uma corrente universal. Dentro desta busca artística, Monzani investiga com a sua pintura, por um percurso surrealista muito particular, transmitindo uma concepção do mundo fantástico e um devaneio poético com um sentido ligeiramente irónico. Monzani diz: “O homem, além de seu prazer estético, pode desvendar os princípios universais do rico repertório subconsciente que a América tem e que devemos resgatar, onde a natureza se humaniza pelo signo e se hierarquiza pela lenda. América, as árvores falam e os sapos usam chapéu. Desde o início, o homem diz isso."

REFERÊNCIAS

Texto traduzido de: https://enkaustikos.blogspot.com/2012/03/carlos-monzani-gente-de-arte.html
© ENKAUSTIKOS

 

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Carlos Páez Vilaró (Montevidéu, Uruguai, 1923 - Punta Ballena, Uruguai, 2014) foi um pintor, ceramista, escultor, muralista, escritor, compositor e empresário uruguaio, proprietário da famosa galeria de arte e hotel Casapueblo, monumento modelado com suas próprias mãos1. Nasceu em Montevidéu em 1923. Partiu para Buenos Aires integrando-se ao meio artístico. Voltou ao Uruguai na década de 40 e iniciou seu trabalho com o tema afro-oriental e o candombe, ritmo afro-uruguaio que envolve tambores. Vilaró dedicou-se à pintura e decoração dos candombes, incentivando o movimento folclórico. Esgotadas as explorações e atuações do tema, partiu para uma viagem à países onde a negritude tinha presença marcante. O artista persistiu no tema afro-uruguaio. Fixou residência em Punta Ballena, no Uruguai, onde construiu a Casapueblo, sua "escultura habitável", que hoje é "club hotel”, museu e atelier do artista.

REFERÊNCIAS

¹TEXTO Retirado de:https://pt.wikipedia.org/wiki/Carlos_P%C3%A1ez_Vilar%C3%B3

 

Texto retirado de: http://www.ufrgs.br/acervoartes/artistas/v/vilaro-carlos-paez

 

BIOGRAFIA

CARLOS PRADO (NASCEU EM: 1908, SÃO PAULO – FALECEU EM: 1992, SÃO PAULO) PINTOR, GRAVADOR, CERAMISTA, ARQUITETO E DESENHISTA. FORMADO EM ARQUITETURA PELA ESCOLA POLITÉCNICA DE SÃO PAULO, TAMBÉM PROJETOU DESENHO E PINTURA COM GEORG FISCHER ELPONS. PRADO FOI UM DOS FUNDADORES DO CLUBE DE ARTE MODERNA (1932-1933) E SE DESTACOU POR SUA PRODUÇÃO QUE EXPLORAVA TEMAS URBANOS, SOCIAIS E ERÓTICOS. SUAS OBRAS INCLUEM O ÁLBUM A CIDADE MODERNA (1958). PARTICIPOU DE EXPOSIÇÕES IMPORTANTES, COMO A 1ª, 2ª E 18ª BIENAIS DE SÃO PAULO (1951, 1953, 1985) E REALIZOU UMA RETROSPECTIVA NO MUSEU DE ARTE MODERNA DE SÃO PAULO EM 1976. SUAS OBRAS INTEGRAM COLEÇÕES DE INSTITUIÇÕES COMO O MUSEU DE ARTE DE ARTE DE SÃO PAULO SÃO PAULO (MASP) E PINACOTECA DE SÃO PAULO. 

REFERÊNCIAS

https://www.escritoriodearte.com/artista/carlos-prado

https://www.catalogodasartes.com.br/artista/Carlos%20Prado%20-%20Carlos%20da%20Silva%20Prado/

https://pt.wikipedia.org/wiki/Carlos_da_Silva_Prado

BIOGRAFIA

CARLOS SCLIAR (NASCEU EM: 1920, SANTA MARIA, RGS - FALECEU EM: 2001, RIO DE JANEIRO,RJ). ARTISTA MULTIFACETADO, ATUANDO EM DIVERSAS ÁREAS COMO PINTURA, GRAVURA, ILUSTRAÇÃO, CENOGRAFIA E DESIGN GRÁFICO. SUA TRAJETÓRIA ARTÍSTICA FOI MARCADA POR SUA PARTICIPAÇÃO EM MOVIMENTOS ARTÍSTICOS IMPORTANTES, COMO A FAMÍLIA ARTÍSTICA PAULISTA (FAP). SCLIAR TEVE UMA FORMAÇÃO SÓLIDA, ESTUDANDO COM O RENOMADO ARTISTA GUSTAV EPSTEIN EM PORTO ALEGRE. AO LONGO DE SUA CARREIRA, TRABALHOU EM DIVERSOS PROJETOS, DESDE A ILUSTRAÇÃO DE LIVROS ATÉ A CRIAÇÃO DE CENÁRIOS PARA TEATRO. SUA EXPERIÊNCIA NA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL, COMO INTEGRANTE DA FORÇA EXPEDICIONÁRIA BRASILEIRA, DEIXOU MARCAS PROFUNDAS EM SUA OBRA, COMO EVIDENCIADO NO "CADERNO DE GUERRA". APÓS A GUERRA, SCLIAR APROFUNDOU SEUS CONHECIMENTOS EM GRAVURA, FUNDANDO O CLUBE DE GRAVURA DE PORTO ALEGRE COM VASCO PRADO.  AO LONGO DE SUA CARREIRA, SCLIAR RECEBEU DIVERSAS HOMENAGENS E RECONHECIMENTO POR SUA CONTRIBUIÇÃO PARA A ARTE BRASILEIRA. 

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Maria do Carmo da Costa Gross (São Paulo, São Paulo, 1946). Artista visual. As primeiras obras de Carmela Gross nos anos 1960 são realizadas enquanto estuda artes plásticas na Faculdade Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, no curso de Formação de Professores de Desenho. A partir de 1972, é vinculada à área de Poesias Visuais no Departamento de Artes Plásticas da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA/USP), onde leciona na graduação e na pós-graduação.  Em 1981, conclui o mestrado em Artes na ECA e, em 1987, o doutorado, ambos sob orientação do crítico de arte e curador Walter Zanini (1925-2013). Essas pesquisas acadêmicas, Projeto para a Construção de um Céu e Pintura-Desenho, tornam-se obras e são expostas respectivamente na Bienal de São Paulo, em 1981, e no Museu de Arte Contemporânea (MAC), em 1987. Em 1991, a artista recebe bolsa de estudos e passa quatro meses no The European Ceramics Workcentre, em Hertogenbosch, Holanda. O resultado da residência artística é apresentado na exposição Facas, inaugurada em 1994 Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), no Rio de Janeiro, e no Museu de Arte Moderna (MAM), em 1995, em São Paulo. Em 2000, o livro Carmela Gross, com entrevistas e panorama de sua trajetória artística é publicado pela editora Cosac & Naify. Participa de sete edições da Bienal de São Paulo (1967, 1969, 1981, 1983, 1989, 1998 e 2002); três edições do evento Arte Cidade (1994, 1997, 2002); 2a Bienal Nacional de Artes Plásticas (1968), em Salvador; 2a Bienal de Arte Contemporânea de Moscou (2007); e da 5a Bienal do Mercosul (2015), em Porto Alegre. Apresenta suas obras no Itaú Cultural, no Centro Universitário Maria Antônia, na Pinacoteca do Estado de São Paulo, entre outras instituições no Brasil e no exterior. Produz obras públicas para as cidades de Porto Alegre (Rio Grande do Sul), Laguna (Santa Catarina) e Paris (França). Seus trabalhos fazem parte de coleções, como a do Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu de Arte Contemporânea da USP, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte de Brasília, Museu de Arte do Paraná, Fundação Padre Anchieta, Itaú Cultural e Biblioteca Luis Angel Arango de Bogotá.

REFERÊNCIAS

CARMELA Gross. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8666/carmela-gross>. Acesso em: 28 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Carmélio Rodrigues Cruz (Canindé CE 1924). Desenhista, cenógrafo, figurinista, gravador. Trabalha com o mestre Jacinto de Souza, de quem recebe as primeiras informações sobre arte, entre 1935 e 1940. Quatro anos depois, participa da Sociedade Cearense de Artes Plásticas - SCAP ao lado de Antonio Bandeira (1922 - 1967), Aldemir Martins (1922 - 2006) e outros. Em 1947, muda-se para o Rio de Janeiro, passando a lecionar na Associação Brasileira de Desenho, até 1950. É diretor do departamento de arte da TV Continental, entre 1959 e 1961. Expõe individualmente pela primeira vez em 1951, no Museu de Arte Moderna de Resende, MAM/Resende. Em 1963, realiza o documentário O Fogo e a cenografia do filme Pluft, o Fantasminha, recebendo por este trabalho o Prêmio Saci de O Estado de S. Paulo e o Prêmio Governador do Estado de São Paulo.

REFERÊNCIAS

CARMELIO Cruz. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10295/carmelio-cruz>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

CARYBÉ  (NASCEU EM: 1911, LANÚS, ARGENTINA  - FALECEU EM: 1997,SALVADOR, BAHIA) CARYBÉ, NOME ARTÍSTICO DE HECTOR JULIO PÁRIDE BERNABÓ, FOI UM ARTISTA PLÁSTICO ARGENTINO QUE SE APAIXONOU PELA CULTURA BRASILEIRA, ESPECIALMENTE PELA BAHIA. SUAS OBRAS, VIBRANTES E CHEIAS DE VIDA, RETRATAM A BELEZA DA BAHIA, SEUS RITUAIS AFRO-BRASILEIROS, A CAPOEIRA E O POVO BAIANO. CARYBÉ NÃO ERA APENAS UM PINTOR, MAS TAMBÉM UM GRAVADOR, ESCULTOR, CERAMISTA E ILUSTRADOR, DEIXANDO UM LEGADO RIQUÍSSIMO PARA A ARTE BRASILEIRA. SUA OBRA, MARCADA POR UM FORTE SENTIMENTO DE IDENTIDADE CULTURAL, TORNOU-SE UM ÍCONE DA ARTE BRASILEIRA, CELEBRANDO A DIVERSIDADE E A RIQUEZA DO PATRIMÔNIO CULTURAL DO PAÍS.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Cássia Aresta é uma artista visual brasileira de Florianópolis, destacada por sua linguagem construtiva e uso de estruturas geométricas para criar relações espaço-tempo. Desde os anos 1980, participou de exposições no Brasil e no exterior, explorando interações de planos, cores e superfícies.Em 2017, apresentou "O Mundo que Cabe nas Pupilas", utilizando fotos sobre vinil adesivo para capturar movimentos da maré. Seu trabalho busca revelar sutilezas do cotidiano por meio de uma estética única.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Nasceu em Cássia, Minas Gerais em 1952, cidade que deu origem ao seu nome. Descobriu a escultura ao dobrar, ao dar forma a pedaços de arame. Em 1966, deixou Cássia e veio para São Paulo, tinha 13 anos. Aqui ao ver pela primeira vez esculturas em mármore e bronze, falou consigo: "é isso o que quero fazer". Do pensamento a ação foi um pulo, aproximou-se de artistas que trabalhavam com bronze, ferro e aço. Em 1970 matriculou-se na Escola Panamericana de Arte. Fez publicidade. Em 1977 foi trabalhar numa fundição, e fez a coisa certa, antropófago, devorou tudo o que pôde, aprendeu todas as manhas e artimanhas dos bronzes, ferros e aços... Tomou conhecimento dos ácidos e do manuseio dos fornos. Hoje, no seu ateliê, Cassio Lázaro está cercado por colaboradores devotados, nas máquinas e ferramentas que inventou. Cássio dá continuidade ao arame que dobrou há mais de 30 anos.

REFERÊNCIAS

Texto retirado de: https://www.catalogodasartes.com.br/artista/Cassio%20Lazaro%20-%20C%C3%A1ssio%20L%C3%A1zaro/

BIOGRAFIA

Chanina Luwisz Szejnbejn (Zofjowce, Polônia 1927 - Belo Horizonte, Minas Gerais, 2012). Pintor, desenhista, gravador, ilustrador e professor. Emigra para o Brasil com seus pais, aos nove anos de idade, estabelecendo-se em Belo Horizonte. Cursa gravura em metal com Anna Letycia (1929), litografia com João Quaglia (1928) e composição com Fayga Ostrower (1920-2001), na mesma cidade, em meados de 1940. Em 1946, estuda pintura e desenho com Guignard (1896-1962) e escultura com Franz Weissmann (1921), no Instituto de Belas Artes de Belo Horizonte, hoje Escola Guignard. Naquele mesmo ano, ingressa no curso de medicina da Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG), formando-se em 1955. Paralelamente ao exercício da medicina, dedica-se às atividades artísticas e ao ensino, tornando-se professor de pintura na Escola Guignard. Faz capas de livros e ilustrações, especialmente para o Suplemento Literário do Diário Oficial de Minas Gerais. Em 1984, é premiado com a medalha da Inconfidência, comenda concedida pelo governo de Minas Gerais a personalidades que contribuem para a projeção da cultura mineira.

REFERÊNCIAS

CHANINA . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9791/chanina>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Cicero dos Santos Dias (Escada, Pernambuco, 1907 - Paris, França, 2003). Pintor, gravador, desenhista, ilustrador, cenógrafo e professor. Inicia estudos de desenho em sua terra natal. Em 1920, muda-se para o Rio de Janeiro, onde matricula-se, em 1925, nos cursos de arquitetura e pintura da Escola Nacional de Belas Artes (Enba), mas não os conclui. Entra em contato com o grupo modernista e, em 1929, colabora com a Revista de Antropofagia. Em 1931, no Salão Revolucionário, na Enba, expõe o polêmico painel, tanto por sua dimensão quanto pela temática, Eu Vi o Mundo... Ele Começava no Recife. A partir de 1932, no Recife, leciona desenho em seu ateliê. Ilustra, em 1933, Casa Grande & Senzala, de Gilberto Freyre (1900- 1987). Em 1937, é preso no Recife quando da decretação do Estado Novo. A seguir, incentivado por Di Cavalcanti (1897-1976), viaja para Paris onde conhece Georges Braque, Henri Matisse, Fernand Léger e Pablo Picasso, de quem se torna amigo. Em 1942, é preso pelos nazistas e enviado a Baden-Baden, na Alemanha. Entre 1943 e 1945, vive em Lisboa como Adido Cultural da Embaixada do Brasil. Retorna a Paris onde integra o grupo abstrato Espace. Em 1948, realiza o mural do edifício da Secretaria das Finanças do Estado de Pernambuco, considerado o primeiro trabalho abstrato do gênero na América Latina. Em 1965, é homenageado com sala especial na Bienal Internacional de São Paulo. Inaugura, em 1991, painel de 20 metros na Estação Brigadeiro do Metrô de São Paulo. No Rio de Janeiro, é inaugurada a Sala Cicero Dias no Museu Nacional de Belas Artes (MNBA). Recebe do governo francês a Ordem Nacional do Mérito da França, em 1998, aos 91 anos.

REFERÊNCIAS

CICERO Dias. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1787/cicero-dias>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Nasceu Cid de Abreu em Serra Negra/SP, 28/01/1924, e adotou como nome artistico o nome de sua cidade natal, passando a assinar suas obras como CID SERRA NEGRA Pintor nascido em 28 de janeiro de 1924 na cidade paulista de Serra Negra, cujo nome adotou artisticamente. Executou pinturas decorativas da Igreja de São Benedito em sua cidade natal. Artista catalogado nas primeiras edições do Dicionário Brasil de Artes Plásticas.

REFERÊNCIAS

Fonte: https://www.catalogodasartes.com.br/artista/Cid%20de%20Abreu%20-%20Cid%20Serra%20Negra%20-%20Cid/

https://galeriapaulista.com/acervo/pinturas-desenhos/cid-serra-negra-sao-francisco-monet-ose-77x62/

BIOGRAFIA

Cildo Campos Meirelles (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1948). Artista multimídia. Inicia seus estudos em arte em 1963, na Fundação Cultural do Distrito Federal, em Brasília, orientado pelo ceramista e pintor peruano Barrenechea (1921). Começa a realizar desenhos inspirados em máscaras e esculturas africanas. Em 1967, transfere-se para o Rio de Janeiro, onde estuda por dois meses na Escola Nacional de Belas Artes (Enba). Nesse período, cria a série Espaços Virtuais: Cantos, com 44 projetos, em que explora questões de espaço, desenvolvidas ainda nos trabalhos Volumes Virtuais e Ocupações (ambos de 1968-1969). É um dos fundadores da Unidade Experimental do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), em 1969, na qual leciona até 1970. O caráter político de suas obras revela-se em trabalhos como Tiradentes - Totem-monumento ao Preso Político (1970), Inserções em Circuitos Ideológicos: Projeto Coca-cola (1970) e Quem Matou Herzog? (1970). No ano seguinte, viaja para Nova York, onde trabalha na instalação Eureka/Blindhotland, no LP Sal sem Carne (gravado em 1975) e na série Inserções em Circuitos Antropológicos. Após seu retorno ao Brasil, em 1973, passa a criar cenários e figurinos para teatro e cinema e, em 1975, torna-se um dos diretores da revista de arte Malasartes. Desenvolve séries de trabalhos inspirados em papel moeda, como Zero Cruzeiro e Zero Centavo (ambos de 1974-1978) ou Zero Dólar (1978-1994). Em algumas obras, explora questões acerca de unidades de medida do espaço ou do tempo, como em Pão de Metros (1983) ou Fontes (1992). Em 2000, a editora Cosac & Naify lança o livro Cildo Meireles, originalmente publicado, em Londres em 1999, pela Phaidon Press Limited. Participa das Bienais de Veneza, 1976; Paris, 1977; São Paulo, 1981, 1989 e 2010; Sydney, 1992; Istambul, 2003; Liverpool, 2004; Medellín, 2007; e do Mercosul, 1997 e 2007; além da Documenta de Kassel, 1992 e 2002. Tem retrospectivas de sua obra feitas no IVAM Centre del Carme, em Valência, 1995; no The New Museum of Contemporary Art, em Nova York, 1999; na Tate Modern, em Londres, 2008; e no Museum of Fine Arts de Houston, 2009. Recebe, em 2008, o Premio Velázquez de las Artes Plásticas, concedido pelo Ministerio de Cultura da Espanha. Em 2009, é lançado o longa-metragem Cildo, sobre sua obra, com direção de Gustavo Moura.

REFERÊNCIAS

CILDO Meireles. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10593/cildo-meireles>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Claudia Colares (Fortaleza- Ceará, 1968 - atualmente reside em Vila Real, Portugal) Pintora brasileira. Desenhista autodidata. No final da década de 80, abandonou a faculdade de engenharia civil e a partir desse episódio deu início ao seu percurso nas artes plásticas. Claudia Colares é a filha do meio dos sete filhos de Antônio Paulino e Lúcia Colares. A casa cheia a fez sempre procurar, desde criança, os silêncios possíveis para desenhar e folhear livros em busca de referências artísticas. A mãe nunca deixou faltar papel, lápis e livros. Isso garantiu a ela, uma relação contínua e determinante para a formação autodidata e para a existência da trajetória artística. ”De meu pai herdei a musicalidade e a independência de achar que posso aprender tudo o que devo saber, e da mãe a resiliência, objetividade e a atenção às oportunidades” C. Colares (2007). O desenvolvimento de técnicas só foi possível a partir do ensino privado em colégios religiosos onde foi apresentada a uma nova relação de importância com materiais utilizados para o desenho e a pintura. No período escolar, ela dedicou-se à música, ao teatro e ao desenho. Claudia sempre enxergou nessas três áreas ferramentas essenciais para a formação de sua expressão artística. A dedicação exclusiva às artes plásticas deu-se a partir do encontro com Batista Sena (Camocim-CE, 1952 - Fortaleza - CE, 2014). Sob a direção desse grande Mestre, redimensionou-se a visão sobre arte e a cultura e impulsionou-se a produção em pintura, o pensamento crítico e a postura artística profissional. Dentre os inúmeros trabalhos produzidos por Claudia no final da década de 80 e início da década de 90, Batista elegeu dois para inscrever no VI Salão de Artes de Camocim. O resultado foi outro grande marco para a pintura de Claudia Colares. Conquistou a crítica e o primeiro lugar no salão com o “Prêmio Liberdade”. Com o incentivo artístico e financeiro, a pintora mudou-se de vez para Camocim e assim, garantiu a periodicidade da produção. Abandonou o curso de engenharia e pode dedicar-se ao desenvolvimento da técnica da pintura na terra de Raimundo Cela e sob os olhos de Batista Sena. Enquanto trabalhava em seu pequeno atelier na bucólica cidade de Camocim, pintou as paisagens possíveis e criou personagens para o desenvolvimento da poética de sua pintura. Com um ano produzindo de forma intensiva, Colares garantiu para si uma maior intimidade com os materiais. Desse período nasceu a paixão pela tinta à óleo. “com a pintura aprendi coisas maravilhosas sobre a existência e sobre o quanto é necessário experimentar e ver luzes diferentes.” C. Colares (1990). Em 1991, de volta a Fortaleza, estudou fotografia com Celso Oliveira e produção cultural com Glaucia Costa. Em 1993 mudou-se para Guarapari - ES. Em seu novo atelier instalado, produz exposições e dedica-se ao estudo do canto lírico e à teoria musical. Sempre de forma independente, produziu e apresentou suas obras para colecionadores locais a fim de garantir financeiramente a continuidade da produção. “com a pintura aprendi a fazer tinta e pão.” C.Colares (1994). Em 2006, fez suas primeiras exposições internacionais em França e Espanha e em 2010, a convite da Prefeitura de Copenhagen realizou uma exposição e ministrou palestras na Dinamarca . Quando voltou ao Brasil, fechou seu atelier e ingressou no curso de Bacharelado em Artes Plásticas na Universidade Federal do Espírito Santo. Entre 2010 a 2014 estudou: desenho, cerâmica, escultura, gravura, história da arte, artes da performance, arte contemporânea e, sob a orientação do professor doutor Lincoln Guimarães Dias, dedicou-se integralmente ao projeto em pintura e aos estudos da pintura abstrata que conferiu sua graduação com nota máxima. As reflexões estéticas e teóricas sobre o processo criativo da produção artística em pintura no período acadêmico junto ao ingresso de sua filha Maria na Universidade de São Paulo, a impulsionaram em 2016 a resgatar sua “identidade nômade” e montar um atelier na capital paulista. Com o apoio dos grandes amigos e colecionadores, Pedro Mastrobuono e Roberta Matarazzo, seu trabalho foi rapidamente difundido entre críticos, colecionadores e amantes das artes da cidade. Nesse período, o atelier deu estrutura a nova pintura de Claudia Colares que conquistou a abstração como a maior forma de expressão. “Costumo comemorar várias coisas. Muitas dessas coisas são visões prismadas e por isso não espero que mais alguém enxergue como motivo para festa. Hoje, comemoro o conforto e a sensação de prazer de finalmente deliciar-me com a conquista da planicidade da cor sobre a tela. Hoje, somente hoje, depois de uma caminhada afoita e determinada que consumiu cinco anos de uma possível juventude! Percebendo e duelando com os traços contornais gritantes que surgiam à minha frente. Volumes escultóricos implorando para serem gerados. A tão sonhada biplanicidade indo pro espaço a cada fraquejada fazendo-me quase desenhar com a luz. Ai meus pés! ai minhas cores atonais. Não os sinto. Mas como a carne é dura e vencer é uma possibilidade, eis aqui: Cor sobre cor. Cinza cromático agindo como um verdadeiro amigo. Apoiando sem interferir. A pincelada, hoje, somente hoje; dançante me sorri. Viva São Greenberg ! Não pensar; apenas me divertir com desdobramentos estéticos que surgem saltitantes a cada cor! Aaaah! a sensação desse hoje é de que valeu a pena. Ao meu "passível e infalível" orientador, Lincoln Guimarães Dias, uma flor de cada cor construída em paleta heterogênea que vai de um colbaltoprussianoceleste ao laranjonápolis angelical. Gratia Plena por este dia!” C.Colares (2017)   Depois de um curso de Introdução a Arte Moderna com o professor Agnaldo Faria oferecido pela UNIBES Cultural, e o convívio com a produção dos artistas que conheceu na cidade, retomou o figurativo de forma expressionista e construiu sobre suas telas - cada vez de maiores dimensões - o que ela declara ser “uma história íntima com a cor”. “O tempo levou o preto e o branco de minha paleta, porém, trouxe escalas construídas como se constroem os acordes que amo. Tons que se unem para exibir o resultado que brilha debaixo da luz. As cores não existem mais. A cor é a pintura, a sinapse que une o pensamento ao gesto. A cor é a certeza que a vida é o que termina.“ C.Colares (2018) Atualmente, depois de um curso de desenho com o norte americano Glenn Vilppu, Colares está desenvolvendo o projeto #IdentidadeNômade em Portugal onde reside e atua. O projeto envolve escultura, pintura, desenho e produção teórica sobre cada obra.

REFERÊNCIAS

Biografia fornecida pela Artista!

BIOGRAFIA

Nascida em Seberi, na linha Boa Vista, e filha de professora e agricultor, Claudia Hamerski, está estreiou em 2020, sua primeira exposição individual em São Paulo, no Adelina Instituto Cultural. A artista plástica, que já foi premiada duas vezes no Prêmio Açorianos de Artes Plásticas, promovido pela Prefeitura de Porto Alegre, recebeu mais uma indicação neste ano, para a 13ª edição do certame. O reconhecimento se deve ao trabalho desenvolvido no Projeto Educativo na Galeria Ecarta (POA), em 2019, envolvendo a comunidade e instituições, com a realização de visitas mediadas, oficinas, conversas com artistas, visitas a escolas, parceria com outras entidades, material para os professores trabalharem a exposição e várias outras ações. Pela coordenação do projeto, ela concorre na categoria Ação de Educação. A inspiração artística de Claudia vem de sua vida no interior de Seberi, onde morou até os 22 anos. Depois, foi estudar Artes em Porto Alegre, mas sempre manteve a ligação com plantas e animais. “Sou fascinada por ambos e, na capital, sempre busquei me relacionar com esses elementos na paisagem, o que, acredito, fez com que eu olhasse para os vestígios de natureza na sua forma mais selvagem, aqui na cidade. Assim, me interessei por parques e áreas arborizadas e, na sequência, por essas pequenas plantas que nascem nas fissuras da cidade e são consideradas, por muitos, como ervas daninhas. Elas são, até o presente momento, o foco da minha pesquisa e trabalhos”.

REFERÊNCIAS

Texto retirado de: https://www.folhadonoroeste.com.br/noticias/primeira-exposicao-individual-em-sao-paulo/

BIOGRAFIA

Claudio Roncoli nasceu em Buenos Aires, 1971. É Professor de Desenho e Pintura graduado da Escola Nacional de Belas Artes Prilidiano Pueyrredón ”(1995). Participou de workshops na Argentina Andrea Moccio e Miguel Lescano no Peru. Por sua própria definição é principalmente: um intervencionista. Claudio Roncoli se inspira em imagens que fizeram parte da cultura popular nos anos 50, 60 e 70 que redefinem o artista. Em suas últimas criações, incorpora elementos de publicidade, desenho animado, design gráfico e colagem, tecendo-os com recursos como imagem ou repotografia. Utilizando uma técnica especial e sem abandonar o seu humor irônico e mordaz, através do que chama de “equilíbrio constante da vida”, a justaposição de imagens e cores vivas utilizando o espectador desloca-se para um “admirável mundo novo”. Ele teve várias exposições coletivas e individuais local e internacionalmente e participou do Scope Miami, ArteBA, Just Mad MIA, ArtBo e vários centros culturais e museus. Marcas como Hermes, Toyota, Boomerang TV, Mini Cooper, Absolut Vodka e Levi's confiaram na criatividade de Claudio para embelezar suas marcas.

REFERÊNCIAS

Texto traduzido de: https://macfineart.com/claudio-roncoli/

BIOGRAFIA

CLÁUDIO TOZZI (NASCEU EM: 1944, SÃO PAULO, SP) É UM DOS PRINCIPAIS REPRESENTANTES DA POP ART NO BRASIL, TRABALHANDO COM PINTURA, GRAVURA E DESENHO. SUA OBRA É MARCADA PELA INFLUÊNCIA DA CULTURA DE MASSA, PUBLICIDADE E ESTÉTICA DO CONSUMO. TOZZI PARTICIPOU DE IMPORTANTES EXPOSIÇÕES, COMO A 10ª BIENAL INTERNACIONAL DE SÃO PAULO (1969) E EXPOSIÇÕES NO MUSEU DE ARTE MODERNA DE SÃO PAULO (MAM-SP). EM 1965, RECEBEU O PRÊMIO DE VIAGEM DO SALÃO NACIONAL DE BELAS ARTES. SUA TRAJETÓRIA ARTÍSTICA REFLETE A TRANSIÇÃO PARA A MODERNIDADE E A EXPERIMENTAÇÃO COM NOVOS MEIOS DE EXPRESSÃO.  

REFERÊNCIAS

CLAUDIO Tozzi. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8528/claudio-tozzi>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

CLÓVIS GRACIANO (NASCEU EM: 1907, ARARAS, SP – FALECEU EM: 1988, SÃO PAULO, SP) ARTISTA PLÁSTICO DE GRANDE IMPORTÂNCIA PARA O MODERNISMO NACIONAL. DESTACOU-SE PRINCIPALMENTE COMO MURALISTA, MAS TAMBÉM ATUOU COMO PINTOR, DESENHISTA, CENÓGRAFO E ILUSTRADOR. SUAS OBRAS, MARCADAS POR UM FORTE COMPROMISSO SOCIAL, RETRATARAM O COTIDIANO BRASILEIRO E TEMAS COMO A LUTA DOS TRABALHADORES. GRACIANO FOI UM DOS FUNDADORES DO MUSEU DE ARTE MODERNA DE SÃO PAULO (MAM-SP) E DEIXOU UM LEGADO DE MAIS DE 120 MURAIS ESPALHADOS PELO PAÍS, PRINCIPALMENTE EM SÃO PAULO.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Artista Visual formada pela Faculdades Integradas Teresa D'Ávila - Santo André, SP. Tem participações em diversos salões de arte contemporânea no Brasil e obras nos acervos institucionais. Além de sua produção autoral, desenvolve trabalho de acompanhamento de processos de artistas visuais. Em 2016 ganhou prêmio no PROAC com o projeto “Arte Contemporânea para o Alpharrabio” para realizar três exposições no espaço, criou o projeto “ABC de Artistas” onde produz exposições de artistas da região do ABC em outras cidades. "Interesso-me por padrões de diferentes naturezas – retiro esses dados de condutas e conceitos sociais que são senso comum e que estão presentes ou resvalam minha rotina – e nas possibilidades de reprodutibilidade e pela ideia de ‘pulverização’ do trabalho de arte – que ocorrem na intersecção entre mídias e linguagens, envolvendo gravuras, fotografias, objetos, instalações e vídeos." Cristina Suzuki

REFERÊNCIAS

Fontes: guiadasartes.com.br/cristina-suzuki/quem-foi e portifolio cristina suzuki

BIOGRAFIA

Daniel Senise Portela (Rio de Janeiro RJ 1955). Pintor e gravador. Em 1980, ingressa como aluno na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage), onde, entre 1986 e 1991, leciona no Núcleo de Pintura. Estuda com John Nicholson (1951) e Luiz Aquila (1943), e participa da exposição Como Vai Você Geração 80?. Realiza sua primeira exposição individual na Galeria do Centro Empresarial Rio, em 1984, e, no mesmo ano, integra o Ateliê da Lapa, com Angelo Venosa (1954), Luiz Pizarro (1958) e João Magalhães (1945). Seu reconhecimento ocorre em 1985, ao ser apresentado, com outros artistas, na Grande Tela da 18ª Bienal Internacional de São Paulo. No ano seguinte, recebe medalha de ouro na 1ª Bienal Latino-Americana de Arte sobre Papel. Em 1997, atua como coordenador das galerias do Centro Cultural Light, no Rio de Janeiro. Em 1998, é publicado o livro Daniel Senise: Ela que não Está, pela Cosac & Naify, com textos de Ivo Mesquita, Dawn Ades e Gabriel Pérez-Barreiro, e, em 2002, o livro The Piano Factory, pela Andrea Jakobsson Estúdio Editorial, com textos de Agnaldo Farias e Alexandre Mello sobre a produção mais recente do artista. Comentário Crítico Daniel Senise ingressa, em 1980, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage - EAV/Parque Lage, onde é aluno de John Nicholson e Luiz Aquila. Passa a lecionar nessa escola, entre 1986 e 1991. Na década de 1980, freqüenta o ateliê de pintura livre de Luiz Aquila e integra, com Angelo Venosa, Luiz Pizarro e João Magalhães, o Ateliê da Lapa. Participa, em 1984, da mostra Como Vai Você, Geração 80?, exposição que reúne artistas de várias tendências artísticas do momento, com objetivo de revalorizar a pintura, pesquisando novas técnicas e materiais. Participa, desde então, de importantes exposições nacionais e internacionais. O artista mantém ateliê no Rio de Janeiro e em Nova York. No início da carreira, Senise produz obras com paisagens povoadas por formas volumosas, que ocupam a quase totalidade da tela. Esses objetos impõem-se como presenças monumentais, mas são vazios de conotações temáticas. Como observa o crítico Fernando Cocchiarale, a pintura de Senise caracteriza-se pela ambigüidade - o artista revela e oculta, ao mesmo tempo, imagens de objetos que se aproximam daqueles cotidianos, mas não podem ser facilmente identificados. A dramaticidade de suas obras iniciais é determinada pela forma como ele articula as imagens com um tratamento volumétrico vigoroso e uma gama cromática soturna, como ocorre em Coração ou em Sax (ambas de 1985). A partir da metade da década de 1980, a figura não é mais tão determinante em suas telas e o uso da cor diversifica-se. O artista passa a adicionar registros da impressão de elementos extrínsecos a sua obra. Em muitos trabalhos, prepara a tela com pigmentos e a estende, ainda úmida, sobre o piso do ateliê. Ao ser descolada do chão, ela retém na superfície a marca, como uma impressão, das rugosidades do piso, incorporando também resquícios de telas anteriores. O quadro é então retrabalhado. Senise produz um repertório de imagens que parecem desgastadas pela ação do tempo. A partir de 1989, o artista passa a adotar, entre outros procedimentos, o uso de pregos de ferro, que deixam nas telas as marcas da oxidação. No quadro São Sebastião (1991), a corda crivada de pregos é empregada como símbolo do santo, trespassado de flechas. Em outras obras, emprega tintas prateadas, industriais, porque evocam uma memória distante e a sensação da imagem fotográfica. A paisagem e a perspectiva são também temas para o artista, em obras como Altivez na Velocidade (1997), um díptico no qual insere objetos de madeira sobre a tela, que comentam a perspectiva da paisagem, inspirada no quadro A Avenida, Middelharnis, do pintor holandês Hobbema (1638-1709). As pinturas de Senise estabelecem, portanto, uma relação direta com a história da arte, com o universo das imagens e a maneira como este é percebido. Incorporando à tela a rugosidade do piso, objetos de uso cotidiano, pó de ferro, objetos de chumbo ou tecidos como voile, algumas obras apresentam superfícies densamente trabalhadas enquanto outras possuem camadas de tinta quase etéreas. Para a crítica inglesa Dawn Ades, sua pintura pode ser compreendida em termos de equilíbrio e peso, e de presença e ausência de objetos. Suas imagens abrem-se a um vasto campo de experiências e evocações materiais e poéticas.

REFERÊNCIAS

Referência: Itaú Cultural

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Danilo di Prete (Pisa, Itália 1911 - São Paulo, São Paulo, 1985). Pintor, artista visual, ilustrador e cartazista. Autodidata, inicia carreira aos 20 anos, na Itália. Integra, na Segunda Guerra Mundial (1939-1945), o Grupo de Artistas Italianos em Armas e, com eles, ilustra episódios da guerra na Albânia, Grécia e Iugoslávia. Sua pintura no período é figurativa, e entre os temas que explora fora do grupo predominam marinhas, naturezas-mortas e retratos. Chega ao Brasil em 1946, fixa-se em São Paulo, e por quatro anos dedica-se à atividade publicitária. Em 1951, participa da 1ª Bienal Internacional de São Paulo e conquista o prêmio nacional de pintura, com o quadro Limões. Motivado a trazer artistas do pós-guerra europeu ao Brasil, ele teria sugerido a Ciccillo Matarazzo (1898 - 1977) a idéia de uma bienal nos moldes da de Veneza. O artista não é citado por Yolanda Penteado (1903 - 1983), esposa de Matarazzo, em suas memórias, nem por Antonio Bivar (1939), seu biógrafo, mas é consenso que ele atua no planejamento da exposição. Participa de outras doze bienais. Em 1965, volta a receber o prêmio nacional de pintura, na 8ª Bienal Internacional de São Paulo. Análise Embora às vezes trabalhe com composições futuristas, Danilo Di Prete está distante do universo temático desse movimento. Mas, segundo o crítico Mário Pedrosa, é influenciado pelos "esquemas colorísticos vibrantes do futurismo". Ainda assim, algumas de suas pinturas, como Cogumelos (1945), e Cabinas na Praia de Viareggi (1946), ambas pertencentes ao Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), operam mais com transições entre tons escuros e a indefinição nas formas que essas transições sugerem do que com as cores fortes e superfícies delimitadas do futurismo. A obra Marinha, década de 1950, mostra um barco elevado por dois cavaletes na areia. O verde que toma parte do casco está em contraste com os tons quase pastel que preenchem a atmosfera, unindo de maneira sutil as formas da embarcação e da praia às cores e mudanças de tonalidades. Esse movimento de aproximação quase intimista do espectador à obra pode ser verificado de forma acentuada na tela Limões, vencedora, em 1951, do prêmio nacional de pintura da 1ª Bienal Internacional de São Paulo. Uma natureza-morta em que predomina o contraste entre a forma dos objetos e sua disposição na perspectiva do quadro, e entre a intensidade do verde e as transições tonais entre o ambiente, a mesa e os objetos dispostos sobre ela. A década de 1960 representa uma ruptura na trajetória do artista, que abandona o figurativismo e passa a criar exclusivamente telas abstratas. Igualmente radical é a mudança temática em sua obra. Seus quadros agora retratam superfícies planetárias, astros e o cosmos. Vale notar que a busca por uma pintura "planetária e cósmica" coincide com o início da corrida espacial empreendida pela União Soviética e Estados Unidos. Progressivamente, as pinturas vão ganhando arame, nylon, cano, lâmpada e outros objetos. Di Prete começa a usar suportes menos tradicionais, como caixas e superfícies plásticas, que conferem uma dimensão tátil à obra e mais peso a noção de movimento. A dinâmica das linhas torna-se mais ágil e os materiais de ferro, quando dobrados, provocam tensão no quadro de tal maneira que essas superfícies colocam os demais elementos em estado de quase agitação. Há algo de exaltação tecnológica nesse procedimento, lembrando a própria mecânica de foguetes e satélites, como é o caso do relevo Paisagem Cósmica 2, de 1967. O quadro é uma profusão de linhas e curvas que remetem aos mais variados corpos celestes. E se, por um lado, os objetos afixados na tela afirmam o novo horizonte científico que se abre na época, por outro, apontam para uma experiência artística, chamada por ele de "arte total", cada vez mais evidente em sua obra. Se antes o movimento é fruto da tensão entre os objetos, os suportes e as formas no quadro, em meados da década de 1970, Di Prete o revela de forma mais aparente, ao incorporar saídas de ar, luzes, sons e outros apetrechos às obras. Os motores e aparelhos eletrônicos ainda reforçam a idéia de tecnologia, presente desde seus primeiros trabalhos abstratos, mas a questão central do artista agora é a busca por uma experiência na qual o espectador, imerso em luzes piscantes, sons e imagens, apreenda o movimento das formas que a pintura tradicional já não pode mais expressar.

REFERÊNCIAS

DANILO Di Prete. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa18751/danilo-di-prete>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

DARCY PENTEADO (NSCEU EM: 1926, SÃO ROQUE, SP – FALECEU EM: 1987, SÃO ROQUE, SP) ARTISTA MULTIFACETADO, ATUANDO COMO PINTOR, ILUSTRADOR, CENÓGRAFO, FIGURINISTA E ATIVISTA SOCIAL. INTEGRANTE DO GRUPO NOVÍSSIMOS, REALIZOU SUA PRIMEIRA EXPOSIÇÃO INDIVIDUAL EM SÃO PAULO, EM 1949. NA DÉCADA DE 1950, VENCEU O CONCURSO PARA O CARTAZ DA 1ª BIENAL INTERNACIONAL DE SÃO PAULO E RECEBEU PRÊMIOS COMO O DE MELHOR FIGURINISTA DA BIENAL E O PRÊMIO GOVERNADOR DO ESTADO. TAMBÉM ILUSTROU OBRAS LITERÁRIAS DE AUTORES RENOMADOS COMO JORGE AMADO E GRACILIANO RAMOS.  EM 2016, SUA OBRA FOI CELEBRADA NA EXPOSIÇÃO “DARCY PENTEADO, O OBSERVADOR DO HUMANO”, NO MUSEU DA DIVERSIDADE SEXUAL, DESTACANDO SUA VISÃO INCLUSIVA E HUMANISTA.  

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Darel Valença Lins (Palmares, Pernambuco, 1924 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2017). Gravador, pintor, desenhista, ilustrador, professor. Estuda na Escola de Belas Artes do Recife, atual Universidade Federal de Pernambuco (UFPE), entre 1941 e 1942, e atua como desenhista técnico. Muda-se para o Rio de Janeiro em 1946. Estuda gravura em metal com Henrique Oswald (1918-1965) no Liceu de Artes e Ofícios, em 1948. Dois anos depois, entra em contato com Oswaldo Goeldi (1895-1961). Atua como ilustrador em diversos periódicos, como a revista Manchete e os jornais Última Hora e Diário de Notícias. Entre 1953 e 1966, encarrega-se das publicações da Sociedade dos Cem Bibliófilos do Brasil. Com o prêmio de viagem ao exterior, recebido no Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM) do Rio de Janeiro, em 1957, viaja para a Itália, onde permanece até 1960. Ilustra diversos livros, como Memórias de um Sargento de Milícias, 1957, de Manuel Antônio de Almeida (1831-1861); Poranduba Amazonense, 1961, de Barbosa Rodrigues (1842-1909); São Bernardo, 1992, de Graciliano Ramos (1892-1953); e A Polaquinha (2002), de Dalton Trevisan (1925). Leciona gravura em metal no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp), em 1951; litografia na Escola Nacional de Belas Artes (Enba), no Rio de Janeiro, entre 1955 e 1957; e na Faculdade de Artes Plásticas da Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, de 1961 a 1964. Entre 1968 e 1969, realiza painéis como os do Palácio dos Arcos, sede do Ministério das Relações Exteriores, em Brasília. Em 2015, é lançado o documentário Mais do eu possa me reconhecer, dirigido por Allan Ribeiro. Filmado no apartamento do artista no Rio de Janeiro, o filme conta a rotina do artista, que apesar de intensa produção de gravuras, passa a se dedicar a videoarte

REFERÊNCIAS

DAREL . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa5637/darel>. Acesso em: 06 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Dario Mecatti (Florença, Itália, 1909 - São Paulo, SP, 1976). Pintor e desenhista. Em torno de 1927, pinta cartazes para a sala de cinema de seu primo, em Florença. Recebe orientação artística do pintor e professor italiano Camillo Innocenti (1871-1961), embora não se matricule em nenhum curso oficial. Em 1933, realiza sua primeira exposição, em Florença, viajando em seguida para o Norte da África, onde percorre países como Líbia, Tunísia, e Argélia. Realiza exposições em algumas das cidades por onde passa. Entre 1936 e 1939 visita o Marrocos, onde produz diversos trabalhos retratando os costumes da região. Em 1939, viaja para a Ilha de São Miguel, nos Açores. No ano seguinte, viaja para o Brasil ao lado dos pintores Renzo Gori e Silvio Nigri. Desembarca no Rio de Janeiro, onde realiza exposição na Sociedade Brasileira de Belas Artes. Viaja pelas cidades mineiras de Belo Horizonte, Juiz de Fora e Ouro Preto e se muda, no final de 1940, para São Paulo. Entre 1941 e 1945, trabalha na Galeria Fiorentina. Participa do 7º Salão Paulista de Belas Artes, em 1941, recebendo pequena medalha de prata. Em 1945, se casa com a pintora Maria da Paz. Em 1946, constrói sua casa-estúdio, onde realiza exposições individuais anuais. Em 1947, faz sua primeira viagem de volta à Itália, passando a viver e expor alternadamente no Brasil e na Europa. Durante as décadas de 1940 e 1950, expõe em diversas cidades brasileiras, além de realizar mostras em Buenos Aires e Montevidéu. Na Europa, expõe em Barcelona, Lisboa, Florença, Milão, San Remo e Berlim. Entre 1969 e 1976 é artista exclusivo da Galeria Irlandini, no Rio de Janeiro, que apresenta regularmente seus trabalhos. Em 1978, recebe homenagem póstuma no 42º Salão Paulista de Belas Artes. Comentário crítico Embora também tenha produzido retratos, paisagens e naturezas-mortas, a carreira de Dario Mecatti se configura principalmente em torno da pintura de gênero. Nas viagens realizadas pelo Norte da África durante a década de 1930, o pintor estabelece um repertório que o acompanha pelo menos até década de 1950, quando já vive no Brasil. Nesses trabalhos, figuram cenas típicas do cotidiano das cidades árabes visitadas, que registram a agitação de feiras e mercados a céu aberto, pescadores saindo para o trabalho no cais, o movimento de transeuntes em estreitas ruelas ou sob arcadas ogivais, elementos comuns da configuração arquitetônica da região. Por vezes, o artista procura também temas característicos, como uma caravana de beduínos no deserto ou cenas de dança de odaliscas. Do ponto de vista formal, é notável certa filiação ao grupo de pintores italianos conhecido como macchiaioli, surgido em Florença na metade do século XIX, como reação à rigidez dos padrões acadêmicos. De acordo com o historiador da arte G. C. Argan, esse grupo apresenta um tipo de compreensão da pintura como "manchas coloridas de luz e sombra",1 pautada num enfrentamento direto e sincero com a realidade. As obras de Mecatti até a década de 1950 compartilham esses princípios, o que permite perceber que, embora figurativa e dentro dos gêneros tradicionais da arte, seria um equívoco considerá-las "acadêmicas". A partir da década de 1960, aquele enfrentamento cede lugar à geometrização das figuras, como casarios construídos sobre encostas, numa assimilação tardia de aspectos das vanguardas modernas. Nota 1 ARGAN, Giulio Carlo. História da arte italiana: de Michelangelo ao futurismo. v. 3, trad. Wilma de Katinzky. São Paulo: Cosac Naify, 2003.

REFERÊNCIAS

DARIO Mecatti. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9985/dario-mecatti>. Acesso em: 04 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Darío Perez-Flores (Valera, 1936). Artista plástico, escultor. Estudou na Escola de Belas Artes, Valencia, Venezuela, entre 1957 e 1961, e na Universidade Central-Venezuelana entre 1965 e 1969. Mudou-se para Paris em 1970, onde estou até 1973, e onde vive e trabalha até hoje. Cronologia/Exposições: Luz, Cor e Movimento (2008 : São Paulo, SP) - Coletiva Olhares Detidos (2010 : São Paulo, SP) - Coletiva

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/dario-perez-flores

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

DI CAVALCANTI (NASCEU EM: 1897, RIO DE JANEIRO,RJ - FALECEU EM: 1976, RIO DE JANEIRO,RJ). PINTOR, ILUSTRADOR, CARICATURISTA, GRAVADOR, MURALISTA, DESENHISTA, JORNALISTA, ESCRITOR E CENÓGRAFO. FOI UM DOS MAIS IMPORTANTES ARTISTAS BRASILEIROS DO SÉCULO XX.  FOI UM DOS ORGANIZADORES DA SEMANA DE ARTE MODERNA DE 1922, UM MARCO PARA A CULTURA BRASILEIRA. SUA OBRA, MARCADA POR UM FORTE NACIONALISMO, RETRATOU O COTIDIANO BRASILEIRO COM CORES VIBRANTES E FORMAS EXPRESSIVAS. INFLUENCIADO POR MOVIMENTOS COMO O CUBISMO E O EXPRESSIONISMO, DI CAVALCANTI CRIOU UM ESTILO PRÓPRIO, RECONHECIDO POR SUAS REPRESENTAÇÕES DE FIGURAS POPULARES, COMO MULATAS, SAMBISTAS E TRABALHADORES. 

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Dina Oliveira (Belém, Pará, 1951). Pintora e desenhista. Formada em arquitetura pela Universidade Federal do Pará (UFPA), expõe pela primeira vez em 1965, no Salão de Artes Plásticas da UFPA. Em 1968, recebe o Prêmio Caju de Prata no 1º Simpósio da Juventude Amazônica. Participa, ao longo da década de 1980, de salões em diversas cidades brasileiras, sendo premiada no 38º e 40º Salão Paranaense (Curitiba, 1981 e 1983); no 35º e 36º Salão de Artes Plásticas de Pernambuco (Recife, 1982 e 1983); e em três edições do Salão Arte Pará, (Belém, 1982, 1986 e 1987). Recebe, em 1986, o Prêmio Revelação - Pintura, concedido pela Associação Paulista dos Críticos de Arte - APCA, pela exposição individual realizada na Galeria Paulo Prado (São Paulo, 1985). Mestre em estruturas ambientais urbanas pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP), torna-se professora de arte na UFPA. Ocupa o cargo de superintendente da Fundação Curro Velho, Belém.

REFERÊNCIAS

DINA Oliveira. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8496/dina-oliveira>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Dionísio del Santo (Colatina, Espírito Santo, 1925 - Vitória, Espírito Santo, 1999). Pintor, desenhista, gravador, serígrafo. Estuda no Seminário São Francisco de Assis, em Santa Teresa, Espírito Santo, entre 1932 e 1939. No começo da década de 1940, realiza seus primeiros desenhos. Transfere-se para o Rio de Janeiro em 1946, onde começa a pintar. Freqüenta aulas de modelo-vivo e de teoria das cores na Associação Brasileira de Desenho (ABD). Atua em publicidade e artes gráficas. Em 1952, passa a trabalhar com xilogravura e serigrafia, e nesta técnica possui expressiva produção. Do fim dos anos 1950 até a metade da década seguinte, suas obras se aproximam dos princípios do movimento concreto. No entanto, mantém-se afastado do debate entre concretos e neoconcretos. Entre 1964 e 1966, produz trabalhos a guache, nos quais associa geometria e figura. Realiza sua primeira exposição individual, em 1965, na Galeria Relevo, no Rio de Janeiro. Desde a metade da década de 1960, dedica-se à arte abstrata, realizando principalmente obras em serigrafia. Em 1967, recebe o prêmio aquisição na 9ª Bienal Internacional de São Paulo. Na década de 1970, destaca-se em sua produção pictórica a série Cordéis, na qual se nota a influência da arte cinética. Em 1975, recebe o Prêmio de Melhor Exposição de Gravura do Ano, da Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA). Realiza mostras retrospectivas no Paço Imperial, no Rio de Janeiro e no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), entre 1989 e 1990, e no Museu de Arte do Espírito Santo (Maes), em 1998. Mais de 70 obras do artista, entre serigrafias e xilogravuras, integram o acervo do Maes.   Análise A obra de Dionísio del Santo situa-se entre a geometria e a figuração. No começo da década de 1950, realiza xilogravuras figurativas, que remetem à origem rural do artista. Começa a apresentar mais simplificação formal e o interesse pela geometria em suas pinturas. São dessa fase telas em vermelho, branco e negro, ou apenas em branco, nas quais constrói o espaço pictórico com poucas linhas. Em serigrafias do fim da década de 1950 e começo da seguinte, cria formas geométricas por meio de linhas que percorrem toda a superfície gravada, explorando a contraposição entre cheio e vazio ou positivo e negativo. Dessas composições puramente lineares, como nota o crítico de arte Reynaldo Roels Jr., começam a aparecer versões diferentes, em que se altera o tratamento das linhas ou o jogo cromático. O artista trabalha por várias vezes as mesmas estruturas formais, diversificando as técnicas utilizadas, como desenho, pintura ou relevo pintado. Em algumas obras realizadas na década de 1970, insere cordas ou cordéis na superfície da composição. Esses trabalhos, que se encontram entre o relevo e a pintura, representam um ponto importante de suas pesquisas ligadas à arte cinética, revelando afinidade com a produção dos artistas venezuelanos Jesús Rafael Soto e Carlos Cruz-Diez. Sua atividade no campo da serigrafia é tão especial, como nota Roels, que merece um destaque particular em sua trajetória. O artista explora a técnica com grande refinamento e utiliza-a também como um campo experimental para suas produções. Ministra diversos cursos em que incentiva o uso da serigrafia, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ) e na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage). Na década de 1990, Del Santo começa a trabalhar com formas mais complexas e uso intenso da cor.

REFERÊNCIAS

DIONÍSIO del Santo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa7878/dionisio-del-santo>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Djanira da Motta e Silva (Avaré, São Paulo, 1914 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1979). Pintora, desenhista, cartazista e gravadora. Cresce em Porto União, Santa Catarina. Muda-se para São Paulo em 1932. Em 1937, é internada com tuberculose em sanatório de São José dos Campos, no qual começa a desenhar. Muda-se para o Rio de Janeiro em 1939 e abre uma pensão no bairro de Santa Teresa, onde convive com artistas modernos como Milton Dacosta (1915-1988), a portuguesa Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992), o húngaro Arpad Szènes (1897-1985), o Carlos Scliar (1920-2001) e o romeno Emeric Marcier (1916-1990). Também em 1939 assiste a aulas de pintura no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro. Em 1942, expõe pela primeira vez na Divisão Moderna do Salão de Belas Artes e no ano seguinte , faz sua primeira individual no edifício da Associação Brasileira de Imprensa (ABI), no Rio de Janeiro. Em 1943, participa da exposição Pintura Moderna Brasileira na Royal Academy of Arts, em Londres, Inglaterra. Nessa época, também expõe suas obras na Argentina, no Uruguai e no Chile. Entre 1944 e 1947, mora nos Estados Unidos. Em 1946, realiza exposição individual na New School for Social Research, em Nova York, e expõe em Washington e Boston. Também participa da exposição de Arte Moderna no Musée National d'Art Moderne [Museu Nacional de Arte Moderna], em Paris. Após voltar ao Brasil conhece, em 1950, o poeta e historiador José Shaw da Motta e Silva (1920- s/d), com quem se casa. Nos anos 1950 e 1960, além de participar de diversas exposições, realiza projetos como: o mural Candomblé (1957), para a casa do escritor Jorge Amado (1912-2001); os azulejos da Capela de Santa Bárbara (1958), Rio de Janeiro; e as ilustrações do livro Campo Geral (1964), do escritor Guimarães Rosa (1908-1967). Em 1977, o Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), no Rio de Janeiro, promove retrospectiva de sua trajetória. Após sua morte, seus quadros são expostos em diversas exposições nacionais e internacionais. No acervo do MNBA estão abrigadas 813 de suas obras.

REFERÊNCIAS

DJANIRA . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9397/djanira>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

O Doma, formado por Mariano Barbieri, Julian Pablo Manzelli ( Chu ), Matias Vigliano (Parquerama) e Orilo Blandini, atingiu a maioridade em 1998 em meio ao colapso político e econômico argentino, imediatamente assumindo uma postura crítica, embora otimista e divertida, contra os ambiente caótico que experimentaram. O coletivo cria universos e personagens conceituais fantásticos, absurdos e muitas vezes lúdicos que fazem uma referência direta à sociedade em que vivem. As primeiras intervenções urbanas de Doma fizeram do grupo um dos coletivos mais importantes de Buenos Aires na década de 1990. Conhecido por instalações urbanas malucas que chamam a atenção, bem como estênceis, projeções de rua e estranhas campanhas à beira da arte performática, Doma virou forte conteúdo social e político de ponta-cabeça para provocar seu público. Atualmente, Doma trabalha com diversas mídias, principalmente audiovisuais, criando animações, filmes, desenhos, serigrafias e esculturas, que costumam fazer parte de grandes instalações.

REFERÊNCIAS

Texto traduzido de: graffitimundo.com/uncategorised/doma/

BIOGRAFIA

Domenico Serio Calabrone (Aieta, Itália 1928 - São Paulo SP 2000). Escultor, pintor, gravador, designer de jóias e cenógrafo. Entre 1948 e 1951, freqüenta as aulas do Liceu Clássico, em Roma, com especialização em técnicas de fundição, mosaico e cerâmica. Transfere-se em 1954 para São Paulo, onde, dois anos depois, realiza sua primeira mostra individual na Galeria Art's Store. Em 1963, expõe na 1ª Exposição do Jovem Desenho Nacional, em São Paulo. Em 1965, participa do 1º Salão Esso de Artistas Jovens, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) e no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP). Apresenta trabalhos no Panorama de Arte Atual Brasileira do MAM/SP, em 1975 e 1978. Em 1986, recebe o Prêmio Internacional da Escultura Contemporânea, em Cassano Jonio, Itália. Ainda na década de 1980, interessa-se pela arte fractal. Em 1990, recebe prêmio aquisição no Salão de Arte Contemporânea de Santo André, São Paulo; em 1991, é agraciado com sala especial no Salão Paulista de Arte Contemporânea e, em 1994, ganha o 41º Prêmio Internazionale di Pinttura Cittá di Pizzo, em seu país natal. Expõe em individuais no Museu de Arte Moderna da Bahia (MAM/BA), em Salvador, em 1963; no MAM/RJ, em 1965 e 1966, e no Museu de Arte Contemporânea José Pancetti (MACC/Campinas), em 1992 - esta sua última individual. Participa da Bienal Internacional de São Paulo de 1963 a 1991, do Salão Paulista de Arte Moderna entre 1962 e 1964 e do Salão Paulista de Arte Contemporânea em 1987.

REFERÊNCIAS

DOMENICO Calabrone. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9695/domenico-calabrone>. Acesso em: 12 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

DURVAL PEREIRA (NASCEU EM: 1918, SÃO PAULO – FALECEU EM: 1984, SÃO PAULO) DESTACADO PINTOR IMPRESSIONISTA BRASILEIRO, CONHECIDO POR PAISAGENS QUE RETRATAM O INTERIOR RURAL E O LITORAL BRASILEIRO, ALÉM DE NATUREZAS-MORTAS E MARINHAS. SUAS OBRAS APRESENTAM UMA PALETA VIBRANTE E UMA TÉCNICA REFINADA QUE CAPTURAM CENAS DO COTIDIANO, COMO LAVRADORES, JANGADAS E PAISAGENS DE CIDADES COMO SANTOS E ITANHAÉM. RECEBEU DIVERSOS PRÊMIOS, COMO O 1º LUGAR NA III BIENNALE MONDIALE DES MÉTIERS D’ART, EM NICE (1983), E A GRANDE MEDALHA DE OURO NO SALÃO INTERNACIONAL DE PARIS (1981). PARTICIPOU DE IMPORTANTES SALÕES NO BRASIL E NO EXTERIOR, E SUAS OBRAS INTEGRAM COLEÇÕES PRESTIGIADAS, COMO O PALÁCIO DO ITAMARATY E MUSEUS NA FRANÇA, ALEMANHA E ITÁLIA​.

REFERÊNCIAS

https://www.catalogodasartes.com.br/artista/Durval%20Pereira%20/

 

BIOGRAFIA

Eduardo Sued (Rio de Janeiro RJ 1925). Pintor, gravador, ilustrador, desenhista, vitralista e professor. Gradua-se na Escola Nacional de Engenharia do Rio de Janeiro, em 1948. No ano seguinte estuda desenho e pintura com Henrique Boese (1897-1982). Entre 1950 e 1951, trabalha como desenhista no escritório do arquiteto Oscar Niemeyer (1907-2012). Em 1951, viaja para Paris, onde freqüenta as academias La Grande Chaumière e Julian. Em sua estada na capital francesa entra em contato com as obras de Pablo Picasso (1881-1973), Joán Miró (1893-1980), Henri Matisse (1869-1954) e Georges Braque (1882-1963). Retorna ao Rio de Janeiro em 1953 e freqüenta o ateliê de Iberê Camargo (1914-1994) para estudar gravura em metal tornando-se mais tarde, seu assistente. Leciona desenho e pintura na Escolinha de Arte do Brasil, em 1956 e, no ano seguinte, transfere-se para São Paulo, onde ministra aulas de desenho, pintura e gravura, na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), de 1958 a 1963. Em 1964, volta a morar no Rio de Janeiro e publica o álbum de águas-fortes 25 Gravuras. O artista não se vincula a nenhum movimento mantendo-se alheio aos debates da época. Sua carreira teve uma breve etapa pautada no figurativismo, mas logo se encaminha para abstração geométrica. Nos anos de 1970, aproxima-se das vertentes construtivas, desenvolvendo sua obra a partir da reflexão acerca de Piet Mondrian (1872-1944) e da Bauhaus. Entre 1974 e 1980, ministra aulas de gravura em metal no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ).

REFERÊNCIAS

EDUARDO Sued. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8960/eduardo-sued>. Acesso em: 28 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Eleonore Koch (Berlim, Alemanha, 1926 - São Paulo, São Paulo, 2018). Pintora, escultora. Chega ao Brasil em 1936. Inicia sua formação artística com Yolanda Mohalyi (1909-1978), Elisabeth Nobiling (1902-1975), Flexor (1907-1971) e, a partir de 1947, com Bruno Giorgi (1905-1993). Faz viagem de estudos a Paris em 1949 e freqüenta os ateliês de escultura de Arpad Szenes (1897-1985) e Robert Coutin (1891-1965). De volta a São Paulo, em 1952, atua como cenógrafa na TV Tupi. Por intermédio de Geraldo de Barros (1923-1998), torna-se secretária de Mário Schenberg (1914-1990) e César Lattes (1924-2005), na Universidade de São Paulo (USP). Conhece por intermédio de sua mãe, a psicanalista Adelheid Koch, o colecionador Theon Spanudis (1915-1985), que a apresenta ao pintor Alfredo Volpi (1896-1988), com quem continua sua formação. Recebe grande influência do pintor, de quem passa a ser considerada a única discípula. Integra as edições de 1959 a 1967 da Bienal Internacional de São Paulo. Fixa residência em Londres a partir de 1968, onde é apoiada por um grande colecionador, e trabalha como tradutora juramentada junto à Justiça inglesa. Em 1979, participa da exposição Coleção Theon Spanudis, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), realizada para comemorar a doação feita pelo colecionador ao museu. Participa da mostra Volpi: Permanência e Matriz: Sete Artistas de São Paulo, na Montesanti Galleria de São Paulo, em 1986. Volta a viver no Brasil em fins da década de 1980.

REFERÊNCIAS

ELEONORE Koch. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa22930/eleonore-koch>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Emanoel Alves de Araújo (Santo Amaro da Purificação, Bahia, 1940). Escultor, desenhista, ilustrador, figurinista, gravador, cenógrafo, pintor, curador e museólogo. Aprende marcenaria com o mestre Eufrásio Vargas e trabalha com linotipia e composição gráfica na Imprensa Oficial, em Santo Amaro da Purificação, Bahia. Realiza sua primeira exposição individual em 1959. Na década de 1960, muda-se para Salvador e ingressa na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (UFBA), onde estuda gravura com Henrique Oswald (1918-1965). Em 1972, é premiado com medalha de ouro na 3ª Bienal Gráfica de Florença, Itália. Recebe, no ano seguinte, o prêmio de melhor gravador, e, em 1983, o de melhor escultor, da Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA). Entre 1981 e 1983, instala e dirige o Museu de Arte da Bahia (MAB), em Salvador, e expõe individualmente no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp). Em 1988, é convidado a lecionar artes gráficas e escultura no Arts College, na The City University of New York. De 1992 a 2002, exerce o cargo de diretor da Pinacoteca do Estado de São Paulo (Pesp) e é responsável pela revitalização da instituição. É, entre 1995 e 1996, membro convidado da Comissão dos Museus e do Conselho Federal de Política Cultural, instituídos pelo Ministério da Cultura. Em 2004, é curador e diretor do Museu Afro-Brasil, aberto nesse ano, em São Paulo, com obras de sua coleção.

REFERÊNCIAS

EMANOEL Araújo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa662/emanoel-araujo>. Acesso em: 09 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7    |    Foto: Emanoel Araújo , 1981 , Madalena Schwartz     |   Digitalizado a partir do original

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Émile Tuchband (Paris, 20 de julho de 1933 — São Paulo, 14 de outubro de 2006) foi um pintor e arquiteto francês estabelecido no Brasil. Faleceu, vítima de enfarte, aos 73 anos. Chegou ao Brasil com vinte e três anos, já formado em sua cidade natal, onde cursou a Escola de Belas Artes e a Escola de Arquitetura. Entre as atividades artísticas na França, destaca-se o fato de ter sido auxiliar de Marc Chagall na elaboração do teto da Ópera de Paris. Posteriormente, já no Brasil, radicou-se por largo período na cidade de Taubaté. Nessa época resolveu abandonar a arquitetura e, a partir de 1957, dedicar-se exclusivamente à pintura. Em 1960 produziu o cartaz do filme Orfeu Negro. Tuchband tinha como tema preferido a paisagem. Entretanto, não deixou de lado as marinhas, flores e pintura de gênero.

REFERÊNCIAS

pt.wikipedia.org/wiki/Emile_Tuchband

BIOGRAFIA

Emmanuel da Cunha Nassar (Capanema, Pará, 1949). Pintor, desenhista. Realiza instalações e relevos pintados. Em 1969, após uma viagem à Europa, o artista decide estudar arquitetura, formando-se pela Universidade Federal do Pará (UFPA), em 1974. Trabalha inicialmente com acrílica sobre tela e, mais tarde, estuda técnicas como o relevo sobre madeira. A partir de 1980, torna-se professor de educação artística na UFPA. Em 1981, cria a obra tridimensional Recepcôr. A partir desse trabalho, passa a realizar pinturas em que representa pequenos mecanismos, contendo eixos, manivelas e placas de cor, incorporando também objetos comuns, como garrafas. Em alguns quadros evoca a cultura popular local, como nas cores vibrantes e formas geométricas das casas e de barracas de feira. Em 1985, em uma nova pesquisa, realiza trabalhos em que apresenta uma releitura dos desenhos e pinturas presentes em bares e banheiros públicos. Em outros trabalhos, alia imagens do universo do consumo a outras, recorrentes nos subúrbios da sua cidade natal. Em 1998, realiza a instalação Bandeiras, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) e no Museu Estadual do Pará, na qual se apropria de 143 bandeiras de municípios paraenses, que são distribuídas pelas paredes dos museus. Em 1999, com a obra Incêndio, recebe o grande prêmio da 6ª Bienal de Cuenca, no Equador. Análise Formado em arquitetura e com experiência no campo da publicidade, Emmanuel Nassar, do início da década de 1980 em diante, conduz sua produção a partir do diálogo entre duas tradições visuais: aquela popular, onde cores vibrantes em formas geométricas são trabalhadas como ornamentos para residências, barracos, vitrines etc., e a tradição construtiva e geométrica, que marcou e ainda marca parte significativa da produção artística erudita brasileira. Se, no início de sua carreira, o artista brinca ainda de descrever ou representar esse limite entre o popular e o erudito, a partir de 1988, seu trabalho torna-se mais objetivo. Nassar deixa de pintar somente sobre tela e incorpora outros materiais, como latão, pedaços de madeira, duratex, garrafas, martelos, bocais de lâmpada e luz néon. Em Gambiarra (1988), o trabalho fica entre a pintura e o objeto. Em 1989, apresenta, na 20ª Bienal Internacional de São Paulo, a instalação Fachada. Nela, recria um circo mambembe do interior. Dentro do circo, mostra alguns trabalhos mais próximos do objeto. Em 1998, o artista monta a instalação Bandeiras no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) e no Museu Estadual do Pará. Apropria-se de 143 bandeiras de municípios paraenses que são distribuídas nas paredes dos museus. O trabalho envolve a participação da população do estado, que envia as bandeiras para o artista. Em 2000, ao realizar fotografias de formas coloridas encontradas no cotidiano popular das cidades paraenses, o artista acaba "revelando" a fonte primeira de suas pinturas anteriores: um olhar fundamentalmente fotográfico, questão que traz mais desafios para sua poética.

REFERÊNCIAS

EMMANUEL Nassar. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9547/emmanuel-nassar>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Enrico Bianco (Roma, Itália, 1918 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2013). Pintor, gravador, desenhista e ilustrador. Inicia seus estudos com Maud Latour, em Roma, na década de 1930. No Rio de Janeiro, entre 1935 e 1937, estuda com Candido Portinari (1903-1962) no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal (UDF). No ano seguinte, trabalha com Portinari em diversas obras, destacando-se os murais do Ministério da Educação e Cultura (MEC), os painéis do Banco da Bahia, o edifício da ONU etc. Em 1940, realiza sua primeira individual no Copacabana Palace Hotel. Ilustra edição especial de Caçada de Esmeraldas, de Olavo Bilac (1865-1918), organizada por bibliófilos brasileiros e o álbum de gravação do poema sinfônico Anhanguera, de Hekel Tavares, em 1951.

REFERÊNCIAS

Referência: BIANCO . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2018. Disponível em: . Acesso em: 29 de Out. 2018. Verbete da Enciclopédia. ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Nasceu no Brasil em 1979. É uma artista nipo-brasileira que vive e trabalha entre o Brasil e a França. É formada em artes plásticas pela Faculdade de Letras do Paraná, Brasil, e mestre em artes visuais pela Nihon University no Japão, onde morou por quase 10 anos. Suas composições poéticas exploram a essência da cultura tradicional japonesa em uma variedade de técnicas de mídia mista, incluindo papel, tela, escultura e instalação. Graduação em Belas Artes  - Faculdade de Artes do Paraná (Brasil) Mestrado em Artes Visuais  - Nihon University, College of Arts (Japão) Principais exposições individuais : Tokyo Opera City Art Gallery (Tóquio, Japão), Fundação Nacional de Artes (São Paulo, Brasil), Museu de Arte Contemporânea do Paraná (Brasil), Aichi Arts Center (Japão), Casa Andrade Muricy (Brasil) e SESC Ipiranga (São Paulo, Brasil) Principais exposições coletivas: Echigo-Tsumari Triennale 2012 (Japão), Aichi Triennale 2010 (Japão), Museu Nacional Japonês Americano (LA / EUA), Museu Oscar Niemeyer (Curitiba, Brasil), Fondazione Benetton (Itália) e Museu Aga Khan (Canadá) Principais prêmios e concessões: Prêmio Etios Art (Brasil, MACS), Bolsa Nomura para Artes Visuais 2011 (Japão), Prêmio Funarte Arte Contemporânea 2010 (Brasil, Fundação Nacional de Artes), Prêmio Mostra Artistas no Exterior (Brasil, Fundação Bienal de São Paulo), Prêmio Noriyoshi Sawamoto (Japão, Universidade Nihon)

REFERÊNCIAS

Texto retirado e traduzido do site da artista: ericakaminishi.com

BIOGRAFIA

Érico da Silva (Itajaí, Santa Catarina, 1932). Pintor, cenógrafo, vitrinista, ourives, cartazista e ilustrador. Fixa residência em Curitiba, em 1949. Freqüenta o Círculo de Artes Plásticas e o Centro de Gravura do Paraná, a partir de 1959. Na década de 60, realiza sua primeira mostra individual na Galeria do IPASE e passa a integrar o Grupo Um, ao lado de Alberto Massuda, René Bittencourt e Waldemar Rosa. Em paralelo, atua como vitrinista e cartazista, recebendo vários prêmios nessas atividades.

REFERÊNCIAS

ÉRICO da Silva. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa22985/erico-da-silva>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

  NASCEU EM: 1899, SANTO ANTÔNIO DE CARANGOLA, RJ // FALECEU EM: 1979, RIO DE JANEIRO, RJ // ESTILO:  REALISMO SOCIAL, COM ÊNFASE EXPRESSIONISTA INFLUÊNCIAS:  NÚCLEO BERNARDELLI, REALISMO SOCIAL E ARTE RELIGIOSA. FOI ALUNO DE MODESTO BROCOS E TEVE CONTATO COM PORTINARI // EXPOSIÇÕES: REPRESENTANTE DO BRASIL NA I BIENAL DE SÃO PAULO, EM 1951.EXIBIDO POSTUMAMENTE EM EXPOSIÇÕES SOBRE O NÚCLEO BERNARDELLI E SOBRE ARTE BRASILEIRA NO SÉCULO XX // PREMIOS: MEDALHA DE BRONZE (1936) E MEDALHA DE PRATA (1942) NO SALÃO NACIONAL DE BELAS ARTES. MENÇÃO HONROSA NA EXPOSIÇÃO "MOSTRA DE ARTE BRASILEIRA" NO RIVERSIDE MUSEUM, NOVA YORK (1939) 

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Evandro Soares Reis nascido em 1979, em Largo de Piritiba/BA, se considera morrense já que morou em Morro do Chapéu desde os dois anos de idade. Em Morro do Chapéu estudou, jogou futebol, passou por pelos times Juventude, Jacuípe, Campinense, União Morrense entre outros (começou na escolinha do professor Jau), participou de grupos da Igreja e aprendeu a profissão de serralheiro. Morou em Morro do Chapéu até o ano de 1999, quando recebendo o convite da irmã foi morar em Goiânia e lá continuou trabalhando como serralheiro, mesmo oficio que desempenhava quando estava em sua terra natal. Com o trabalho com o ferro, intuitivamente começou a criar formas artísticas usando soldas, martelos e serras, aproveitando muitas vezes o que seria desprezado, começou a fazer ARTE. Desde a chegada em Goiânia foi conciliando o trabalho de serralheiro com as criações artísticas, e com o passar do tempo foi se destacando no cenário artístico local e regional. Hoje o artista Evandro Soares se dedica em tempo integral a criação de formas e esculturas. Os trabalhos de Evandro ocupam um espaço limítrofe entre o desenho e a escultura, problematizando as possibilidades de cada modalidade, a partir de suas estruturas concretas. O repertório formal de suas obras, Evandro encontra no cotidiano de seu oficio: são escadas, grades e outras estruturas que habitam nossas casas. Mas o uso que artista faz desses elementos alcançam problemas de ordem mais geral da arte. A noção contida nessas obras a respeito do Desenho percorre um arco que vai desde o projeto até a apresentação gráfica do conceito. E há na apresentação desses desenhos/esculturas, uma oscilação entre a apresentação e a representação que nos joga num labirinto de leituras que só o objeto de arte com seu campo de paradoxos, possibilitam. Hoje Evandro se destaca no artístico nacional, foi ganhador do prêmio SESI de Arte e Criatividade por dois anos seguidos. Participou de 4 edições da Casa Cor em Goiás e obteve o prêmio Seleção da Fundação Jaime Câmara: Nova Arte de Goiás. Suas obras já foram vistas no circuito internacional "Criadores do Brasil", com o apoio do Itamaraty, passando por Londres, Lisboa, Madri, Viena e Roma. Evandro também foi premiado pela XI Bienal Naïfis do Brasil.

REFERÊNCIAS

Fonte: https://www.catalogodasartes.com.br/artista/Evandro%20Soares/

BIOGRAFIA

Fábio Marques Miguez (São Paulo SP 1962). Pintor, gravador, fotógrafo. Em 1980, inicia curso de arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP). Nos dois anos seguintes também estuda gravura em metal com Sérgio Fingermann (1953). Entre 1983 e 1985, integra o ateliê Casa 7, juntamente com Carlito Carvalhosa (1961), Nuno Ramos (1960), Paulo Monteiro (1961) e Rodrigo de Andrade (1962). No início, sua obra, realizada em grandes formatos, apresenta pinceladas amplas e cores fortes, uma fatura expressiva, que se aproxima da transvanguarda italiana e do neo-expressionismo. O artista passa a realizar, no fim dos anos 1980, telas abstratas carregadas de matéria pictórica, que tendem ao monocromatismo, utilizando tons rebaixados. Já nas telas produzidas a partir da metade dos anos 1990, os planos de fundo passam a ser frequentemente grandes áreas cinzas ou brancas, e o artista explora a diluição da tinta e a intensificação das cores. A fatura torna-se mais transparente. Paralelamente, o artista dedica-se à fotografia. Na série Deriva, realizada entre 1993 e 1994, apresenta paisagens de um canto de praia, nas quais os acidentes geográficos e os corpos sólidos são apresentados em meio a uma atmosfera enevoada. Análise Na metade da década de 1980, Fábio Miguez pinta paisagens que têm caráter quase abstrato. Como os outros artistas da Casa 7 - grupo do qual faz parte -, ele apresenta em sua obra pinceladas amplas e cores fortes, uma fatura expressiva, em grandes formatos, que se aproxima do neo-expressionismo. O artista produz, no fim dos anos 1980, telas abstratas carregadas de matéria pictórica, que tendem ao monocromatismo, utilizando tons rebaixados: marrom, cinza e preto. Como nota o crítico Roberto Pontual, essas obras são sóbrias, com poucos contrastes, fechadas no emaranhado de pinceladas, porém enérgicas no princípio de construção que ali tenta firmar-se. Posteriormente, usa uma gama cromática variada e luminosa. Passa a explorar a diluição e a intensificação das cores em quadros nos quais os planos de fundo tornam-se frequentemente grandes áreas cinzas ou brancas, em telas da metade da década de 1990. A fatura é mais transparente e as tintas são mais diluídas. Em seus quadros apresenta áreas marcadas pela gestualidade aliadas a outras de caráter evanescente. Na opinião do historiador da arte Rodrigo Naves a produção de Miguez revela afinidade com a do artista holandês Bram van Velde, com suas áreas de cor matissianamente alegres e estrutura disforme e ameaçadora, além do diálogo com obras de Jorge Guinle (1947-1987). Em pinturas exibidas a partir de 2001, as formas diluídas de suas telas são apresentadas juntamente com elementos geométricos, de cores mais intensas. Essas formas geométricas parecem flutuar em um plano acima daquele das manchas cromáticas. Miguez explora assim o espaço pictórico, construído por diferentes densidades de cor. Em algumas obras, emprega elementos de madeira colados aos quadros, que criam uma diferença de profundidade no espaço pictórico e reforçam a idéia da solidez dos elementos geométricos, em oposição a áreas onde as tintas são mais fluidas e a fatura mais rala e transparente. O artista dedica-se também à fotografia. Na série Deriva, realizada entre 1993 e 1994, mostra paisagens de um canto de praia, nas quais os acidentes geográficos e os corpos sólidos estão em meio a uma atmosfera enevoada. Miguez explora as experiências óticas de aproximação e distanciamento, e da dissolução ou indefinição das superfícies. Pelo registro da neblina e do movimento das ondas do mar, destaca a instabilidade da paisagem, criando imagens que aparentam ser passageiras. Para o crítico Alberto Tassinari, essas fotografias indicam questões retomadas posteriormente pelo artista em seus quadros. Assim, as ondas ou a neblina são a forma que a instabilidade assume nas fotografias, e que nas pinturas são exploradas de diversas maneiras, por pares de oposição que não privilegiam nenhum de seus pólos: o definido e o indefinido, o aglomerado e o disperso, a indiferença e o contraste.

REFERÊNCIAS

FABIO Miguez. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa7920/fabio-miguez>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Kong Fang Chen (Tung Cheng, China 1931 - São Paulo SP 2012). Pintor, desenhista, gravador e professor. Estuda sumiê e aquarela na China em 1945. Vem morar em São Paulo com a família em 1951, naturalizando-se brasileiro em 1961. Entre 1954 e 1956, estuda pintura com Yoshiya Takaoka (1909-1978) em São Paulo. Faz sua primeira exposição individual em 1959, no Clube dos Artistas Plásticos de São Paulo. Entre 1965 e 1967, tenta a linha abstracionista, que abandona para retornar ao figurativismo. Em 1972, leciona na Faculdade de Belas Artes de São Paulo. Viaja, em 1977, para a América do Norte, Europa e Ásia, onde desenvolve o seu trabalho de pintura. Em 1981, é realizado o curta metragem biográfico O Caminho de Fang, em São Paulo. Visita a China convidado pelo governo chinês em 1985, visitando locais de interesse artístico.

REFERÊNCIAS

FANG . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10288/fang>. Acesso em: 04 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Fanny Feigenson (São Paulo SP 1949). Pintora e professora. Estuda pintura com Piroska (1907-1989), Samson Flexor (1907-1971), Waldemar da Costa (1904-1982), Antonio Vitor (1942) e Babinski (1931); e desenho, com Nelson Nóbrega (1900-1997) e Yolanda Mohalyi (1909-1978). Na década de 1970, cursa arquitetura na Faculdade de Arquitetura e faz licenciatura em desenho e plástica na Faculdade de Comunicação e Artes, ambas da Universidade Mackenzie. Na mesma universidade, atua como professora entre 1975 e 1988 e obtém o título de mestre em comunicações e artes, em 1996. Em paralelo, à produção artística, realiza workshops ligados aos processos de criação.

REFERÊNCIAS

FANNY Feigenson. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9925/fanny-feigenson>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Farnese de Andrade Neto (Araguari, Minas Gerais, 1926 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1996). Pintor, escultor, desenhista, gravador, ilustrador. Muda-se, em 1942, para Belo Horizonte onde, entre 1945 e 1948, estuda desenho com Guignard (1896-1962), na Escola do Parque. Em 1948 muda-se para o Rio de Janeiro para tratar uma tuberculose pulmonar. Entre 1950 e 1960, trabalha como ilustrador para o Suplemento Literário do Diário de Notícias, Correio da Manhã, o Jornal de Letras, e para as revistas Rio Magazine, Sombra, O Cruzeiro, Revista Branca e Manchete. Em 1959, começa a frequentar o Ateliê de Gravura do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), onde se aperfeiçoa em gravura em metal com orientações de Johnny Friedlaender (1912-1992). Convive com vários artistas que frequentam o Ateliê, entre eles Rossini Perez (1932), com quem desenvolve trabalhos de 1959 a 1961. Em 1964, começa a criar obras com materiais descartados, coletados nas praias e nos aterros. Posteriormente utiliza armários, oratórios, gamelas, ex-votos, adquiridos em antiquários e depósitos de materiais usados. Fotografias antigas também estão presentes em sua obra. Desde 1967, utiliza resina de poliéster, envolvendo materiais perecíveis. No Salão Nacional de Arte Moderna de 1970, recebe o prêmio de viagem ao exterior. Parte para a Espanha, instala um estúdio em Barcelona e lá permanece até 1975.

REFERÊNCIAS

FARNESE de Andrade. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9245/farnese-de-andrade>. Acesso em: 03 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Vem para o Brasil em 1934. Cursa artes gráficas na Fundação Getúlio Vargas - FGV, em 1947, onde estuda xilogravura com Axl Leskoschek (1889 - 1975) e gravura em metal com Carlos Oswald (1882 - 1971). Sua produção inicial em xilogravura apresenta temática predominantemente social. No início dos anos 1950 passa a produzir obras abstratas. Entre 1954 e 1970, leciona no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ. Em 1955, viaja para Nova York como bolsista da Fulbright Comission. Trabalha no Brooklyn Museum Art School e estuda gravura no Atelier 17, de Stanley William Hayter (1901 - 1988). Em 1969, a Biblioteca Nacional do Rio de Janeiro publica um álbum de gravuras realizadas entre 1954 e 1966. A partir da década de 1970, dedica-se também à aquarela. Publica vários livros sobre questões de arte e criação artística, entre eles Criatividade e Processos de Criação, 1978, Universos da Arte, 1983, Acasos e Criação Artística, 1990, e A Sensibilidade do Intelecto, 1998.  Em 1983, é realizada retrospectiva dos 40 anos de sua obra gráfica, no Museu Nacional de Belas Artes - MNBA e, em 1995, a exposição Gravuras 1950-1995, no Centro Cultural Banco do Brasil - CCBB, no Rio de Janeiro. Em 2001 é lançado pela GMT Editora o livro Fayga Ostrower, organizado por Carlos Martins.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/fayga-perla-ostrower/principais-obras

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Felipe Senatore (São Paulo, São Paulo, 1955). Pintor e muralista. Forma-se em engenharia mecânica pela Universidade Mackenzie, onde faz pós-graduação em análise de sistemas. A partir de 1989, dedica-se exclusivamente à atividade artística com ênfase na pintura. Na década de 1990, dedica-se ao estudo de novas técnicas aliadas à computação gráfica e pesquisa de novos materiais, bem como ministra workshops sobre técnicas alternativas de pintura (1991 e 1992), em São Paulo e Porto Alegre. Realiza vários painéis em São Paulo: para o Espaço Cultural Yázigi (1992); para a Estação Júlio Prestes da Fepasa (1995); e para o Espaço Cultural Sopave (1996).

REFERÊNCIAS

FELIPE Senatore. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8868/felipe-senatore>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Fernando Coelho (Salvador BA 1939). Pintor, desenhista, artista gráfico, ilustrador e publicitário. Interessa-se desde cedo pelas artes gráficas, trabalhando como publicitário. Em 1961, obtém o primeiro prêmio num concurso de cartazes instituído pelo governo do Estado da Bahia. Faz sua primeira exposição individual em 1964, na Galeria Querino, em Salvador. Em 1997, ilustra o livro Castro Alves: Edição Comemorativa dos 150 anos de Antônio de Castro Alves, junto com outros artistas, editado pela Fundação Banco do Brasil e Odebrechet.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/fernando-coelho/principais-obras

BIOGRAFIA

FERNANDO CORREIA (NASCEU EM: 1982, SÃO PAULO, SP) RECONHECIDO POR TRABALHOS EM PINTURA, DESENHO, GRAVURA E COLAGENS ÓPTICAS. INSPIRADO POR NOMES COMO HÉLIO OITICICA E ABRAHAM PALATNIK, DESENVOLVE OBRAS TRIDIMENSIONAIS QUE COMBINAM ELEMENTOS GEOMÉTRICOS E RITMOS IRREGULARES, VALORIZANDO O TOQUE ARTESANAL. PARTICIPOU DE IMPORTANTES SALÕES DE ARTE, INCLUINDO OS DE SANTO ANDRÉ, RIBEIRÃO PRETO E GUARULHOS, ALÉM DE DUAS EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS NA FUNARTE EM SÃO PAULO.   

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Fez o curso de pintura, na Escola de Belas Artes, em Curitiba, tendo sido aluno de Guido Viaro, entre 1948 e 1952. Estudou em Paris, França, como bolsista; aperfeiçoou seus conhecimentos com André Lhote nos anos de 1959 a 1961. Retornou ao Brasil, em 1962, e instalou-se em Curitiba. Foi diretor Secretário do Museu de Arte Contemporânea. Em 1965 foi membro da Comissão Julgadora do 9o Salão de Artes Plásticas para Novos, Curitiba e do 1o Salão de Arte Religiosa Brasileira, Londrina. Foi membro da Comissão Julgadora do 4o Salão da Cidade de Porto Alegre, em 1969, e eleito 1o secretário da Associação dos Museus de Arte do 4o Colóquio dos Museus de Arte do Brasil, Belo Horizonte. Propôs a criação e a regulamentação do Museu de Arte Contemporânea do Paraná, em 1970. Presidiu o 5o Colóquio dos Museus de Arte do Brasil, Curitiba. Exerceu o cargo de diretor do Museu de Arte Contemporânea do Paraná, entre 1970 e 1984. Em 1974, participou do 8o Colóquio dos Museus de Arte do Brasil, realizado em Salvador, BA, tendo sido eleito, durante o evento, presidente da Associação dos Museus de Arte. Representou o Paraná na Associação Brasileira de Museologia, entre 1979 e 1985. Em 1984, participou da Brazilian Painters at Middlefest’84, sala especial, Middletown, Ohio, Estados Unidos. Foi nomeado diretor-geral da Secretaria de Estado da Cultura do Paraná, em 1995.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/fernando-velloso

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Fernando Torres Vignoli, ou simplesmente Vignoli (Belo Horizonte, 14 de agosto de 1960 – 13 de dezembro de 2016) foi um pintor e escultor brasileiro. Iniciou sua carreira em 1982 criando telas em óleo sobre canvas, onde aplica uma técnica própria, que, segundo ele, possibilita um equilíbrio perfeito na distribuição dos elementos, levando o espectador a se deparar com a textura, a plasticidade e a criação, em perfeita harmonia dentro da história de cada quadro. O estilo de Vignoli é uma fusão entre surrealismo e expressionismo, com influência declarada do mestre espanhol Salvador Dali. Para o artista brasileiro, a diferença entre as criações é que o surrealismo de Dali é inspirado em sonhos e ilusão e seu estilo é o Surrealismo possível e real, baseado nos acontecimentos do mundo contemporâneo. Até 2013, Vignoli já havia exposto suas obras em mais de 20 países. Vignoli desenvolvia em sua pintura uma interpretação muito pessoal dos dramas humanos, lidando com referências estilísticas do romantismo, expressionismo e da pintura metafísica, movimentos que, como o surrealismo, se dedicaram a interrogar dimensões humanas mais inexprimíveis. Em sua obra vemos quadros de Picasso, Munch, Miró, Magritte e Dalí adornando paredes e cadeiras abandonadas. O teor poético das cenas é pronunciado seguindo a linguagem misteriosa do sonho, proporcionando metáforas e interpretações múltiplas. Morreu em 13 de dezembro de 2016, aos 56 anos. Internado para tratar de uma leucemia, no dia 12 de dezembro de 2016, teve complicações devido a uma diverticulite, que causou septicemia.

REFERÊNCIAS

https://pt.wikipedia.org/wiki/Vignoli

BIOGRAFIA

Doutorado em Artes Visuais (poéticas visuais) ppgav – UFRGS/RS (2014), com pós-doutorado em Artes Visuais- UDESC (2017). Mestrado em Artes Visuais (teoria e crítica) ppgav – UDESC/SC (2007) e bacharelado em Artes Plásticas – UFRGS/RS (1984). Participação no circuito brasileiro de arte contemporânea por meio de exposições, salões e produção acadêmica. Vive e trabalha em Florianópolis/SC

REFERÊNCIAS

Fonte: http://bienaldecuritiba.com.br/2019/artista/flavia-duzzo/

BIOGRAFIA

Flávio Resende de Carvalho (Amparo da Barra Mansa, Rio de Janeiro, 1899 - Valinhos, São Paulo, 1973). Pintor, desenhista, arquiteto, cenógrafo, decorador, escritor, teatrólogo, engenheiro. Muda-se com a família para São Paulo em 1900. Em 1911, passa a estudar em Paris e, três anos depois, na Inglaterra, onde, em Newcastle, em 1918, inicia o curso de engenharia civil no Armstrong College da Universidade de Durham e ingressa no curso noturno de artes da King Edward the Seventh School of Fine Arts. Conclui o curso de engenharia em 1922 e nesse ano volta a residir em São Paulo, onde chega logo após a realização da Semana de Arte Moderna. Desenvolve atividades em várias áreas artísticas e intelectuais, freqüentemente de forma inovadora e provocativa. Participa de concursos públicos de arquitetura, como para o Palácio do Governo do Estado de São Paulo, em 1927, e, embora não tenha sido vencedor em nenhum deles, seus projetos são considerados pioneiros da arquitetura moderna no país. Em 1931, realiza o polêmico evento Experiência nº 2, em que caminha com boné na cabeça, de forma desafiadora, em sentido contrário ao de uma procissão de Corpus Christi e é bastante hostilizado. Em 1932, abre um ateliê, onde funda o Clube dos Artistas Modernos - CAM, com Antonio Gomide (1895-1967), Di Cavalcanti (1897-1976) e Carlos Prado (1908-1992). No ano seguinte, cria o Teatro da Experiência e encena o Bailado do Deus Morto - espetáculo de teatro-dança de sua autoria com estética inovadora, para o qual cria cenografia e figurino e que tem, em sua maioria, atores negros. Realiza, em 1934, a sua primeira exposição individual. A mostra é fechada pela polícia sob alegação de atentado ao pudor, e reaberta alguns dias depois, por ordem judicial. Em 1947, realiza os desenhos da Série Trágica, em que registra a morte da própria mãe. Após publicar, em 1956, uma série de artigos sobre moda na coluna Casa, Homem, Paisagem - em que escreve sobretudo a respeito de arquitetura e urbanismo -, que mantém no Diário de São Paulo, apresenta-se - e causa escândalo - em passeata pelo centro da cidade de São Paulo com o New Look, um traje tropical masculino por ele desenvolvido e que consiste de saia e blusa de mangas curtas e folgadas.

REFERÊNCIAS

FLÁVIO de Carvalho. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9016/flavio-de-carvalho>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Shiro Tanaka (Sapporo, Japão 1928). Pintor, gravador, desenhista e cenógrafo. Chega ao Brasil em 1932, e instala-se com a família numa colônia japonesa em Tomé-Açu, no Pará. Reside em São Paulo a partir de 1940. Estuda na Escola Profissional Getúlio Vargas, onde conhece Octávio Araújo (1926-2015), Marcelo Grassmann (1925-2013) e Luiz Sacilotto (1924-2003). Por volta de 1943 tem contato com Alfredo Volpi (1896-1988) e Francisco Rebolo (1902-1980) integrantes do Grupo Santa Helena. Em 1947, integra o Grupo Seibi. No ano seguinte, trabalha na molduraria do pintor Tadashi Kaminagai (1899-1982). Com bolsa de estudo, viaja a Paris, onde permanece de 1953 a 1983. Estuda mosaico com Gino Severini (1883-1966), gravura em metal com Johnny Friedlaender (1912-1992) e litografia na École National Supérieure des Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes]; e freqüenta o ateliê de Sugai e Tabuchi. Na década de 1960, participa do movimento artístico brasileiro e integra o Grupo Austral (Movimento Phases) de São Paulo. Dedica-se à abstração informal, desde a década de 1950. A partir dos anos 1970, suas telas apresentam sugestões de figuras, por vezes seres fantásticos ou monstruosos. Em 1990, é publicado o livro Flávio-Shiró, pela editora Salamandra. A exposição Trajetória: 50 Anos de Pintura de Flavio-Shiró é apresentada no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ) e no Hara Museum of Contemporary Art, em Tóquio, em 1993, e no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp), em 1994.

REFERÊNCIAS

FLAVIO-SHIRÓ . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8624/flavio-shiro>. Acesso em: 10 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Francisco de Paula Coimbra de Almeida Brennand  (Recife, 1927 - Recife, 2019). Ceramista, escultor, desenhista, pintor, tapeceiro, ilustrador, gravador. Inicia sua formação em 1942, aprendendo a modelar com Abelardo da Hora (1924). Posteriormente, recebe orientação em pintura de Álvaro Amorim (19-?) e Murilo Lagreca (1899 - 1985). No fim dos anos 1940, pinta principalmente naturezas-mortas, realizadas com grande simplificação formal. Em 1949, viaja para a França, incentivado por Cicero Dias (1907 - 2003). Freqüenta cursos com André Lhote (1885 - 1962) e Fernand Léger (1881 - 1955) em Paris, em 1951. Conhece obras de Pablo Picasso (1881 - 1973) e Joán Miró (1893 - 1983) e descobre na cerâmica seu principal meio de expressão. Entre 1958 a 1999, realiza diversos painéis e murais cerâmicos em várias cidades do Brasil e dos Estados Unidos. Em 1971, inicia a restauração de uma velha olaria de propriedade paterna, próxima a Recife, transformando-a em ateliê, onde expõe permanentemente objetos cerâmicos, painéis e esculturas. Em 1993, é realizada grande retrospectiva de sua produção na Staatliche Kunsthalle, em Berlim. É publicado o livro Brennand, pela editora Métron, com texto de Olívio Tavares de Araújo, em 1997. Em 1998, é realizada a retrospectiva Brennand: Esculturas 1974-1998, na Pinacoteca do Estado - Pesp, em São Paulo. Desde os anos 1990, são lançados vários vídeos sobre sua obra, entre eles, Francisco Brennand: Oficina de Mitos, pela Rede Sesc/Senac de Televisão, em 2000.

REFERÊNCIAS

FRANCISCO Brennand. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa3999/francisco-brennand>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Francisco Domingos da Silva (Alto Tejo, Acre, 1910 - Fortaleza, Ceará, 1985). Pintor e desenhista. Começa a desenhar a carvão e giz sobre muros e paredes de casebres de pescadores por volta de 1937, em Fortaleza (Ceará). Na década de 40, sob o incentivo do crítico e pintor suíço Jean Pierre Chabloz, inicia-se na pintura à guache e juntamente com Chabloz, Antônio Bandeira e Inimá de Paula, expõe na Galeria Askanasy, no Rio de Janeiro, em 1945. Entre 1961 e 1963, trabalha no recém-criado Museu de Arte da UFCE. Depois de permanecer quatro anos internado em um hospital psiquiátrico, volta a pintar em 1981.

REFERÊNCIAS

CHICO da Silva. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9894/chico-da-silva>. Acesso em: 27 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Francisco Rebolo Gonsales (São Paulo, São Paulo, 1902 - São Paulo, São Paulo, 1980). Pintor e gravador. Inicia seus estudos em artes na Escola Profissional Masculina do Brás, onde tem aula de desenho com o professor Giuseppe Barquita, entre 1915 e 1917. Aos 14 anos, trabalha como aprendiz de decorador de paredes. Paralelamente à sua atividade como decorador, atua como jogador de futebol, passando pela Associação Atlética São Bento, de 1917 a 1922, pelo Sport Club Corinthians Paulista, de 1922 a 1927, e pelo Clube Atlético Ypiranga, de 1927 a 1934. Em 1926, monta ateliê de decoração na Rua São Bento. A partir 1933, transfere seu ateliê para uma sala no Palacete Santa Helena, quando inicia-se na pintura. A partir de 1935, partilha seu ateliê com Mário Zanini (1907-1971). Posteriormente, outras salas do Palacete são transformadas em ateliês e ocupadas por vários pintores. Mais tarde, este grupo de artistas passa a ser denominado Grupo Santa Helena. Rebolo desenvolve uma obra pautada na figuração, mas, a partir da década de 1950, esboça algumas experiências no abstracionsimo e posteriormente no construtivismo. Em 1937, participa da formação do Sindicato dos Artistas Plásticos de São Paulo e integra a Família Artística Paulista (FAP). Em 1945, trabalha com outros artistas para a criação do Clube dos Artistas e Amigos da Arte (Clubinho), do qual é diretor por várias vezes. Com prêmio de viagem ao exterior, obtido no 3º Salão Nacional de Arte Moderna, embarca para a Europa em 1955. Em 1956, faz curso de restauração no Vaticano, participando da recuperação de uma obra de Raphael (1483-1520). A partir de 1959, incentivado por Marcelo Grassmann (1925-2013), inicia uma série de experiências como gravador.  

REFERÊNCIAS

FRANCISCO Rebolo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8632/francisco-rebolo>. Acesso em: 30 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Francisco Alexandre Stockinger (Traun, Áustria 1919 - Porto Alegre RS 2009). Escultor, gravador, desenhista, caricaturista, xilógrafo, professor. Vem para o Brasil em 1921. Em 1929, fixa-se em São Paulo e faz curso de desenho com Anita Malfatti (1889-1964) no Colégio Mackenzie. Em 1937, passa a viver no Rio de Janeiro e inicia estudos no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro em 1946. Trava contato com Bruno Giorgi (1905-1993), e freqüenta o ateliê do artista, no antigo hospício da Praia Vermelha, entre 1947 e 1950. Convive também com Oswaldo Goeldi (1895-961), Marcelo Grassmann (1925-2013) e Maria Leontina (1917-1984). Realiza caricaturas e charges políticas para jornais. Em 1954, transfere-se para Porto Alegre, para trabalhar na diagramação do jornal A Hora. Nesse período, começa a realizar xilogravuras. Em 1956, ano em que se naturaliza brasileiro, é eleito presidente da Associação Rio-Grandense de Artes Plásticas Francisco Lisboa, cargo que ocupa em 1957 e em 1978. É fundador e primeiro diretor do Atelier Livre da Prefeitura de Porto Alegre, em 1961, e diretor do Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli - Margs e da Divisão de Artes do Departamento de Cultura da Secretaria de Educação e Cultura do Estado, em 1967. Ministra curso de escultura com modelo vivo com Vasco Prado (1914-1998), no Margs em 1985. Recebe, em 1994, o título de cidadão honorário de Porto Alegre e, em 1997, o prêmio do Ministério da Cultura na área de artes plásticas.

REFERÊNCIAS

FRANCISCO Stockinger. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9462/francisco-stockinger>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Francisco Valdés é um artista masculino chileno contemporâneo, nascido em Santiago (CL) em 1968. A primeira exposição de Francisco Valdés foi Silenciar Amigos y Enemigos por Igual no Museu de Arte Contemporânea de Valdivia em 2001, e a exposição mais recente foi Francisco Valdés - Témpera na Galeria Gabriela Mistral em Santiago em 2014. Francisco Valdés expõe principalmente no Chile, mas também teve exposições na Bélgica, Itália e em outros lugares. Valdés teve 6 mostras individuais e 18 mostras coletivas nos últimos 13 anos, também não esteve em feiras de arte e em duas bienais. O show mais importante foi a 2º Bienal de Praga em Karlin Hall em Praga em 2005. Outras mostras importantes foram na Lukas Feichtner Galerie em Viena e na CIFO - Cisneros Fontanals Art Foundation em Miami, Flórida. Francisco Valdés expôs com Ivan Navarro e Jota Castro.

REFERÊNCIAS

Texto retirado e traduzido de: https://artfacts.net/artist/francisco-valdes/42057

BIOGRAFIA

Recebeu sua primeira formação em arte estudando pintura com Wlazek, no Rio de Janeiro. Em seguida partiu para Viena, onde cursou desenho com Grom-Rottmeier. Nos anos 40 estava de volta ao Brasil, formando-se engenheiro em 1943 pela Escola Nacional de Engenharia da antiga Universidade do Brasil. Nos anos seguintes se aperfeiçoou em pintura e explorou a gravura respectivamente com Arpad Szenes e Hans Steiner. Voltando à Europa entre 1948 e 1949, realizou estudos com Fernand Léger, André Lhote, Robert Cami e Ducos de la Haille. Depois, desenvolveu ativa carreira no país e no exterior. Ilustrou os livros Guerra e Paz, de Leon Tolstoi, Contos Russos e São Jorge de Ilhéus, de Jorge Amado, e Antologia Poética, de Augusto Frederico Schmidt. Em 1960 recebeu o Prêmio Jabuti como melhor ilustrador nacional. Também possui extensa obra em pintura, de cunho expressionista, transitando da abstração à figuração, e presente em diversos acervos nacionais e estrangeiros, com destaque para as paisagens e retratos. Foi convidado pelo Ministério das Relações Exteriores da Noruega para realizar diversas exposições naquele país e pronunciar palestras sobre as artes do Brasil. Foi professor, ilustrou capas de livros de escritores famosos, criou painéis para instituições e foi agraciado com vários prêmios. Viajou por toda a Europa e diversos países americanos. Sua obra Ressaca, de 1959, pertence ao acervo do Museu Nacional de Belas-Artes, no Rio. Recebeu sua primeira formação em arte estudando pintura com Wlazek, no Rio de Janeiro. Em seguida partiu para Viena, onde cursou desenho com Grom-Rottmeier. Nos anos 40 estava de volta ao Brasil, formando-se engenheiro em 1943 pela Escola Nacional de Engenharia da antiga Universidade do Brasil. Nos anos seguintes se aperfeiçoou em pintura e explorou a gravura respectivamente com Arpad Szenes e Hans Steiner. Voltando à Europa entre 1948 e 1949, realizou estudos com Fernand Léger, André Lhote, Robert Cami e Ducos de la Haille. Depois, desenvolveu ativa carreira no país e no exterior. Ilustrou os livros Guerra e Paz, de Leon Tolstoi, Contos Russos e São Jorge de Ilhéus, de Jorge Amado, e Antologia Poética, de Augusto Frederico Schmidt. Realizou exposições individuais e participou de coletivas em Salões desde 1941 no Brasil, França, Inglaterra, Noruega, estados Unidos, Áustria, Peru e Argentina. Participou das Bienais de São Paulo, Barcelona e México. Participou dos Salões de Belas Artes e de Arte Moderna no Rio e outros Estados. Possui extensa obra em pintura, de cunho expressionista, transitando da abstração à figuração, e presente em diversos acervos nacionais e estrangeiros, com destaque para as paisagens e retratos.

REFERÊNCIAS

guiadasartes.com.br/frank-schaeffer

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Frans Krajcberg (Kozienice, Polônia, 1921 – Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2017). Escultor, pintor, gravador e fotógrafo. Autor de obras que têm como característica a exploração de elementos da natureza, destaca-se pelo ativismo ecológico, que associa arte e defesa do meio ambiente. Nascido na Polônia, Krajcberg forma-se em engenharia e artes pela Universidade de Leningrado. Mais tarde, ao mudar-se para a Alemanha, ingressa na Academia de Belas Artes de Stuttgart, onde é aluno do pintor alemão Willi Baumeister (1889-1955). Sua carreira artística se inicia no Brasil, onde chega em 1948, procurando reconstruir a vida depois de perder toda a família em um campo de concentração durante a Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Reside um curto período no Paraná (isolando-se na floresta para pintar) e, em 1951, participa da 1ª Bienal Internacional de São Paulo, com duas pinturas. Muda-se para o Rio de Janeiro em 1956, onde divide ateliê com o escultor Franz Weissmann (1911-2005). Naturaliza-se brasileiro no ano seguinte. Suas pinturas desse período tendem à abstração, predominando tons ocre e cinza. Trabalha motivos da floresta paranaense, com emaranhados de linhas vigorosas. O artista retorna a Paris em 1958, onde permanece até 1964. Alterna a estada em Paris com viagens a Ibiza, Espanha, onde produz trabalhos em papel japonês modelado sobre pedras e pintados a óleo ou guache. Essas "impressões" são realizadas com base no contato com a natureza e aproximam-se, nas formas, de paisagens vulcânicas ou lunares. Também em Ibiza, a partir de 1959, produz as primeiras "terras craqueladas", relevos quase sempre monocromáticos, com pigmentos extraídos de terras e minerais locais. Como nota o crítico Frederico Morais, a natureza torna-se a matéria-prima essencial do artista. De volta ao Brasil, em 1964, instala um ateliê em Cata Branca, Minas Gerais. A partir desse momento ocorre em sua obra a explosão no uso da cor e do espaço. Começa a criar as "sombras recortadas", nas quais associa cipós e raízes a madeiras recortadas. Nos primeiros trabalhos, opõe a geometria dos recortes à sinuosidade das formas naturais. Destacam-se as projeções de sombras em suas obras. Em 1972, passa a residir em Nova Viçosa, litoral sul da Bahia. Amplia o trabalho com escultura, iniciado em Minas Gerais. Intervém em troncos e raízes, entendendo-os como desenhos no espaço. Essas esculturas fixam-se no solo ou buscam libertar-se, direcionando-se para o alto. A partir de 1978, atua como ecologista, luta que assume caráter de denúncia em seus trabalhos: "Com minha obra, exprimo a consciência revoltada do planeta"1. Krajcberg viaja constantemente para Amazônia e Mato Grosso, e registra, por meio da fotografia, desmatamentos e queimadas em imagens dramáticas. Dessas viagens, retorna com troncos e raízes calcinados, que utiliza em esculturas. Na década de 1980, inicia nova série de "gravuras", que consiste na modelagem em gesso de folhas de embaúba e outras árvores centenárias, impressas em papel japonês. Também nesse período, realiza a série Africana, utilizando raízes, cipós e caules de palmeiras associados a pigmentos minerais. Krajcberg sempre fotografa suas esculturas, muitas vezes tendo o mar como fundo.  O Instituto Frans Krajcberg, em Curitiba, é inaugurado em 2003, recebendo a doação de mais de uma centena de obras do artista. Krajcberg, ao longo da carreira, mantém-se fiel a uma concepção de arte relacionada à pesquisa e utilização de elementos da natureza. A paisagem brasileira, em especial a floresta amazônica, e a defesa do meio ambiente marcam toda sua obra.

REFERÊNCIAS

FRANS Krajcberg. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10730/frans-krajcberg>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

FULVIO PENNACCHI (1905, VILLA COLLEMANDINA, ITÁLIA – FALECEU EM: 1992, SÃO PAULO,SP) PINTOR E DESENHISTA. FORMOU-SE EM ARTES EM LUCCA, ITÁLIA, ANTES DE SE MUDAR PARA SÃO PAULO EM 1929. EM 1933, COMEÇOU A TRABALHAR COM O ESCULTOR GALILEO EMENDABILI EM MONUMENTOS FÚNEBRES E, EM 1935, ASSOCIOU-SE AO GRUPO SANTA HELENA, APÓS CONHECER FRANCISCO REBOLO.  INTEGROU A FAMÍLIA ARTÍSTICA PAULISTA (FAP). DESTACOU-SE POR AFRESCOS DE GRANDE ESCALA, COMO OS DA IGREJA NOSSA SENHORA DA PAZ, EM SÃO PAULO. A PARTIR DE 1952, DEDICOU-SE À CERÂMICA COM TÉCNICAS POLICROMÁTICAS. RECEBEU HOMENAGENS NO BRASIL E NA ITÁLIA. EM 1980, SEU TRABALHO FOI DOCUMENTADO POR PIETRO MARIA BARDI, E EM 1989, FOI LANÇADO O LIVRO "OFÍCIO PENNACCHI".  

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Seu trabalho teve início no grafite e com o tempo migrou para as artes plásticas. Esse diálogo entre o ateliê e a cidade é recorrente na sua produção. Com uma pesquisa artística baseada no embate entre a geometria e o orgânico, suas imagens são carregadas de padrões, ritmo, dinamismo conseguidos por meio de estêncil e percursos visuais, dentro de um colorismo vibrante que se apresenta em camadas, justaposições e sobreposições nos campos que são delimitados apenas pelo encontro das cores, isso do ponto de vista formal. Subjetivamente é possível criar paralelos e diálogos com os padrões geométricos, pinturas tribais com a arte decorativa de várias culturas, povos e épocas. Cronologia Exposição Individual: 2016 Caruso Lounge - Exposição Acontece Petite Galeria - Azul Exposições Coletivas: 2008 - Espaço Coletivo Galeria (Novos Ares) - 1º Bienal Internacional de Graffiti de Belo Horizonte 2009 - Reciclando Cidades e Conceitos ( Brasilia ) - Espaço Cultural Zumbi dos Palmares/ Câmara dos Deputados - Small is Beautiful ( Londres ) - Exposição Galeria Fauno (Coletiva) 2010 - Exposição Tigenkka (Quina Galeria - Belo Horizonte) - Spray Galeria (coletiva) 2011 - Exposição Fuera de la Lìnea - Museu Macro (Rosário - Argentina) - Centro Cultural São Paulo - Projeto Eixo Cruzado 2012 - Exposição Origem - Fibra Galeria - SP ( Coletiva ) - Exposição Mundo de Fantasia - Qaz Galeria - SP ( Coletiva ) 2013 - Exposição Entre Mundos - View arts Company e ApArt - SP - Exposição Art Show Chapel 44 - Exposição Entre Meios Local: PUC - SP 2014 - Exposição Legal - Gallery 102 - Washignton - DC - Exposição Legal - Gallery Porter Contemporary - NY - Exposição Abre - Te Graffiti - 8Galeria - Brasilia - DF 2015 - Exposição DES { Encontro } - Luis Maluf Art Gallery - SP - Exposição Caminhos - Galeria Gamma - Maceio - AL - 3 Bienal Internacional de Graffiti Fine Art - SP - Parque do Ibirapuera, no Pavilhão das Culturas Brasileiras - Exposição Puertas Abiertas / Apart Gallery 2016 - Colombia / Bogota - 2016 2017 - Galeria Crua

REFERÊNCIAS

guiadasartes.com.br/gen-duarte/artista

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Genaro Antônio Dantas de Carvalho (Salvador, Bahia, 1926 - idem 1971). Tapeceiro, pintor, desenhista. Inicia seus estudos de pintura com o pai. Em 1944, vai para o Rio de Janeiro, e estuda desenho com Henrique Cavalleiro (1892-1975) na Sociedade Brasileira de Belas Artes. É considerado um dos principais ativistas pela renovação da arte na Bahia, ao lado de Carlos Bastos (1925-2004), Carybé (1911-1997) e Mario Cravo Jr. (1923). Com bolsa de estudos do governo francês, Genaro embarca para Paris em 1949, lá estuda com André Lhote (1885-1962) e Fernand Léger (1881-1955) na École Nationale de Beaux-Arts. Participa, em 1950, dos Salões de Outono, de Maio e dos Independentes. Nesse mesmo ano, inicia-se na arte da tapeçaria, realizando seu primeiro trabalho denominado Plantas Tropicais. No ano de 1955, cria o primeiro ateliê de tapeçaria no Brasil, na cidade de Salvador, Bahia. Seu trabalho de maior destaque é o mural realizado para o salão interno do Hotel da Bahia, obra com 200 metros quadrados, intitulada Festejos Regionais Bahianos. Em 1967, a Divisão de Cultura do Departamento de Estado Americano realiza o documentário Genaro e a Tapeçaria Brasileira.

REFERÊNCIAS

GENARO . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa16987/genaro>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Gilvan José Meira Lins Samico (Recife, Pernambuco, 1928 - idem 2013). Gravador, pintor, desenhista, professor. Em 1952, Gilvan Samico funda, juntamente com outros artistas, o Ateliê Coletivo da Sociedade de Arte Moderna do Recife (SAMR), idealizado pelo gravador Abelardo da Hora. Estuda xilogravura com Lívio Abramo, em 1957, na Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP). No ano seguinte, transfere-se para o Rio de Janeiro, onde cursa gravura com Oswaldo Goeldi na Escola Nacional de Belas Artes (Enba). Dedica-se à realização de texturas elaboradas com ritmos lineares em seus trabalhos. Em 1965, fixa residência em Olinda. Leciona xilogravura na Universidade Federal da Paraíba (UFPA). Em 1968, com o prêmio viagem ao exterior obtido no 17º Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM), permanece por dois anos na Europa. Em 1971, é convidado por Ariano Suassuna a integrar o Movimento Armorial, voltado à cultura popular nordestina e à literatura de cordel. Sua produção é marcada pela recuperação do romanceiro popular nordestino, por meio da literatura de cordel e pela utilização criativa da xilogravura. Suas gravuras são povoadas por personagens bíblicos e outros, provenientes de lendas e narrativas locais, assim como por animais fantásticos e míticos. Com a apresentação de uma nova temática, introduz uma simplificação formal em seus trabalhos, reduzindo o uso da cor e das texturas.

REFERÊNCIAS

GILVAN Samico. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10514/gilvan-samico>. Acesso em: 02 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Giuseppe Pasquale Perissinotto (Veneza, Itália, 1881 - São Paulo, São Paulo, 1965) Pintor, desenhista e professor.  Vive a infância na cidade de Brotas em São Paulo, onde ajuda o pai no trabalho de construtor e nas horas vagas dedica-se a cópias de estampas. Na Itália, entre 1899 e 1906, estuda no Instituto de Belas Artes de Veneza e, em seguida, na Academia de Belas Artes de Florença, onde foi aluno de Giovanni Fattori e De Karolis. É professor do Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo (Laosp), em São Paulo. Em 1919, abre uma Escola de Desenho e Pintura. Em 1928, decora o teto do Cine-Teatro Oberdan, em São Paulo.

REFERÊNCIAS

GIUSEPPI Perissinoto. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9678/giuseppi-perissinoto>. Acesso em: 07 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Gonçalo Ivo (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1958). Artista plástico, arquiteto. Filho do jornalista e poeta Lêdo Ivo (1924-2012) e da professora Maria Leda Sarmento de Medeiros Ivo (1923-2004), é influenciado pela circulação dos pais em ambientes culturais. Além de conhecer escritores, frequenta desde criança ateliês de artistas plásticos, como Iberê Camargo (1914-1994). Adolescente, matricula-se em aulas de pintura e de desenho no Museu de Arte Moderna no Rio de Janeiro (MAM/RJ). As aulas são ministradas pelos artistas Aluísio Carvão (1920-2001) e Campos Mello (1932), que lhe apresentam o que há de mais notável na produção corrente nas artes visuais. Em 1983, forma-se em arquitetura e urbanismo pela Universidade Federal Fluminense (UFF) e, durante a década de 1980, trabalha como ilustrador e designer gráfico para editoras em São Paulo e Rio de Janeiro. Em 1986, leciona pintura na Universidade Federal do Rio de Janeiro (URFJ) como professor visitante. Estabelece ateliê no bairro de Santa Teresa e também em Teresópolis, região serrana do Rio de Janeiro, onde reside. Participa de mostras coletivas e Salões de Artes, e integra, em julho de 1984, a exposição Como Vai Você, Geração 80?, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, com outros 123 artistas. Faz viagens de pesquisa pelo litoral do Brasil, América Latina e Europa desde 1980. Nelas, coleta materiais da natureza, observa e registra a arquitetura vernacular e, nas metrópoles culturais, visita museus. Os primeiros livros sobre sua produção são editados na década de 1990, período de intensa produção e participação do artista em mostras individuais e coletivas, no Brasil e no exterior. Destaque para a exposição no Paço Imperial, Rio de Janeiro; a International Watercolor Exhibition, em Bilbao, Espanha; e a Recent Works, na Lewarne Galleries, em Vancouver, Canadá. Em 2000, passa a viver no interior da França e, em seguida, em Paris. Suas obras fazem parte de acervos do Museu de Arte Contemporânea de São Paulo (MAC/SP), da Pinacoteca do Estado de São Paulo, do Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro e do Deutsche Bank.

REFERÊNCIAS

GONÇALO Ivo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9949/goncalo-ivo>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Luís Gregório Gruber Novaes Correia (Santos, SP, 1951). Pintor, desenhista, gravador, escultor, cenógrafo, fotógrafo. Inicia formação artística com cursos de piano e teoria musical na Fundação Armando Álvares Penteado - Faap em 1965, e com aulas de cravo na Pró-Arte. Freqüenta o curso de desenho de Frederico Nasser (1969), e também produz filmes em super-8. Em 1971, interrompe o curso de arquitetura na Faculdade de Arquitetura da Universidade Presbiteriana Mackenzie, e passa a freqüentar aulas de litografia e de gravura em metal, no Ateliê Mário Gruber e no Socorro Curso de Gravura em Metal, respectivamente. Ingressa no curso de artes plásticas da Faap, em 1972, abandonando-o no ano seguinte. Viaja para Paris e tem aulas de desenho na Académie de la Grande Chaumière, em 1974. Nesse ano, realiza sua primeira individual, no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp). Faz estágios de artes gráficas e fotografia no Ateliê Mário Gruber, em 1975, e, no ano seguinte, é responsável pelo curso de desenho de modelo vivo, na Pinacoteca do Estado de São Paulo (Pesp). É contemplado com o prêmio de melhor gravura da Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA) em 1976. Edita o livro Bodas de Sangue, em 1986, com desenhos realizados com base no filme de Carlos Saura. E atua como cenógrafo da peça Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues (1912-1980), dirigida por Marcio Aurelio (1948), em 1987. Sua obra é objeto de quatro filmes: O Gesto Criador, 1977, e Retrato do Artista Quando Jovem, 1978, ambos de Olívio Tavares de Araújo; Uma Tarde com Gregório, 1987, de Nelson Pereira dos Santos e Gregório, 1992, do Instituto Itaú Cultural. Comentário crítico O nome de Gregório Gruber liga-se diretamente às vistas e cenas urbanas, sobretudo às imagens de São Paulo como Avenida São João, 1991, Major Sertório e Pacaembu, 1993. Trata-se de representações objetivas, quase fotográficas da cidade, o que leva os críticos a definirem sua obra como hiper-realismo. De fato, a pintura de Gruber apresenta inúmeras afinidades com a fotografia, utilizada, segundo ele, como "esboço" e "parte do processo de criação". Mas outros recursos são também empregados como meios de construção da tela. "Sou muito arquiteto", afirma. "Estruturo os quadros, fico planejando. Começo sempre da anotação, quase sempre no caderninho, depois vem a aquarela, às vezes até mesmo o pastel, só depois vou para a tela com óleo ou acrílico". A vocação arquitetônica do pintor apresenta-se no projeto e também no resultado do trabalho; afinal, o que as pinturas revelam são construções: casarios, ruas, avenidas, viadutos e arranha-céus, flagrados à noite ou à luz do dia. As linhas e os planos da cidade podem ser apreendidos num só golpe de olhar, ainda que a clareza da imagem se encontre de modo geral perturbada nessas superfícies, ora esfumaçadas, ora transparentes, ora espelhadas. O jogo de revelações e ocultações, mobilizado tecnicamente pelo artista, compromete o verismo da cena, imprimindo-lhe feições etéreas, oníricas e mesmo surreais. A metrópole mostra-se esvaziada dos fluxos e multidões que a caracterizam; apenas linhas, volumes e cintilações.

REFERÊNCIAS

Referência: Itaú Cultural

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Guita Charifker (Recife, Pernambuco, 1936 - idem, 2017). Pintora, desenhista, gravadora e escultora. Em 1953, estuda desenho e escultura no Ateliê Coletivo da Sociedade de Arte Moderna (SAMR), no Recife, ao lado do gravador Gilvan Samico (1928-2013) e do pintor José Cláudio (1932), entre outros, sob orientação de Abelardo da Hora (1924-2014).  Colabora, em 1964, na fundação do Atelier da Ribeira, em Olinda, Pernambuco, do qual participa também o pintor João Câmara (1944). Em 1966, cria e dirige a Galeria do Teatro Popular do Nordeste. Desde a década de 1970, realiza pesquisas em gravura em metal na Oficina do Ingá, Niterói, sob orientação da gravadora Anna Letycia (1929). Em 1974, recebe o prêmio de viagem ao México no Salão Global de Pernambuco. Depois, trabalha no ateliê de João Câmara e frequenta por algum tempo o ateliê do escultor Frans Krajcberg (1921). Organiza o Ateliê Coletivo, em Olinda, com pintor Gil Vicente (1958), José Cláudio e Gilvan Samico, entre outros, em 1985. Em 2001, é publicado o livro Viva a Vida! Guita Charifker: aquarelas, desenhos, pinturas, pela Secretaria de Educação e Cultura do Recife, e em 2003 são apresentadas exposições retrospectivas no Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), Rio de Janeiro, e na Pinacoteca do Estado de São Paulo (Pina_).

REFERÊNCIAS

GUITA Charifker. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa23493/guita-charifker>. Acesso em: 23 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

GUSTAVO ROSA (NASCEU EM: 1946, SÃO PAULO,SP - FALECEU EM: 2013, SÃO PAULO,SP) ARTISTA PLÁSTICO AUTODIDATA, DESENVOLVEU UM ESTILO ÚNICO, MARCADO POR TRAÇOS SIMPLES E DIRETOS, QUE REVELAM UM OLHAR SENSÍVEL E IRÔNICO SOBRE A VIDA. SUAS OBRAS, REPLETAS DE HUMOR E POESIA, TRANSITAM ENTRE O GROTESCO E O BELO, APRESENTANDO UMA VISÃO SINGULAR DA REALIDADE BRASILEIRA E UNIVERSAL. AO LONGO DE SUA CARREIRA, PARTICIPOU DE DIVERSAS EXPOSIÇÕES, SENDO PREMIADO EM EVENTOS COMO O "PRIMEIRO FESTIVAL DE ARTES INTERCLUBES". 

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Carlos Augusto Martins Lacaz (São Paulo, São Paulo, 1948). Artista multimídia, ilustrador, designer, desenhista e cenógrafo. Forma-se em eletrônica industrial pelo Liceu Eduardo Prado, em 1970, e em arquitetura pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo de São José dos Campos, São Paulo, em 1974. É editor de arte das revistas Around/AZ e Via Cinturato. Entre 1978 e 1984, leciona comunicação visual e desenho de arquitetura na Faculdade de Artes Plásticas da Pontifícia Universidade Católica - PUC, de Campinas. Em São Paulo, leciona no Colégio Iadê, no curso de arquitetura na Faculdade de Belas Artes e no curso livre Artur Cole, entre 1981 e 1984. Realiza performances como Eletro-Performance (1984); Estranha Descoberta Acidental (1984); O Executivo Heavy Metal (1987); Espetáculo Máquinas II (1999), entre outras. Na década de 1990, ilustra os livros Crescente: 1977-1990, de Duda Machado; Num Zoológico de Letras, de Régis Bonvicino (1955); e o Balé dos Skazka's, de Kátia Canton (1962). Em 2005, publica o livro Desculpe a Letra, que reúne desenhos realizados para a coluna da jornalista Joyce Paschowith, no jornal Folha de S. Paulo.

REFERÊNCIAS

GUTO Lacaz. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8802/guto-lacaz>. Acesso em: 03 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Francisco Haroldo Barroso Beltrão (1935: Fortaleza, CE – 1989: Rio de Janeiro, RJ) foi um escultor, arquiteto e paisagista.  1950 – Transferiu-se para o Rio de Janeiro. 1954-60 – Colaborou com Roberto Burle Marx em projetos de paisagismo, jardins, painéis e murais escultóricos. 1959 – Graduou-se em arquitetura na Universidade do Brasil, atual Universidade Federal do Rio de Janeiro. 1961 – Foi premiado pelo Instituto dos Arquitetos do Brasil pelo projeto de residência de Roberto Burle Marx, no Rio de Janeiro, realizado em parceria com Rubem Breitman. 1975 – Fundou a Galeria de Arte Gravura Brasileira, no Rio de Janeiro, juntamente com Anna Letycia, Aloísio Magalhães e Thereza Miranda. 1977-79 – Ministrou cursos de escultura no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, no Festival de Inverno de Ouro Preto,MG, e na Escola Guignard de Belo Horizonte. 1979 – Fundou a oficina de escultura do Museu do Ingá, Niterói, RJ. 1980 – Integrou a Comissão Nacional de Artes Plásticas da Fundação Nacional de Artes (Funarte). 1982 – Foi curador da sala especial do VI Salão Nacional de Artes Plásticas, Rio de Janeiro. 1985-1986 – Dirigiu o Museu do Ingá, Niterói. Algumas de suas obras públicas podem ser vistas no Palácio do Planalto, em Brasília, em frente ao campus da Universidade do Estado do Rio de Janeiro e no Mosteiro de São Bento, no Rio de Janeiro, e na Companhia Siderúrgica Nacional, em Volta Redonda, RJ. Seus trabalhos constam nos acervos do Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu de Arte Moderna de Curitiba, Museu de Arte Moderna da Nicarágua, Museu da Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo, e nas coleções particulares de João Sattamini, Niomar Muniz Sodré Bittencourt e Gilberto Chateaubriand.

REFERÊNCIAS

Fonte: https://www.guiadasartes.com.br/haroldo-barroso-beltrao/obras-e-biografia

BIOGRAFIA

Heinz Hugo Erich Elsas (Stuttgart, Alemanha, 1925 - Taubaté, São Paulo, 1994). Muralista, gravador, pintor. Inicia a carreira artística como autodidata. Reside no Brasil desde 1936 e é fortemente influenciado pela cultura regional do Nordeste. Em 1945, é orientado por Lasar Segall e realiza sua primeira mostra individual no Ministério da Educação e Cultura, MEC, Rio de Janeiro. A partir de 1970, fixa-se em São Paulo e executa murais para o Banco Safra, 1971, e Banco Cidade de São Paulo, 1976.

REFERÊNCIAS

HARRY Elsas. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9049/harry-elsas>. Acesso em: 03 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Heitor dos Prazeres (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1898 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1966). Compositor e pintor. Filho de um marceneiro e clarinetista da banda da Guarda Nacional e de uma costureira, fica órfão de pai aos 7 anos. Sobrinho do pioneiro dos ranchos cariocas, Hilário Jovino Ferreira, ganha do tio seu primeiro cavaquinho. Aos 12 anos, trabalha como engraxate, jornaleiro e lustrador, vive constantemente em companhia do tio Hilário e frequenta a casa das tias baianas (Tia Ciata e Tia Esther), onde tem contato com músicos como Donga (1890-1974), João da Baiana (1887-1974), Sinhô (1888-1930), Caninha, Getúlio Marinho "Amor", Pixinguinha (1897-1973), Paulo da Portela (1901-1949) entre outros. Apesar dos trabalhos informais, o jovem Heitor é preso aos 13, por vadiagem, e passa algumas semanas na colônia correcional de Ilha Grande. Aos 20, é conhecido como Mano Heitor do Cavaco e depois Mano Heitor do Estácio, sendo "Mano" uma denominação comum entre os sambistas. Quanto ao "Estácio", é uma referência aos companheiros que conhece no local: Ismael Silva (1905-1978), Bide (Alcebíades Barcelos), Nilton Bastos e Marçal. Com boa circulação entre os sambistas, firma relações com compositores da Mangueira, principalmente Cartola (1908-1980), e de Oswaldo Cruz, principalmente Paulo da Portela. Por meio dessas relações, Heitor dos Prazeres compõe sambas em parceria e participa do início dos trabalhos e da fundação de escolas de samba, que se tornam importantes referências: Mangueira, Portela e Deixar Falar (futura Estácio de Sá). Em 1927 vence, com A Tristeza Me Persegue, um concurso de samba organizado por José Espinguela. No mesmo ano envolve-se em polêmica com o compositor Sinhô, acusando-o de ter "roubado" partes de seus sambas Ora Vejam Só (1927) e Gosto que Me Enrosco (gravada como Cassino Maxixe, em 1927, por Francisco Alves (1898-1952)). Consegue indenização e reconhecimento público da parceria. Os sambas Vai Mesmo e Deixaste Meu Lar, parceria com Francisco Alves, são gravados por Mário Reis (1907-1981), em 1929. Ainda em 1929, Alves registra És Feliz, e, em 1931, Riso Fingido. Entre gravações e polêmicas, Prazeres inicia um catálogo que reúne cerca de 300 composições. Cria, em 1930, um coro feminino como acompanhamento, Heitor dos Prazeres e Sua Gente, com o qual excursiona e se apresenta no Uruguai. Atua nas Rádios Cosmos e Cruzeiro do Sul, em que apresenta o programa A Voz do Morro, com Cartola e Paulo da Portela. Orestes Barbosa (1893-1966) grava seu samba Nega, Meu Bem, em 1931. Prazeres forma o Grupo Carioca e torna-se ritmista da Rádio Nacional e do Cassino da Urca. Entre suas principais composições estão Cantar para Não Chorar, com Paulo Portela, lançada por Carlos Galhardo em 1938, regravada pelo Quinteto em Branco e Preto, em 2000, e Paulinho da Viola (1942), em 2006; Carioca Boêmio, sucesso com Orlando Silva, em 1945; Consideração, parceria com Cartola, gravada por Arranco de Varsóvia, em 1997, e por Beth Carvalho, em 2003; Lá em Mangueira, com Herivelto Martins, lançada pelo Trio de Ouro, em 1943, gravada por Elizeth Cardoso, em 1967, Clementina de Jesus, em 1968, e Zeca Pagodinho e Raphael Rabello, em 1991; A Tristeza Me Persegue, com João da Gente, gravado pela Velha Guarda da Portela em 1970, e Zeca Pagodinho, em 1998. Em 1957, com o grupo Heitor dos Prazeres e Sua Gente, grava uma canção contra o rock'n'roll Nada de Rock Rock, regravada por Pedro Miranda em 2006. Por volta de 1937 passa a dedicar-se também à pintura, tendo alcançado em 1951 o terceiro lugar para artistas nacionais na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, com o quadro Moenda. Ganha uma sala especial na 2ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1953. Cria ainda cenários e figurinos para o Balé do IV Centenário da Cidade de São Paulo, e, em 1965, Antônio Carlos Fontoura produz um documentário sobre sua obra. Em 1999, é realizada mostra retrospectiva no Espaço BNDES e no Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), em comemoração do centenário de seu nascimento.

REFERÊNCIAS

HEITOR dos Prazeres. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10428/heitor-dos-prazeres>. Acesso em: 27 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

 “Pintor-músico ou músico-pintor, Heitor dos Prazeres filho é um artista brasileiro comprometido de corpo e alma com a nossa verdadeira cultura popular “. (Waldir da Fonseca) 1966 – Participou pela 1ª vez de uma exposição coletiva de pinturas, organizada por seu pai e mestre, Heitor dos Prazeres , no salão da “Simca do Brasil”, passando a se dedicar à música e à pintura. atuando também na gravação do disco Coral de Prata do Instituto Benjamim Constant (gravadora Toda América) 1969 - Primeiro leilão beneficiente do Teatro Municipal do Rio de Janeiro, organizado pela primeira dama do Brasil – sra Yolanda Costa e Silva. 1972 – Expo. pintores amigos de São Paulo no Pepe’s bar – expo. primeira individual na Câmara de Comércio Americana S.P 1973 – Expo, Associação do Museu de Arte Moderna de S. Paulo – expo. e show na Associação do Ministério Público de S. Paulo 1974 – Expo. coletiva – galeria “O Globo” em BH e expo. de quadros de Heitor pai e filho no IBAM 1982 – Expo. coletiva e show de mpb – Câmara dos Vereadores do Rio de Janeiro. Tendo vivido num meio onde a música era a principal forma de expressão, já aos 8 anos de idade surpreendia com seu toque de tamborim, e quase todos os instrumentos de percussão. Com habilidade e swing já participava como passista e ritmista do conjunto “Heitor dos Prazeres e sua Gente”. Com o sucesso alcançado pelo grupo, apresentado-se nos mais variados espaços do Rio de Janeiro, logo após passa a trabalhar como mensageiro nível especial na divisão musical da Rádio Nacional.  Sempre em contato com a nata dos artistas e músicos da casa, e incentivado pelo maestro Moacir Santos, Aída Gnatalli e Severino Filho, interessou-se pelos instrumentos harmônicos. A partir daí seguiu seu trabalho como músico em conjuntos de baile, casas noturnas e clubes pelo Brasil. Sempre fiel às Raízes, Heitorzinho dos Prazeres não é só “talento”: alia a isso a excepcional capacidade de improvisação, que são atributos fundamentais para um bom músico, compositor e cantor. Mas o que é o improviso? É um exercício de reconstrução da música, uma divagação pessoal onde o músico vai progredindo na invenção, no fraseado com o qual vai reinterpretando, e descobre um novo lugar: “o espaço musical infinito” , tornando-se a partir daí um ser privilegiado. Este é o mote... Esta é a certeza de afirmar que Heitorzinho é um “Artista de Linhagem”. Sobre Heitorzinho dos Prazeres críticos e estudiosos de música popular brasileira como Ricardo Cravo Albim, Sérgio Cabral, Albino Pinheiro, Wagner Fernandes e outros, já exaltaram sua musicalidade; swing; inventividade e formação musical vasta. Numa de suas músicas, Heitor afirma: “tenho sangue de artista e cantar eu sei”, referência a seu pai, o Mestre Heitor dos Prazeres. Heitorzinho dos Prazeres mostra toda a influencia da nossa música e do nosso ritmo, passeando em vários estilos como: canções, chorinhos, baiões, sambas e marchinhas carnavalescas. Tornando assim um show alegre, didático e divertido, como podemos sentir no seu último CD com músicas do mestre Heitor de parceria com Cartola; Herivelton Martins; Noel Rosa, entre outros; como também músicas de Heitorzinho em parcerias com Grande Otelo, Waldir da Fonseca, Fumaça, e outros.

REFERÊNCIAS

Fonte: https://www.guiadasartes.com.br/heitor-dos-prazeres-filho/biografia

BIOGRAFIA

Helena Pereira da Silva Ohashi (1895: São Paulo, SP – 1966: Idem) foi uma pintora, musicista e professora. Praticou paisagens, naturezas-mortas e retratos. Filha do pintor Oscar Pereira da Silva, seguiu inicialmente os passos da pintura acadêmica do pai, seu primeiro mestre, para aderir posteriormente ao modernismo. Morando, com a família, em São Paulo, num casarão da Rua Augusta, frequentou os melhores colégios da cidade. 1911 – Passou uma temporada na França, país natal de sua mãe. Contudo, com a morte desta, a família regressou a São Paulo. 1912-14 – Por iniciativa do deputado paulista Freitas Valle, conhecido de seu pai, foi uma das agraciadas pelo programa Pensionato Artístico criado em 1912 pelo Governo do Esatdo de São Paulo, que subvencionava estudos de aperfeiçoamento de artistas paulista na Europa. Graças a essa bolsa, voltou à França, tendo antes visitado a Peninsula Ibérica e diversas cidades italianas. Em Paris, estudou na Académie Julien com Chaumert, matriculando-se depois no Curso Colarossi. Autorizada a frequentar a Escola de Belas Artes, ali teve aulas com Hebert. 1914 – Devido à eclosão da I Guerra Mundial, deixou Paris e viajou para Bordéus, de onde embarcou de volta para o Brasil. 1920 – Retornou a Paris, ingressando na Academie de la Grand Chaumière, onde teve contato com técnicas pictóricas menos convencionais. 1920-40 – Radicada em Paris, participou ativamente da vida artística e mundana da capital francesa. No decorrer desses anos, passou algumas temporadas no Brasil, realizando algumas exposições em São Paulo. 1928 – Conheceu o pintor japonês Riokai Ohashi, seu colega num dos cursos de pintura que fez em Paris e que veio a exercer considerável influência nos rumos de sua pintura. Década de 1930 – Foi, provavelmente, a primeira pessoa do Brasil a produzir comercialmente design de moda para exportação. Morando na França, desenhava roupas de estilo ocidental para a loja de departamentos japonesa Matsuzakaya. 1933 – Casou-se, em Paris, com Ohashi. 1935 – Foi morar com o marido em Ashiya, no Japão. 1940 – Devido à eclosão da II Guerra Mundial, regressou ao Brasil, realizando exposições individuais em São Paulo e no Rio de Janeiro, RJ. 1940-41 – Passou um período na Argentina, acompanhando o marido. 1943 – Enviuvou no Japão, mas continuou residindo no país. 1949 – Voltou ao Brasil, quando de novo em situação de penúria, dando aulas. 1952 – Regressou, por curto período, à França. 1953 – Foi morar em Campinas, SP. Dando continuidade à sua carreira artística, teve seus trabalhos recusados pelo Salão Paulista, muito embora, no passado ter participado, em Paris, do Salon des Artistes Français e do Salon des Tuilleries. 1969 – Foi publicada sua autobiografia, escrita em 1965 e intitulada Minha Vida – Brasil – Paris – Japão, em tiragem reduzida e com pouquíssima repercussão. Participou, entre individuais e coletivas, além das já mencionadas, das seguintes exposições: 1919 – Santos, SP, onde expôs retratos e naturezas-mortas. 1952 – Biblioteca Pedro Janussi, Mogi-Mirim, SP. 1958 – Salão Seibi-Kai, São Paulo. 1963 – Centro de Ciências e Letras, São Paulo. 2004 – Mulher Moderna, Ashiya City Museum of Art, Ashiya.

REFERÊNCIAS

Fonte: http://brasilartesenciclopedias.com.br/nacional/ohashi_helena_pereira.htm

BIOGRAFIA

Henry Vitor Santos (Guaxupé, Minas Gerais, 1939). Pintor, gravador, jornalista. Autodidata, começa a pintar em 1967, começa a expor no início dos 1970, em São Paulo. Cria e executa painéis para as agências Voluntários da Pátria e Pamplona do Banespa, em 1985 e 1986. Em 1994, cria e executa painel para o hall de entrada da empresa Haarmann & Reimer. Participa do projeto do filme Arte Naif no Brasil, de Cristina Corbett, produção de Júlio Xavier, em 1995. No mesmo ano, cria a capa do CD do Duofel, e, em 1998, cria a capa do CD Paulinho Pedra Azul - Instrumental encantado. Participa do 5º Jovem Arte Contemporânea, no MAC/USP, em 1971, da 20ª Exposição de Arte Contemporânea, na Chapel Art Show em 1987, e da Bienal Brasileira de Arte Naif, no Sesc Piracicaba, em 1994, onde obtém Menção Honrosa.

REFERÊNCIAS

HENRY Vitor. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10307/henry-vitor>. Acesso em: 04 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Hércules Rubens Barsotti (São Paulo SP 1914 - idem 2010). Pintor, desenhista, programador visual, gravador. Inicia formação artística em 1926, sob orientação do pintor Enrico Vio (1874-1960), com quem estuda desenho e composição. Em 1937, forma-se em química industrial pelo Instituto Mackenzie. Começa a pintar em 1940 e, na década seguinte, realiza as primeiras pinturas concretas, além de trabalhar como desenhista têxtil e projetar figurino para o teatro. Em 1954, com Willys de Castro (1926-1988), funda o Estúdio de Projetos Gráficos, elabora ilustrações para várias revistas e desenvolve estampas de tecidos produzidos em sua tecelagem. Viaja a estudo para a Europa em 1958, onde conhece Max Bill (1908-1994), então um dos principais teóricos da arte concreta. Na década de 1960, convidado por Ferreira Gullar (1930), integra-se ao Grupo Neoconcreto do Rio de Janeiro e participa das exposições de arte do grupo realizadas no Ministério da Educação e Cultura (MEC), no Rio de Janeiro, e no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP). Em 1960, expõe na mostra Konkrete Kunst [Arte Concreta], organizada por Max Bill, em Zurique. Hercules Barsotti explora a cor, as possibilidades dinâmicas da forma e utiliza formatos de quadros pouco usuais, como losangos, hexágonos, pentágonos e circunferências. Em sua obra a disposição dos campos de cor cria a ilusão de tridimensionalidade. Entre 1963 e 1965, colabora na fundação e participa do Grupo Novas Tendências, em São Paulo. Em 2004, o MAM/SP organiza uma retrospectiva do artista.

REFERÊNCIAS

HÉRCULES Barsotti. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa17872/hercules-barsotti>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Hermelindo Fiaminghi (São Paulo SP 1920 - idem 2004). Pintor, desenhista, artista gráfico, litógrafo, publicitário, professor e crítico. Entre 1936 e 1941, freqüenta o Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, onde estuda com Lothar Charoux (1912-1987) e Waldemar da Costa (1904-1982). Dedica-se à litografia, trabalhando nas principais indústrias gráficas de São Paulo. Em 1946, monta sua primeira empresa, o Graphstudio, atuando em produção gráfica. No começo da década de 1950, inicia trabalhos abstratos, em que revela a influência da arte construtiva. Colabora ainda com os poetas concretos na programação gráfica de seus poemas. Entre 1959 e 1966, freqüenta o ateliê de Alfredo Volpi (1896-1988). Integra o Grupo Ruptura, liderado por Waldemar Cordeiro (1925-1973). Participa da criação do ateliê coletivo do Brás, onde desenvolve a série Virtuais, trabalhando ainda com esmalte sobre eucatex. No começo da década de 1960, o artista inicia trabalhos com têmpera e faz experiências com a cor. Passa a utilizar o termo Corluz para designar seus trabalhos, desenvolvendo pesquisas com retículas em offset. É co-fundador da Associação de Artes Visuais e da Galeria Novas Tendências, em São Paulo, criadas em 1963. Em 1969, funda o Ateliê Livre de Artes Plásticas, em São José dos Campos, São Paulo, no qual atua como diretor e professor.

REFERÊNCIAS

HERMELINDO Fiaminghi. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8784/hermelindo-fiaminghi>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Inimá de Paula (Itanhomi MG 1918 - Belo Horizonte MG 1999). Pintor e desenhista. A partir de 1937, freqüenta o Núcleo Antônio Parreiras, em Juiz de Fora, Minas Gerais. Em 1940, instala-se no Rio de Janeiro, matriculando-se nas aulas de Argemiro Cunha (1880-1940) no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro, as quais abandona em pouco tempo. Passa a pintar com alguns dos ex-integrantes do Núcleo Bernardelli. Em 1944, transfere-se para Fortaleza, onde conhece artistas locais e participa da criação da Sociedade Cearense de Artes Plásticas (SCAP). Volta ao Rio de Janeiro em 1945 e expõe com Aldemir Martins (1922-2006), Antonio Bandeira (1922-1967) e Jean-Pierre Chabloz (1910-1984), na galeria Askanasy. Em 1948, graças ao apoio de Candido Portinari (1903-1962), faz sua primeira mostra individual no Instituto dos Arquitetos do Brasil (IAB/RJ). Em 1950, ganha o prêmio de viagem ao país do Salão Nacional de Belas Artes (SNBA) e, no ano seguinte, viaja e expõe na Bahia. Em 1952, recebe o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM). Em Paris, entre 1954 e 1956, assiste a cursos na Académie de la Grande Chaumière e na École Normale Supérieure des Beaux-Arts. Em seguida, acompanha as aulas de André Lhote (1885 - 1962) e de Gino Severini (1883-1966). Quando volta, passa a fazer pinturas abstratas, algumas das quais mostra na 5ª Bienal de São Paulo. Na primeira metade dos anos 1960, muda-se para Belo Horizonte e retoma a pintura figurativa. Em 1998 é criada a Fundação Inimá de Paula em Belo Horizonte.

REFERÊNCIAS

INIMÁ de Paula. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9857/inima-de-paula>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

INOS CORRADIN (NASCEU EM: 1929,VOGNA, ITÁLIA - FALECEU EM: 2020, PORTO ALEGRE, RS) PINTOR, CENÓGRAFO, GRAVADOR E DESENHISTA. ESTUDOU EM CASTELBALDO COM TARDIVELLO E, EM 1950, MUDOU-SE PARA O BRASIL, ESTABELECENDO-SE EM JUNDIAÍ. A PARTIR DE 1952, PARTICIPOU DE MOSTRAS IMPORTANTES COMO O SALÃO PAULISTA DE ARTE MODERNA E O SALÃO NACIONAL DE ARTE MODERNA. ENTRE 1954 E 1955, DEDICOU-SE À CENOGRAFIA. EXPÔS INDIVIDUALMENTE EM DIVERSOS PAÍSES, INCLUINDO ITÁLIA, ISRAEL, ALEMANHA, SUÍÇA, ESTADOS UNIDOS, ARGENTINA, URUGUAI, HOLANDA, CANADÁ E VÁRIAS CIDADES BRASILEIRAS. SUA ARTE É CARACTERIZADA POR PAISAGENS, FIGURAS E NATUREZAS-MORTAS, COM UM ESTILO JOCOSO, HUMORADO E RECURSOS CROMÁTICOS REFINADOS.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Ismael Nery (Belém PA 1900 - Rio de Janeiro RJ 1934). Pintor, desenhista, poeta. Muda-se ainda criança para o Rio de Janeiro onde, em 1917, matricula-se na Escola Nacional de Belas Artes - Enba. Viaja para França em 1920 e freqüenta a Académie Julian. De volta ao Rio de Janeiro, no ano seguinte, trabalha como desenhista na seção de Arquitetura e Topografia da Diretoria do Patrimônio Nacional, órgão ligado ao Ministério da Fazenda. Lá conhece o poeta Murilo Mendes (1901 - 1975), que se torna grande amigo e incentivador de sua obra. Em 1922 casa-se com a poeta Adalgisa Nery (1905 - 1980). Ismael Nery aplica à sua produção os princípios do Essencialismo, sistema filosófico que ele mesmo cria. Segundo Murilo Mendes, esse sistema diz respeito às concepções do artista sobre a abstração do tempo e do espaço. Em 1927, novamente na França, conhece Marc Chagall (1887 - 1985), André Breton (1896 - 1966) e Marcel Noll. A volta ao Brasil marca a fase surrealista de sua obra, a princípio por influência de Chagall. Em 1930, contrai tuberculose. Enfermo, seus trabalhos passam a revelar seu drama pessoal e a fragilidade do corpo. Falece aos 33 anos. Em 1948, uma série de artigos de Murilo Mendes publicados nos jornais O Estado de S. Paulo e Letras e Artes busca resgatar a obra plástica, literária e filosófica do artista. Esquecido, Ismael Nery, passa a ser valorizado em meados dos anos 1960 com exposições realizadas em São Paulo e no Rio de Janeiro.

REFERÊNCIAS

ISMAEL Nery. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8657/ismael-nery>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Ivald Granato Filho (Campos, Rio de Janeiro, 1949 - São Paulo, São Paulo, 2016). Pintor, gravador, desenhista e artista multimídia. Em 1966, estuda pintura com Robert Newman. Depois, freqüenta por um breve período a Escola de Belas Artes. Desde a década de 1970, realiza performances e intervenções, recorrendo à fotografia e ao vídeo para documentá-las. Por duas vezes, em 1979 e em 1982, obtém o prêmio melhor desenhista do ano pela Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA). No início da década de 1980, participa de eventos com a Banda Performática, do artista José Roberto Aguilar, que associa pintura, música, teatro e circo. Realiza a exposição Ivald Granato: Desenhos 1964-2000, no Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), no Rio de Janeiro, em 2002, e no Museu Brasileiro da Escultura (MuBE), em São Paulo, em 2003. Em sua produção são freqüentes as referências autobiográficas.

REFERÊNCIAS

IVALD Granato. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8692/ivald-granato>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Ivan Freitas (João Pessoa, Paraíba, 1932 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2006). Pintor, muralista. Inicia sua atividade artística como autodidata, em João Pessoa, onde realiza sua primeira mostra individual na Biblioteca Pública, em 1957. Em 1962, viaja a Paris, como bolsista da Maison de France. Retorna ao Brasil no ano seguinte e realiza a exposição Ivan Freitas: Paris 1963, na Galeria Barcinski, no Rio de Janeiro. Em 1968, a revista Galeria de Arte Moderna (GAM), publica artigo intitulado Ivan Freitas e o Espaço Cósmico. Entre 1969 e 1972, viaja a Nova York, comissionado pela International Telephone and Telegraph Corporation. De volta ao Brasil, participa, em 1984, do primeiro Projeto Arte nos Muros e pinta um mural na parede externa da Escola Nacional de Música, no Rio de Janeiro.

REFERÊNCIAS

• IVAN Freitas. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8835/ivan-freitas>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
  ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Ivan Ferreira Serpa (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1923 - idem, 1973). Pintor, gravador, desenhista, professor. Estuda pintura, gravura e desenho com Axl Leskoschek (1889-1975), entre 1946 e 1948, no Rio de Janeiro. Em 1949, ministra suas primeiras aulas no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), onde, a partir de 1952, exerce sistemática atividade didática, em especial no ensino infantil. No ano de 1954, publica o livro Crescimento e Criação, com texto de Mário Pedrosa (1900-1981), sobre sua experiência no ensino de arte para crianças. Nesse mesmo ano, ao lado de Ferreira Gullar (1930-2016) e Mário Pedrosa, cria o Grupo Frente, integrado por artistas como Lygia Clark (1920-1988), Hélio Oiticica (1937-1980) e Lygia Pape (1927-2004). Permanece na liderança do grupo até sua dissolução, em 1956. Apesar da liberdade de pontos de vista estéticos no grupo, há o predomínio de artistas concretistas. Em 1957, recebe o prêmio de viagem ao exterior no Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM). Participa da exposição Opinião 65, evento que marca a difusão de uma nova arte de tendência figurativa, a neofiguração. A obra de Ivan Serpa, desde o início de sua carreira, oscila entre o figurativismo e a arte concreta. Em 1970, funda, com Bruno Tausz, o Centro de Pesquisa de Arte no Rio de Janeiro.

REFERÊNCIAS

IVAN Serpa. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8922/ivan-serpa>. Acesso em: 27 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Jandyra Ramos Waters (1921: Sertãozinho, SP). Pintora, escultora, gravadora e poeta. Residiu na Inglaterra entre 1945 e 1950. Estudou na Country Council Art School de Sussex, Inglaterra, em 1947. De volta ao Brasil, em 1950, estudou pintura com Yoshiya Takaoka e escultura e cerâmica com André Osze, São Paulo, SP. Estudou gravura com Darel e Marcelo Grassmann, e pintura mural com Clóvis Graciano, na Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo, em 1952. Também em 1952, estudou história da arte na Universidade de São Paulo. Começou a participar de exposições coletivas, em 1956.

REFERÊNCIAS

guiadasartes.com.br/jandyra-waters

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

JÂNIO QUADROS (NASCEU EM: 1917, CAMPO GRANDE,MS – FALECEU EM:1992, SÃO PAULO,SP) CONHECIDO COMO POLÍTICO E EX-PRESIDENTE DO BRASIL, TAMBÉM SE DEDICA À PINTURA COMO HOBBY E EXPRESSÃO ARTÍSTICA. EMBORA SUA CARREIRA ARTÍSTICA NÃO TENHA SIDO PROFISSIONAL, PRODUZIU OBRAS COM TEMÁTICA VARIADA, REFLETINDO MOMENTOS ÍNTIMOS E IDEIAS SUBJETIVAS. AUTODIDATA, EXPLORAVA TÉCNICAS SIMPLES, PRIORIZANDO O USO DE AQUARELAS E ÓLEOS SOBRE TELA. SUAS PINTURAS FREQUENTEMENTE REVELAVAM UM LADO INTROSPECTIVO E CRIATIVO, DISTANTE DE SUA FIGURA PÚBLICA. ALGUMAS DE SUAS OBRAS FORAM EXPOSTAS EM MOSTRAS MENORES OU EM ACERVOS PRIVADOS, GANHANDO ATENÇÃO COMO CURIOSIDADE CULTURAL. APESAR DISSO, SEU IMPACTO NO CAMPO ARTÍSTICO É SECUNDÁRIO EM COMPARAÇÃO AO SEU PAPEL POLÍTICO.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

JARBAS JUAREZ ANTUNES (NASCEU EM: 1936, COQUEIRAL, MG) PINTOR, MURALISTA, ESCULTOR, DESENHISTA, GRAVADOR, DESIGNER GRÁFICO, ILUSTRADOR, PROFESSOR E JORNALISTA. ESTUDOU NA ESCOLA DE BELAS ARTES DE BELO HORIZONTE (1956-1959) COM GUIGNARD, MARIA HELENA ANDRÉS E VICENTE ABREU. FORMOU-SE EM JORNALISMO PELA UFMG (1964) E SE ESPECIALIZOU EM ARTES PLÁSTICAS. DURANTE A DÉCADA DE 1960, TRABALHOU COMO ILUSTRADOR E EDITOR GRÁFICO, ALÉM DE LECIONAR NA UFMG POR MAIS DE 25 ANOS. PARTICIPOU DE IMPORTANTES EXPOSIÇÕES, COMO AS BIENAIS DE SÃO PAULO (1967 E 1975), E DE DIVERSOS SALÕES DE ARTE EM VÁRIAS CIDADES BRASILEIRAS. DESDE 1997, ENSINA NA ESCOLA GUIGNARD.   

REFERÊNCIAS

Jarbas Juarez Antunes - Obras, biografia e vida

Jarbas Juarez | Enciclopédia Itaú Cultural

Jarbas Juarez Antunes quem e - Guia das Artes

BIOGRAFIA

Jarbas Lopes, nascido em 1964, Nova Iguaçu/RJ, vive e trabalha em Maricá/RJ . O trabalho de Jarbas Lopes transita entre pintura, escultura, desenho, livros de artista e performance. Muitos de seus trabalhos são participativos ou sensoriais, e o artista encoraja os participantes a tocar, segurar, movimentar e virar páginas. Projetos utópicos são planejados e feitos para envolver a comunidade e oferecer novas formas para a sociedade funcionar. Exposições individuais: e a u, CRAC Alsace, Altkirch, França (2017); Circulovisão, Galeria Luisa Strina, São Paulo (2017); Galeria Baginski, Lisboa (2015); Galeria A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2013); Park Central, Tilton Gallery, New York (2010); Cicloviaérea, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago (2010); Padedéu, in collaboration with Laura Lima, Galeria Luisa Strina, São Paulo (2009).  Exposições coletivas: ‘Brazil, Beleza?! Contemporary Brazilian Sculpture’, Museum Beelden aan Zee, Haia (2016); ‘Provocar Urbanos: Inquietações sobre a Cidade’, Sesc Vila Mariana, São Paulo (2016); ‘E de novo montanha, rio, mar, selva, floresta’, SESC Palladium, Belo Horizonte (2016); ‘(de) (re) construct: Artworks from the Permanent Collection’, Bronx Museum, Nova York (2015); ‘Look.look.again.’, The Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield (2009); ‘Desenhos: A-Z’, Museu da Cidade, Lisboa (2009). 

REFERÊNCIAS

Texto retirado de: https://artsoul.com.br/artistas/jarbas-lopes

BIOGRAFIA

Jenner Augusto da Silveira (Aracaju SE 1924 - Salvador BA 2003). Pintor, cartazista, ilustrador, desenhista, gravador. Reside em diversas cidades de Sergipe. Na cidade de Lagarto realiza cartazes para o cinema local. Em Laranjeiras, por volta de 1940, estuda a pintura de Horácio Hora. Volta a morar em Aracaju em 1944, quando se dedica à pintura e trabalha no comércio. Em 1949, realiza gratuitamente painéis, em estilo modernista, para a decoração do Bar Cacique. Em 1949, muda-se para Salvador, e trabalha como assistente no ateliê de Mario Cravo Júnior. Nessa época, participa com Lygia Sampaio e Rubem Valentim da polêmica mostra Novos Artistas Baianos, realizada no Instituto Histórico e Geográfico da Bahia. Desenvolve na cidade alguns trabalhos plásticos sob encomenda, destacando-se o afresco Evolução do Homem, para o Centro Educacional Carneiro Ribeiro, realizado entre 1953 e 1954. Viaja ao Rio de Janeiro para expor individualmente, e conhece Candido Portinari e José Pancetti, que o recomendam à crítica e aos colecionadores. Conhece ainda James e Jorge Amado. Na década de 1960, pinta constantemente o bairro de Alagados e paisagens de Salvador. Em 1966, recebe convite para inaugurar a mostra Baianos na Filadélfia. No ano seguinte, viaja por França, Itália, Holanda, Inglaterra e Bélgica, onde conhece Paul Delvaux. Nas viagens, faz anotações, estudos e desenhos, editando-os em um álbum, publicado em 1970. Ilustra o livro de Jorge Amado Tenda dos Milagres. Há pelo menos três livros sobre sua obra: Jenner: A Arte Moderna da Bahia, de Roberto Pontual, editado pela Editora Civilização Brasileira, Os Alagados de Jenner, um álbum com cinco serigrafias e texto de Adonias Filho, editado pela Ranulpho Editora de Arte, e um livro-álbum denominado Jenner, com reproduções de sua obra, em cores e preto-e-branco, desde os primeiros trabalhos, publicado pela Imprensa Oficial da Bahia.

REFERÊNCIAS

JENNER Augusto. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa5512/jenner-augusto>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

João Câmara Filho (João Pessoa, Paraíba, 1944). Pintor, gravador, desenhista, artista gráfico, professor e crítico. Estuda pintura no curso livre da Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Pernambuco, entre 1960 e 1963. Nesse ano, é eleito presidente da Sociedade de Arte Moderna do Recife - SAMR e cursa xilogravura, sob orientação de Henrique Oswald (1918 - 1965) e Emanoel Araújo (1940), na Escola de Belas Artes de Salvador. Em 1964, funda, com Adão Pinheiro (1938), José Tavares e Guita Charifker (1936), o Ateliê Coletivo da Ribeira e, em 1965, o Ateliê + Dez, ambos em Olinda. Entre 1967 e 1970, leciona pintura na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Paraíba, em João Pessoa. Em 1974, monta um ateliê de litografia, transformado depois na Oficina Guaianases de Gravura, que, a partir de 1995, é incorporada ao Laboratório de Artes Visuais da Universidade Federal de Pernambuco. A partir da década de 1960, a produção de João Câmara caracteriza-se por apresentar, ao lado de figuras humanas com seus corpos estruturados, representações de corpos fragmentados, o que confere um caráter de estranheza aos trabalhos. Na década de 1970, o artista inicia a realização das séries Cenas da Vida Brasileira 1930/1954 (1974-1976) e Dez Casos de Amor e uma Pintura de Câmara (1977-1983). Em 1986, realiza a série O Olho de meu Pai sobre a Cidade, em que faz uma homenagem a seu pai e à cidade do Recife. Em 2001, conclui a série Duas Cidades, que tem como cenário as cidades de Recife e Olinda.

REFERÊNCIAS

JOÃO Câmara. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1955/joao-camara>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Joaquim Albuquerque Tenreiro (Melo Guarda, Portugal 1906 - Itapira SP 1992). Designer, escultor, pintor, gravador e desenhista. Filho e neto de marceneiros, aos dois anos de idade muda-se para o Brasil com a família, fixando residência em Niterói, Rio de Janeiro. Retorna a Portugal em 1914, onde ajuda o pai a realizar trabalhos em madeira e inicia aulas de pintura. Volta a viver no Brasil entre 1925 e 1927. Em 1928, transfere-se definitivamente para o Rio de Janeiro, passando a freqüentar o curso de desenho do Liceu Literário Português e faz cursos no Liceu de Artes e Ofícios. Em 1931, integra o Núcleo Bernardelli, grupo criado em oposição ao ensino acadêmico da Escola Nacional de Belas Artes - Enba. Na década de 1940, dedica-se à pintura de retrato, de paisagem e de natureza-morta. Entre 1933 e 1943, trabalha como designer de móveis nas empresas Laubissh & Hirth, Leandro Martins e Francisco Gomes. Em 1942, realiza para a residência de Francisco Inácio Peixoto seu primeiro móvel moderno. Em 1943, monta sua primeira oficina, a Langenbach & Tenreiro e, alguns anos depois, inaugura duas lojas de móveis; primeiro no Rio de Janeiro e, posteriromente, em São Paulo. No final da década de 1960, Joaquim Tenreiro encerra as atividades na área da concepção e fabricação de móveis para dedicar-se, por mais 20 anos, exclusivamente às artes plásticas, principalmente à escultura. Em 1969, executa um painel para a Sinagoga Templo Sidon e, em 1974, dois painéis para o auditório do Senai, ambos na Tijuca.

REFERÊNCIAS

JOAQUIM Tenreiro. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10084/joaquim-tenreiro>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

John Louis Graz (Genebra, Suíça 1891 - São Paulo, São Paulo, 1980). Pintor, decorador, escultor e artista gráfico. Ingressa no curso de arquitetura, decoração e desenho da Escola de Belas Artes de Genebra em 1908, onde é aluno de Eugène Gilliard (1861-1921), Gabriel Vernet e Daniel Baud-Bovy (1870-1958). É discípulo também de Edouard Ravel, com quem aprende uma multiplicidade de técnicas e estilos. De 1911 a 1913, na Escola de Belas Artes de Munique, estuda decoração, design e publicidade com Carl Moos (1873-1959). Retorna à Escola de Belas Artes de Genebra, onde permanece de 1913 a 1915, período em que passa boa parte do tempo em companhia dos irmãos Regina Gomide (1897-1973) e Antonio Gomide (1895-1967). Viaja a Paris, onde se familiariza com o trabalho de Paul Cézanne (1839-1906) e entra em contato com o cubismo, o fauvismo e o futurismo. Recebe, por duas vezes, a Bolsa Lissignol e parte para estudos na Espanha. De volta a Suíça, realiza vários trabalhos como ilustrador. Em 1920, vem para o Brasil e, nesse mesmo ano, casa-se em São Paulo com Regina Gomide. Por intermédio de Oswald de Andrade (1890-1954) o casal passa a fazer parte da vida intelectual da cidade. Graz participa da Semana de Arte Moderna de 1922, expondo sete obras. No mesmo ano tem um de seus trabalhos publicados na revista Klaxon, 7ª edição. Em 1923, trabalha com o arquiteto Gregori Warchavchik (1896-1972). Projeta e executa a decoração de residências paulistanas, desenhando móveis, luminárias, afrescos, vitrais, maçanetas, banheiros e jardins. Torna-se sócio-fundador da Sociedade Pró-Arte Moderna (Spam), em 1932. Ainda nos anos de 1930, produz inúmeras capas da revista Ilustração Artística do Brasil e forma o Grupo 7 com Regina Graz, Antonio Gomide, Elisabeth Nobiling (1902-1975), Rino Levi (1901-1965), Victor Brecheret (1894-1955) e Yolanda Mohalyi (1909-1978).    Análise Entre 1908 e 1911, John Graz freqüenta cursos de arquitetura, decoração e desenho na Escola de Belas Artes, em Genebra, onde é aluno de Eugène Gilliard e Daniel Baud-Bovy. Em seguida, inscreve-se na Escola de Belas Artes de Munique e estuda com o artista gráfico Carl Moos. Em viagem a Paris, conhece o escultor Victor Brecheret. Em 1913, retorna a Genebra, onde finaliza seus estudos na Escola de Belas Artes. Recebe, por duas vezes, a bolsa Lissignol, que permite sua ida para a Espanha. Nesse país, realiza grandes paisagens, que revelam seu interesse pelas obras de Paul Cézanne e, principalmente, de Ferdinand Hodler (1853-1918). Em Genebra, desenha vitrais e faz ilustrações para cartazes publicitários. Trava amizade com o escritor Sérgio Milliet (1898-1966) e conhece Regina Gomide e seu irmão, Antonio Gomide, colegas na Escola de Belas Artes. Noivo de Regina, vem ao Brasil em 1920 e casa-se. Integra-se ao grupo modernista de São Paulo, constituído por Anita Malfatti (1889-1964), Di Cavalcanti (1897-1976), Brecheret e Mário de Andrade. Em 1922, participa da Semana de Arte Moderna com sete telas. Faz ilustrações para a revista Klaxon, primeiro periódico modernista. A partir de 1923, executa projetos de decoração de residências: cria inúmeros vitrais e realiza design de móveis e peças como portas, fechaduras, luminárias, tapetes e afrescos. É considerado, com Regina e Antonio Gomide, um dos introdutores do estilo art déco em São Paulo. Trabalha com Gregori Warchavchik, recém-chegado ao país, decorando as casas projetadas pelo arquiteto russo. Em 1925, Graz apresenta em São Paulo móveis tubulares, feitos de canos metálicos e laminados de madeira, com formas geometrizadas. Dotado de grande conhecimento técnico e fabril, acompanha pessoalmente a produção das peças no Liceu de Artes e Ofícios, onde conta com a colaboração de Federico Oppido (1877-1950). É inovador na decoração de ambientes. Ao projetar os móveis, prevê sua distribuição no espaço e sua relação com painéis, vitrais e afrescos. A integração dos elementos é uma característica das casas decoradas por Graz: a mesma proposta estende-se dos painéis pintados aos móveis, objetos e iluminação. A residência Cunha Bueno (Jardim América) é exemplo do seu pioneirismo: para a decoração, o artista elabora inclusive o desenho geométrico do piso dos jardins. Infelizmente, a incipiência da indústria brasileira impossibilita a transformação dos protótipos de autoria de John Graz em utensílios produzidos em larga escala.

REFERÊNCIAS

JOHN Graz. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8702/john-graz>. Acesso em: 04 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

José Antônio da Silva (Sales de Oliveira, São Paulo, 1909 - São Paulo, São Paulo, 1996). Pintor, desenhista, escritor, escultor, repentista. Trabalhador rural, de pouca formação escolar, é autodidata. Em 1931, muda-se para São José do Rio Preto, São Paulo. Participa da exposição de inauguração da Casa de Cultura da cidade, em 1946, quando suas pinturas chamam atenção dos críticos Lourival Gomes Machado (1917-1967), Paulo Mendes de Almeida (1905-1986) e do filósofo João Cruz e Costa. Dois anos depois, realiza mostra individual na Galeria Domus, em São Paulo. Nessa ocasião Pietro Maria Bardi (1900-1999), diretor do Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp), adquire seus quadros e deposita parte deles no acervo do museu. O Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) edita seu primeiro livro, Romance de Minha Vida, em 1949. Na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, recebe prêmio aquisição do Museum of Modern Art (MoMA) [Museu de Arte Moderna] de Nova York. Em 1966, Silva cria o Museu Municipal de Arte Contemporânea de São José do Rio Preto e grava dois LPs, ambos chamados Registro do Folclore Mais Autêntico do Brasil, com composições de sua autoria. No mesmo ano, ganha Sala Especial na 33ª Bienal de Veneza. Publica ainda os livros Maria Clara, 1970, com prefácio do crítico literário Antônio Candido (1918); Alice, 1972; Sou Pintor, Sou Poeta, 1982; e Fazenda da Boa Esperança, 1987. Transfere-se de São José do Rio Preto para São Paulo, em 1973. Em 1980, é fundado o Museu de Arte Primitivista José Antônio da Silva (MAP), em São José do Rio Preto, com obras do artista e peças do antigo Museu Municipal de Arte Contemporânea.

REFERÊNCIAS

JOSÉ Antônio da Silva. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa2079/jose-antonio-da-silva>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

José Bechara (Rio de Janeiro RJ 1957). Pintor. Estuda na Escola de Artes Visuais do Parque Lage - EAV/Parque Lage, entre 1987 e 1991. Inicia sua atividade artística no final da década de 1980, e realiza sua primeira exposição individual no Centro Cultural Cândido Mendes - CCCM, em 1992. No ano seguinte, participa do 13º Salão Nacional de Artes Plásticas, onde recebe prêmio aquisição. Desde o início da década de 1990, utiliza o processo de oxidação sobre lonas de caminhões como base de seus trabalhos, e experimenta outros suportes, como a pele de boi. Participa de diversas exposições nacionais e internacionais, entre elas, a 25ª Bienal Internacional de São Paulo, na Fundação Bienal, em 2002, e o 29º Panorama da Arte Brasileira, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), em 2005. Em 2002, é palestrante do workshop Dynamic Encounters International Art Workshop: São Paulo - Rio 2002. Lançamento do livro José Bechara, desenhos: como uma piscada de vaga-lume publicado pela Editora Réptil.

REFERÊNCIAS

JOSÉ Bechara. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa17820/jose-bechara>. Acesso em: 09 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

José Cláudio (Ipojuca, Pernambuco, 1932). Pintor, desenhista, gravador, escultor, crítico de arte e escritor. Em 1952, José Cláudio, ao lado de Abelardo da Hora (1924-2014), Gilvan Samico (1928-2013) e Wellington Virgolino (1929-1988), entre outros, funda o Ateliê Coletivo da Sociedade de Arte Moderna do Recife (SAMR). Posteriormente, em Salvador, José Cláudio é orientado por Mario Cravo Júnior (1923), Carybé (1911-1997) e Jenner Augusto (1924-2003). Viaja para São Paulo em 1955, onde inicialmente trabalha com Di Cavalcanti (1897-1976), estudando também gravura com Livio Abramo (1903-1992) na Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP). Recebe bolsa de estudos da Fundação Rotelini, em 1957, permanecendo por um ano em Roma, na Academia de Belas Artes. De volta ao Brasil, passa a residir em Olinda e escreve artigos sobre artes plásticas para o Diário da Noite, do Recife. Realiza pinturas de caráter figurativo, retratando cenas regionais e paisagens do Nordeste, evitando, porém, o caráter pitoresco. O artista escreve, ao longo de sua carreira, vários textos de apresentação para exposições de pintores nordestinos, como a mostra Oficina Pernambucana (1967). Publica, entre outros, o livro Memória do Ateliê Coletivo (1978), no qual reúne depoimentos dos vários artistas que integram o grupo.

REFERÊNCIAS

JOSÉ Cláudio. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1642/jose-claudio>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

FOTO: Leo Motta/JC Imagem

BIOGRAFIA

José Leonilson Bezerra Dias (Fortaleza, Ceará, 1957 - São Paulo, São Paulo, 1993). Pintor, desenhista, escultor. Em 1961, muda-se com a família para São Paulo. Entre 1977 e 1980, cursa educação artística na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), onde é aluno de Julio Plaza (1938-2003), Nelson Leirner (1932). Tem aulas de aquarela com Dudi Maia Rosa (1946) na escola de artes Aster, que frequenta de 1978 a 1981. Nesse último ano, em Madri, realiza sua primeira individual na galeria Casa do Brasil e viaja para outras cidades da Europa. Em Milão tem contato com Antonio Dias (1944), que o apresenta ao crítico de arte ligado à transvanguarda italiana Achille Bonito Oliva (1939). Retorna ao Brasil em 1982. A obra de Leonilson é predominantemente autobiográfica e está concentrada nos últimos dez anos de sua vida. Segundo a crítica Lisette Lagnado, cada peça realizada pelo artista é construída como uma carta para um diário íntimo. Em 1989, começa a fazer uso de costuras e bordados, que passam a ser recorrentes em sua produção. Em 1991, descobre estar vivendo com HIV, e o fato repercute de forma dominante em sua obra. Seu último trabalho, uma instalação concebida para a Capela do Morumbi, em São Paulo, em 1993, tem um sentido espiritual e alude à fragilidade da vida. Por essa mostra e por outra individual realizada no mesmo ano, recebe, em 1994, homenagem póstuma e prêmio da Associação Paulista de Críticos de Artes (APCA). No mesmo ano de sua morte, familiares e amigos fundam o Projeto Leonilson, com o objetivo de organizar os arquivos do artista e de pesquisar, catalogar e divulgar suas obras.

REFERÊNCIAS

LEONILSON . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8742/leonilson>. Acesso em: 28 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

José Marques Campão (São Paulo SP 1892 - idem 1949) Pintor. Freqüenta as aulas de pintura de Oscar Pereira da Silva (1867-1939), em São Paulo, em meados de 1905. Entre 1912 e 1918, viaja para Paris (França) onde estuda na École Nationale Superieure des Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes] e na Académie Julian, com Jean-Paul Laurens (1838-1921) e Paul Albert Laurens (1870-1934). Integra a Comissão de Orientação Artística em São Paulo.

REFERÊNCIAS

JOSÉ Marques Campão. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa21334/jose-marques-campao>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

José Roberto Aguilar (São Paulo, São Paulo, 1941). Pintor, videomaker, performer, escultor, escritor, músico e curador. Autodidata, integra o movimento performático-literário Kaos, em 1956, com Jorge Mautner (1941) e José Agripino de Paula (1937-2007). Em 1963, expõe pinturas na 7ª Bienal Internacional de São Paulo. Considerado um dos pioneiros da nova figuração no Brasil, participa da mostra Opinião 65, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), em 1965. Nessa época, passa a pintar com spray e pistola de ar comprimido. Vive em Londres, entre 1969 e 1972, e em Nova York, entre 1974 e 1975, época em que inicia suas experimentações com vídeo. Volta a morar em São Paulo em 1976. No ano seguinte, participa da 14ª Bienal Internacional de São Paulo com a instalação Circo Antropofágico Ambulante Cósmico e Latino-Americano Apresenta Esta Noite: A Transformação Permanente do Tabu em Totem, em que expõe 12 monitores de TV no palco do Teatro Ruth Escobar. Em 1981, cria o grupo musical Banda Performática e lança o livro A Divina Comédia Brasileira. Torna-se discípulo do líder espiritual indiano Rajneesh, em 1983, e começa a assinar suas telas como Aguilar Vigyan. Em 1989, realiza a performance Tomada da Bastilha, com a participação de 300 artistas, assistida por cerca de 10 mil pessoas em São Paulo. Nos anos 1990, faz pinturas em telas gigantes e esculturas em vidro e cerâmica. De 1995 a 2002, é diretor do espaço cultural Casa das Rosas, em São Paulo. Em 2003, Aguilar é nomeado representante do Ministério da Cultura na capital paulista.

REFERÊNCIAS

JOSÉ Roberto Aguilar. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa4002/jose-roberto-aguilar>. Acesso em: 27 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

José Sabóia do Nascimento (Almadina, Bahia, 1949). Pintor. Artista autodidata, começa a pintar em 1967, um ano depois de chegar ao Rio de Janeiro vindo da Bahia. Sua obra caracteriza-se por abordar a temática popular, especialmente o futebol.

REFERÊNCIAS

JOSÉ Saboia. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8744/jose-saboia>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

José Maria Martinez Zaragoza (Alicante, Espanha 1930). Pintor, ilustrador e desenhista, diretor de arte, publicitário, cartazista e empresário. Inicia seus estudos com Angela Rosado e estuda na Escola de Belas Artes de Barcelona, Espanha. Em 1957 e 1958, exerce o cargo de diretor de arte na J.W. Thompson, em Nova Iorque, Estados Unidos. Em 1968, funda com Petit e Dualibi, a agência de propaganda DPZ, Dualibi, Petit e Zaragoza S/A.

REFERÊNCIAS

ZARAGOZA . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10803/zaragoza>. Acesso em: 04 de Mar. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Juarez Machado (1941) é um pintor, escultor, desenhista, caricaturista, ilustrador e cartunista, considerado um dos mais brilhantes artistas brasileiros. Juarez Machado (1941) nasceu em Joinville, Santa Catarina, no dia 16 de março de 1941. Filho de um artista, colecionador e caixeiro viajante, passou a maior parte de sua infância ao lado de sua mãe, também artista, e de seu irmão. Começou a desenhar ainda muito pequeno, e também gostava de fazer “esculturas” com barro. Com 14 anos começou a trabalhar em uma gráfica no setor de produção de rótulos de remédios, embalagens e cartazes para laboratório. Com 20 anos mudou-se para Curitiba. Entre 1961 e 1965 estudou na Escola de Música e Belas Artes do Paraná. Em 1964 realizou sua primeira mostra individual em Curitiba. Em 1966 foi morar no Rio de Janeiro, onde viveu durante 20 anos e teve intensa participação no movimento artístico da cidade. Foi chargista dos principais jornais do país. Através de uma arte que retrata sua típica irreverência e bom humor, logo se projetou no cenário nacional e internacional. Em 1973 o artista teve um quadro de humor e arte na televisão nos primeiros anos do programa Fantástico da TV Globo, onde fazia vinhetas animadas, com cenários projetados pelo artista, em que atuava como mímico ou “desenhista do gesto” como ele gostava de dizer. Ele interagia com seus próprios desenhos e se apresentava com o rosto pintado de branco e uma roupa que misturava cenário e boneco. Em 2015, para comemorar um ano da existência do Instituto, Juarez realizou uma exposição em Curitiba onde reuniu 200 peças para a mostra “Juarez Machado na Hora do Recreio”. O artista, que é reconhecido pelo leve surrealismo e por explorar suas obras como críticas sociais irreverentes, reuniu na exposição, objetos, esculturas, desenhos, fotografias, além das pinturas com as figuras femininas, quase sempre presentes em sua obra. “Eu trabalho muito com o deboche, o humor é uma forma crítica que provoca e diverte, resolvi fazer uma exposição para me divertir”, disse o artista.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/juarez-machado

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Judith Lauand (Pontal, São Paulo, 1922). Pintora e gravadora. Em 1950, forma-se na Escola de Belas-Artes de Araraquara, São Paulo, onde aprende pintura com Mario Ybarra de Almeida (1893-1952) e Domenico Lazzarini (1920-1987). Dois anos depois, muda-se para São Paulo e estuda gravura com Lívio Abramo (1903-1992). Trabalha como monitora na 2ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1954, e entra em contato com a pintura concreta de Alexandre Wollner (1928) e Geraldo de Barros (1923-1998). Nesse ano, realiza sua primeira individual, na Galeria Ambiente, em São Paulo. Em 1955 é convidada por Waldemar Cordeiro (1925-1973) a unir-se ao Grupo Ruptura, sendo até o fim do grupo a única mulher integrante. Participa da Exposição Nacional de Arte Concreta, realizada, em 1956, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) e, em 1957, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). Integra a mostra Konkrete Kunst, em Zurique, em 1960. Em 1963, expõe na inauguração da Galeria NT - Novas Tendências, em São Paulo, da qual é fundadora, com Hermelindo Fiaminghi (1920-2004) e Luiz Sacilotto (1924-2003). Recebe o Prêmio Leirner de Arte Contemporânea em 1958. Em 1996, o Escritório de Arte Sylvio Nery da Fonseca, em São Paulo, dedica-lhe uma exposição retrospectiva, focalizando em particular sua obra dos anos 1950.

REFERÊNCIAS

JUDITH Lauand. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10308/judith-lauand>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Julia Kater , nasceu em 1980,  Paris/França. ​Vive e trabalha em São Paulo, Brasil. É graduada em Pedagogia pela PUC/ SP e pós-graduada em Psicomotricidade pela ISPEGAE, OIPR Paris/França. Formada em Fotografia pela ESPM/SP. A pesquisa da artista Julia Kater é pautada na elaboração de um corpo de obras que consiga tratá-la a partir de sua improbabilidade visual. Seja pela colagem realizada por diferentes impressões fotográficas sobrepostas, que anuncia um céu que vela – a despeito de seu caráter invisível –, ou pelos vídeos que promovem o remanejo de um conjunto de ações e de frases, cada obra prioriza, à sua maneira, a elaboração de corpos de cenas corriqueiras que sugerem convívios simultâneos com a tenaz memória e com o embate que esta tem com o esquecimento, seu aliado e responsável pela perda paulatina de grande parte das verdades que definem a vida. Suas principais exposições individuais recentes são: Breu - Museu Oscar Niemeyer (Curitiba, Brasil - 2018); Zonas de Gatilho - SIM Galeria ( São Paulo, Brasil - 2018); Acordo - Palazzo Rossini, GAA Foundation, (Veneza, Itália -  2017); Da banalidade, Instituto Tomie Ohtake (São Paulo, Brasil -2016); Como se fosse - Ocupação Programa Caixa Cultural ( Brasília, Brasil - 2014).  As principais exposições coletivas e festivais incluem: Mutatio, Garage Amelot, (Paris, França - 2019); Ragusa Foto Festival, Palazzo La Rocca (Ragusa, Italia - 2019); Anthology Film Archives (Nova York, USA - 2018); 13 edition Experiments in Cinema Festival (Alburquerque, EUA - 2018); Song for my hands - Museu Oscar Niemeyer ( Curitiba, Brasil - 2017); Rencontres Internacionales Paris/ Berlin - New Cinema and Contemporary Art ( Alemanha e França - 2017), Ao amor do público I, Museu de Arte do Rio – MAR ( Rio de Janeiro, Brasil - 2016); Bienal de Assunção ( Asuncion, Paraguai - 2015), Frestas - Trienal de Artes, Sesc Sorocaba, (Sorocaba, Brasil – 2014). Em 2012 participou da residência Carpe Diem Arte e Pesquisa em Lisboa, Portugal e em 2011 recebeu o prêmio Funarte Artes Visuais em São Paulo, Brasil.  Sua obra faz parte de coleções como: Museu de Arte do Rio - MAR (Rio de Janeiro, Brasil); Museu Oscar Niemeyer – MON (Curitiba, Brasil); Fundacíon Luis Seoane ( La Corunha, Espanha); Foundation PLMJ ( Lisboa, Portugal) e Museu de Arte de Ribeirão Preto- MARP (Ribeirão Preto, Brasil).

REFERÊNCIAS

Retirado do Site da Artista

BIOGRAFIA

Julio Le Parc, nascido em 23 de setembro de 1928, em Palmira, Argentina, é um artista plástico argentino que se destacou como um dos principais nomes da arte óptica e cinética. Ele começou suas experiências com luz, cor e movimento nos anos 1950, desenvolvendo instalações e esculturas que investigam a percepção visual e o envolvimento do espectador. Le Parc co-fundou, em 1960, o Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV), um coletivo que promove a interação ativa do público com a obra e propõe uma arte desmaterializada e crítica ao mercado. Participa de exposições internacionais desde os anos 1960 e mantém uma trajetória contínua por mais de seis décadas. Realiza mostras individuais em instituições como The Met Breuer (Nova York, 2018), Instituto Tomie Ohtake (São Paulo, 2017), Perez Art Museum (Miami, 2016) e Centro Cultural Kirchner (Buenos Aires, 2019). Tem obras em coleções de museus como MoMA (Nova York), Musée d’Art Moderne de Paris e LACMA (Los Angeles). Hoje vive e produz em Paris.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/julio-le-parc/obras-e-biografia

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Julio Plaza González (Madrid, Espanha, 1938 - São Paulo, Brasil, 2003), artista intermídia, pesquisador, escritor, curador, professor e pioneiro no desenvolvimento tecnológico das artes, trabalhando com novos suportes e mídias. Depois de viver em Paris e San Juan, Porto Rico, radica-se em São Paulo em 1973. Professor titular do Departamento de Artes Plásticas da Escola de Comunicação e Artes  da Universidade de São Paulo (ECA/USP), da Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), da Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC/SP) e da Universidade de Campinas (Unicamp). Entre seus orientandos e alunos, estão Leda Catunda (1961), Sérgio Romagnolo (1957), Leonilson (1957-1993), Monica Tavares (1958), Ronaldo Entler (1968), Agnaldo Valente, Diana Domingues (1947) e Luise Weiss (1953). É membro fundador da Associação Nacional de Pesquisadores em Artes Plásticas (Anpap) e do Instituto de Pesquisas em Arte e Tecnologia (Ipat). Trabalha com videotexto, slow-scan, holografia, fax e computação digital, partilhando e influenciando gerações de artistas no campo da midiarte, como Paulo Laurentiz (1953-1991), Carlos Fadon Vicente (1945), Gilbertto Prado (1954), Milton Sogabe (1953), Anna Barros (1931-2013), Inês Raphaelian (1961), Ana Maria Tavares (1958) e Omar Khouri (1948). Autor de publicações teóricas como: Tradução Intersemiótica (1987), Videografia em Videotexto (1986), Processos Criativos Com os Meios Eletrônicos: Poéticas Digitais (1998) em colaboração com Monica Tavares. Entre seus últimos textos está “Arte/Ciência: uma consciência”1. É também autor de vários livros de artista em parceria com o poeta concretista Augusto de Campos (1931). Entre eles: Julio Plaza – Objetos (1969), Poemóbiles (1974) e Caixa Preta (1975). Atua como curador do setor de Mail Art da 16a Bienal de São Paulo (1981) e participa de exposições no Brasil e no exterior como: Prospectiva, 74 (1974) no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP); Arte Pelo Telefone: Videotexto (1982) no Museu da Imagem e do Som (MIS), São Paulo; Idehologia: Hologramas (1987) na Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa; Triluz Holografias (1988) no MIS/SP; Fiat Lux! (1991) na Caja de Ahorros de Astúrias, Espanha; Hologramas e Videopoemas (1994) na Galeria Municipal de Vila Franca de Xira, Lisboa; Arte no Século XXI: a Humanização das Tecnologias (1995) no Memorial da América Latina e MAC/USP, São Paulo; Ao Cubo (1997) no Paço da Artes, São Paulo; Situações, anos 70 (2000) na Casa França-Brasil, Rio de Janeiro; Marginália 70: o Experimentalismo no Super-8 Brasileiro (2001) no Itaú Cultural, São Paulo; Perhappinnes – 10 anos – Paulo Leminski. Videopoemas (2001) na Fundação Cultural de Curitiba; Livro de Artista (2001) na Galeria de Alverca, Lisboa; entre outras.

REFERÊNCIAS

JULIO Plaza. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa3438/julio-plaza>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Nasceu em São Paulo, em 1968. Em 1996 concluiu o curso de Fotografia - Especialização em Cor na Escola Riccardo Bauer em Milão, Itália.Em 2008 inicia sua inserção no circuito de arte contemporânea. Trabalha com fotografia, vídeo e instalação para a realização de suas obras. Vive e trabalha em Florianópolis desde 1999.   EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS 2014     Somatório dos Meios - Curadoria de Josué Mattos -  Galeria Lunara - Porto Alegre/RS               Somatório dos Meios - Museu de Arte de Joinville - MAJ - Joinville/SC 2013     Somatório dos Meios - Casa da Cultura - Paraty/RJ               Somatório dos Meios - Curadoria Josué Mattos - Coletivo Nacasa - Florianópolis/SC 2011     Modos de Permanência - MAG - Museu de Arte de Goiânia/GO               Modos de Permanência - Galeria Iberê Camargo - Usina do Gasômetro - POA/RS  2010     Modos de Permanência - Centro Universitário Maria Antônia - São Paulo/SP               Aquário - Galeria Municipal de Arte - Itajaí/SC               Aquário - Centro Cultural Jorge Zanatta - Criciúma/SC               Aquário - MAB - Museu de arte de Blumenau/SC                Aquário - Galeria Municipal de Arte Victor Kursancew - Joinville/SC  2009     Aquário - Galeria Nello Nuno - FAOP - Ouro Preto/MG               Aquário - Centro Cultural Arquipélago - Florianópolis/SC  EXPOSIÇÕES COLETIVAS 2015     Feira PARTE (MV Arte Contemporânea), Paço das Artes, São Paulo SP               18º Bienal Internacional de Arte de Cerveira, Portugal”               “O Céu é o limite?”, Centro Cultural Solar do Barão , Curitiba PR               “LUGAR como LUGAR”, curadoria de Kamilla Nunes, O Sítio, Florianópolis SC               “VI Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia”, Casa das Onze Janelas, Belém PA                 “Eis Senão Quando”, curadoria de Kamilla Nunes, O Sítio, Florianópolis SC               “Tessituras Contemporâneas”, curadoria de Carlos Franzoi, Instituto Internacional Juarez Machado, Joinville, SC                Lugar como Lugar - Curadoria de Kamilla Nunes - O Sítio – Florianópolis SC 2014     Coletivo Multicor - Museu Escola Catarinense - Florianópolis, SC               Périplo - Mostra de Vídeo de Artistas Catarinenses - Chapecó, Criciúma, Florianópolis, Itajaí, Joinville e Lages/SC               Para Sempre - Curadoria Fabiana Wielewicki - Circuito SESC de Artes - Santa Catarina  2013     Vídeos da Coleção MAR -  Museu de Arte do Rio/RJ               32° Arte Pará - Belém/PA               Fotografia Brasileira Contemporânea: Imagens, Vestígios, Ruídos - MASC Museu da Arte de Santa Catarina/SC               Para Sempre - Curadoria Fabiana Wielewicki - Circuito SESC de Artes – Santa Catarina  2012     3° Prêmio Belvedere Paraty de Arte Contemporânea - Paraty/RJ               Salão de Artes Mato Grosso do Sul - Campo Grande/MS               Eu fui o que tu és e tu serás o que eu sou - Curadoria Josué Mattos, Paço das Artes -  São Paulo/SP               Diálogo sobre o Diálogo sobre o Diálogo - Pinacoteca Municipal Miguel Dutra - Piracicaba/SP               Premiados do 11º Salão Nacional de Artes Visuais de Guarulhos - Centro Cultural Adamastor/SP               Panorama SESC Artes Visuais - Curadoria Carlos Alberto Franzoi - Galeria do SESC - Jaraguá do Sul/SC               Para Sempre - curadoria Fabiana Wielewicki - Circuito SESC de Artes - Santa Catarina  2011     30° Arte Pará - Belém/PA               43° SAC - Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba/SP               11° Salão de Artes Visuais de Guarulhos/SP                Panorama SESC de Artes Visuais - Curadoria Letícia Cardoso - Galeria do SESC - Chapecó/SC               Para Sempre - Curadoria Fabiana Wielewicki - Circuito SESC de Artes – Santa Catarina 2010     27° Salão de Artes Plásticas - Anuário de Embu das Artes - Embu/SP                10° Salão de Artes Visuais de Guarulhos/SP                12° Salão Nacional de Artes - Itajai/SC                        16° Salão Unama de Pequenos Formatos - Belém/PA               Salão de Artes Audiovisuais do Reconcavo - Cachoeira/BA               À deriva - Curadoria Silvana Macedo - Fundação Cultural Badesc - Florianópolis/SC               Plano - Espaço - Museu de Arte de Joinville - Joinville/SC 2009     60⁰ Salão de Abril - Fortaleza/CE               Arte Pará 2009 - Belém/PA               Quarto no Beco - Beco da Arte – São Paulo/SP               Paisagem Insólita - Panorama SESC de Artes Visuais - Curadoria Charles Narlock - Galeria do SESC - Jaraguá do Sul/SC               Contin[g]ente - Curadoria Guy Amado - Centro Cultural Arquipélago -  Florianópolis/SC               Pretexto Contemporâneo – Memorial Meyer Filho - Florianópolis/SC               Um espelho no Acervo - Curadoria Fernando Lindote - MASC - Museu de Arte de Santa Catarina - Florianópolis/SC 2008     O Mistério da Rua Idalina Pereira dos Santos, 81 - Curadoria Fernando Lindote - Centro Cultural Arquipélago - Florianópolis/SC               Pretexto Contemporâneo - Fundação Hassis - Florianópolis/SC   INTERNACIONAIS 2013     Premio Lapsus - Fondazione Studio Marangoni - Florença/Italia               Teatro Studio Scandicci - Florença/Italia               Galeria Espacio Foto Arte - Punta Del Este/Uruguai 2011     Ficciones - Encuentro Bienal de Fotografia - Maldonado/Uruguai   PRÊMIOS 2013     32° Arte Pará, Belém/PA  - Prêmio Aquisição                Premio Elisabete Anderle de Estímulo a Cultura - Florianópolis/SC 2012     3° Prêmio Belvedere Paraty de Arte Contemporânea - Paraty/RJ               Salão de Arte de Mato Grosso do Sul/MS - Prêmio Aquisição 2011     11° Salão de Artes Visuais de Guarulhos/SP  2010     27° Salão de Artes Plásticas - Anuário de Embu das Artes /SP 2009     Prêmio Elisabete Anderle de Estímulo a Cultura - Florianópolis/SC   COLEÇÕES PERMANENTES  Museu de Arte do Rio - M.A.R. MARCO - Museu de Arte Contemporânea de Campo Grande

REFERÊNCIAS

Fonte: mvarte

BIOGRAFIA

Kazuo Wakabayashi (Kobe, Japão 1931). Pintor. Em 1944, estuda na Escola Técnica de Hikone, em Shiga, Japão. Entre 1947 e 1950, freqüenta a Escola de Belas Artes e a Academia Niki, em Tóquio, e as aulas de desenho e pintura de Kanosuke Tamura. De volta a Kobe, prepara-se para ingressar na Faculdade de Arquitetura da Universidade de Tóquio, porém abandona a arquitetura em 1950, voltando-se para a pintura. No ano seguinte, integra o grupo Babel, ao lado de Rokuichi, Kaibara, Ko Nishimura e outros. Em 1953, torna-se membro do grupo Seiki e publica álbum de pinturas e poesias e, em 1954, participa do Delta, além de ilustrar os jornais Shinko Shimbum e All Sports. Entre as décadas de 1940 e 1960, participa de salões japoneses recebendo prêmios em 1947, 1950, 1954 e 1959. Em 1961, transfere-se para São Paulo e torna-se membro do Grupo Seibi, apresentado por Manabu Mabe (1924 - 1997) e Tomie Ohtake (1913). Dois anos depois, recebe medalha de ouro tanto no 12º Salão Paulista de Arte Moderna como no 7º Salão do Grupo Seibi de Artistas Plásticos. É agraciado com o primeiro prêmio no Salão de Abril do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ, em 1966. Participa de diversas edições da Bienal Internacional de São Paulo, entre 1963 e 1967, quando é premiado. Em 1992, publica-se o livro Wakabayashi, com apresentação do crítico Jayme Mauricio, e, no ano seguinte, o Paço das Artes, em São Paulo, apresenta uma retrospectiva de sua obra.

REFERÊNCIAS

WAKABAYASHI . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa3597/wakabayashi>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Roberto Kenji Fukuda (Indiana SP 1943 - 2021) é um escultor, pintor e gravador, filho do artista plástico Tamotsu Fukuda. Em 1955, sob orientação de seu pai, iniciou-se pintura. Sua primeira exposição ocorreu em 1963, na cidade de Lins (SP), realizando, depois, inúmeras mostras. Participou das seguintes exposições coletivas: em 1979, em São Paulo, na Mostra Senac; em 1985, em Berlim (Alemanha), na Coletiva; em 1988, em Curitiba (PR) e Rio de Janeiro (RJ), na Coletiva 80 Anos da Imigração Japonesa Brasil, na Galeria de Arte Ida & Anita e na Fundação Mokiti Okada. Fora do Brasil, expôs, em 1989, Paris e, em 1990, na Flórida (Estados Unidos). Sua escola é, principalmente, a Abstrata: Tachismo. Fukuda é conhecido por sua linha de trabalho em composição com manchas. Há poucos anos fez sua entrance no universo tridimensional, durante sua primeira exposição de esculturas que aconteceu em 96, aqui em São Paulo. Com formas aparentemente informais, Fukuda trabalha profundamente sua criação, que tem como base os signos orientais. ‘Virtuosismo técnico’ são características de suas obras que transmitem, além de beleza, força e muita leveza. Kenji Fukuda vive das artes plásticas- começou sua carreira como pintor figurativo: naturezas mortas, retratos e paisagens. Nos idos de 80, iniciou sua fase abstracionista viajando pelo mundo, expondo nas mais conhecidas galerias européias e americanas. O artista revela que “o abstrato é muito mais difícil que o figurativo; a harmonia e o equilíbrio simbolizam o abstrato perfeito, e o abstrato perfeito, e o abstrato é a última fase do artista plástico. Nele há possibilidades infinitas”. Há 20 anos trabalhando, Fukuda, que nasceu no interior de são Paulo e começou a gostar de artes observando seu pai, já fez grandes exposições. Suas esculturas e telas podem ser encontradas no acervo de grandes instituições brasileiras, em Genebra, Suíça, Miami, Nova Iorque, Paris e Iwakuni no Japão. “A fase figurativa é sempre o início e é muito importante para adquirir experiência, encontrar caminhos. Com o tempo fui enxergando outras possibilidades e criando a concepção de que a pintura deve ser mais livre” conta Fukuda, que hoje utiliza texturas, cores fortes e chapadas que se colam em seus quadros. Mas não se trata de um silêncio que se vale de si mesmo para criar um leque de observação que as pessoas descobrem a partir do título da obra, cujo resultado final se traduz como sendo de um lirismo plástico repleto de serenidade.

REFERÊNCIAS

Referência: http://www.galeriaespacoculturalduque.com.br/kenji-fukuda/

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Conhecido nacional e internacionalmente, Kennedy Bahia foi um dos pioneiros na expansão das artes plásticas no Estado e ficou conhecido por suas tapeçarias alegres e coloridas, além dos quadros e gravuras de belas mulatas. Nos anos 60 e 70, Kennedy Bahia, que era muito amigo do escritor Jorge Amado e do também artista plástico Caribé, foi considerado o maior artista de tapeçaria do Brasil, tendo sua coleção Fauna e Flora da Bahia, de 1973, apreciada por colecionadores de todo o mundo. O artista também contribuiu para a divulgação da cultura baiana, inclusive, adotando o nome do Estado e divulgando informações sobre a Bahia por todos os países para onde viajava com suas obras. Nascido Patrick Maderos Kennedy Dito, em 1929, em Valparaiso - Chile, Kennedy Bahia era engenheiro de minas em seu país. Ele entrou em contato com o exotismo da fauna e flora brasileira pela primeira vez quando foi trabalhar na região amazônica, primeiro na exploração de ouro na selva boliviana e depois, já em território brasileiro, no alto Tapajós - Amazonas. Convalescendo de uma malária, o engenheiro chileno iniciou sua atividade como tapeceiro. As impressões da selva porém, nunca sairam da sua mente e seus trabalhos caracterizam-se pelo aproveitamento da fauna e flora amazônicas. Ao se mudar para a Bahia, nos anos 60, passou também a incluir motivos folclóricos da cultura afro-baiana nas suas obras. Adaptado da fonte: A Tarde On Line

REFERÊNCIAS

http://artenaifrio.blogspot.com/2012/04/kennedy-bahia.html

BIOGRAFIA

KILIAN GLASNER (NASCEU EM: 1977,RECIFE,PE) ARTISTA QUE UNE PINTURA E FOTOGRAFIA PARA ABORDAR QUESTÕES URBANAS E SOCIAIS. FORMADO NA ÉCOLE NATIONALE SUPÉRIEURE DES BEAUX-ARTS, EM PARIS, FOI ORIENTADO POR GIUSEPPE PENONE. PARTICIPOU DE UMA RESIDÊNCIA ARTÍSTICA NA VILLA MÉDICI EM ROMA E EXPÔS INTERNACIONALMENTE EM PAÍSES COMO FRANÇA, ITÁLIA E HOLANDA. PREMIADO NO 39º SALÃO DE ARTES PLÁSTICAS DE PERNAMBUCO (1999) E PELO RUMOS ITAÚ CULTURAL (2009), DESTACOU-SE COM A OBRA RUA DO FUTURO. REALIZOU EXPOSIÇÕES NOTÁVEIS, INCLUINDO “O BRILHANTE FUTURO DA CANA DE AÇÚCAR” (FUNDAÇÃO CALOUSTE GULBENKIAN, LISBOA, 2010) E PARTICIPOU DO PROJETO "CHANGES" DO WORLD BANK COM MOSTRAS NOS EUA​.    

REFERÊNCIAS

Fonte

www.artbr.com.br

BIOGRAFIA

Anexar um rótulo singularmente definidor para Larry Rivers permaneceu uma tarefa difícil para muitos que tentaram contextualizar sua contribuição de mais de 50 anos para as artes. Rivers foi um talentoso músico de jazz, pintor, escultor, poeta, ator, personalidade da televisão, cineasta, MC em boates, personalidade popular no circuito de palestras, autor e professor. Ele tem sido apropriadamente referido como “um homem renascentista”, mas talvez ele seja mais frequentemente reconhecido e ironicamente às vezes igualmente subestimado como um dos, senão os principais fundadores da Pop Art. Andy Warhol nunca fez segredo de que foi influenciado pela arte de Rivers, mas talvez em uma citação mais reveladora do livro “Popismo”, Warhol reconhece a personalidade única de Rivers como um ingrediente influente no desenvolvimento da Pop Art. Warhol disse: “O estilo de pintura de Larry era único - não era expressionismo abstrato e não era pop, ele caiu em um período intermediário. Mas sua personalidade era muito pop. ” Foi a personalidade pop de Rivers que o motivou a estar na frente de seus trabalhos, servindo como parte do pacote, um sistema de entrega para levar para casa seu ponto de vista particular. Os críticos frequentemente acusam Rivers de roubar os holofotes de seu próprio trabalho. Mas Rivers considerou mais uma forma de autenticar seu trabalho, porque seu trabalho não poderia ser autenticado por nenhum “ismo” particular. É verdade, o trabalho de Rivers não era pop e não era expressionismo abstrato, era mais um diálogo contínuo com arte e ideias, uma ponte expansiva entre dois movimentos artísticos significativos. Há uma certa ironia profética no nome Larry Rivers. Ele se tornou famoso por fazer um trabalho sobre a Travessia de um Rio, e então continuou a cultivar uma carreira como um influente artista de transição; um construtor de pontes. Ele nasceu Yitzroch Loiza Grossberg, no Bronx, Nova York em 1923, filho de Samuel e Sonya Grossberg. Em 1940 ele começou uma carreira como saxofonista de jazz profissional. Ele logo mudou seu nome, após ser apresentado como “Larry Rivers and the Mudcats” em um clube da cidade de Nova York. Em 1942, ele se alistou no Corpo Aéreo do Exército dos Estados Unidos, mas dentro de um ano foi dispensado com honra das forças armadas por motivos médicos. Em 1944 ele estudou teoria musical e composição na Juilliard School of Music, onde conheceu e se tornou amigo de Miles Davis e Charlie Parker. Em 1945, o músico Jack Freilicher mostrou a Larry Rivers uma pintura de Georges Braque e, no mesmo ano, após ver a obra cubista, Rivers começou a pintar. De 1947 a 1948, ele estudou na Escola de Pintura de Hans Hofmann. Após suas experiências com Hoffman, ele continuou seus estudos e, em 1951, recebeu seu bacharelado em educação artística pela New York University. Desde que se formou na NYU em 1951, ele recebeu doutorado honorário de várias outras instituições. Em 1949, ele teve sua primeira exposição individual na Jane Street Gallery em Nova York. Nesse mesmo ano, ele conheceu e tornou-se amigo de John Ashbery e Kenneth Koch. Em 1950 ele conheceu Frank O'Hara. Nesse mesmo ano, ele fez sua primeira viagem à Europa, passando 8 meses em Paris lendo e escrevendo poesia. Começando em 1950 e continuando até a morte de Frank em julho de 1966, Larry Rivers e Frank O'Hara cultivaram uma amizade exclusivamente criativa que produziu inúmeras colaborações, bem como pinturas e poemas inspirados. Além dessas obras mais reconhecidas publicamente, os dois amigos mantiveram uma correspondência de 15 anos, trocando vários documentos compostos principalmente de cartas com alguma poesia. Em 1951, os trabalhos de Rivers são exibidos por John Myers na Galeria Tibor de Nagy, onde ele continuou a expor anualmente (exceto 1955) por 10 anos. Uma colaboração de 1952 com Frank O'Hara incluiu o projeto do cenário para a peça de O'Hara "Try! Try!". Em 1953 ele completou Washington Crossing the Delaware. Dessa obra seminal, muitos anos depois, Rivers ofereceu uma visão sobre o desenvolvimento de sua persona ao abordar a natureza provocativa dessa obra. Em sua autobiografia, ele escreveu: “A ideia de Larry Rivers nasceu com Washington Crossing the Delaware”. Em 1954 teve sua primeira exposição de esculturas na Stable Gallery de Nova York. Em 1955, o Museu de Arte Moderna adquiriu o Washington Crossing the Delaware. Nesse mesmo ano, ele ganhou o 3º prêmio no concurso nacional de pintura da Corcoran Gallery por “Auto-Figura”. Rivers 'também pintou “Double Portrait of Berdie” em 1955, que logo foi comprado pelo Whitney Museum. Em 1957, sua sogra Berdie Burger, tema da famosa obra “Retrato duplo de Berdie”, bem como tema de muitos outros desenhos e pinturas de Rivers, morreu aos 66 anos. Nesse mesmo ano, ele e Frank O'Hara começaram a trabalhar em “Stones”, uma mistura colaborativa de imagens e poesia em uma série de litografias. Este foi o primeiro projeto para a empresa ULAE de Tatyana Grosman. Durante esse tempo, ele também apareceu no game show de televisão “The $ 64.000,00 Question”, onde junto com outro competidor, ambos ganharam, cada um recebendo $ 32.000,00. Em 1958 passou um mês em Paris e tocou em várias bandas de jazz. Em 1959 ele pintou Cedar Bar Menu I e II. Neste mesmo ano, adaptado de uma peça de Jack Kerouac, ao lado de Allen Ginsberg, Gregory Corso, Peter Orlovsky, David Amram, Richard Bellamy, Alice Neel, Sally Gross, Pablo Frank, com narração de Kerouac, Rivers apareceu no filme “Pull My Margarida." Rivers continuou a cultivar um forte interesse pela colaboração, trabalhando com o poeta Kenneth Koch na coleção de poemas pictóricos Nova York 1959-1960. Em 1961 ele conheceu Jean Tinguely; Juntos, eles produziram vários trabalhos em colaboração, incluindo “The Friendship of America and France”, exibido no Musée des Arts Décoratifs, Paris. A primeira retrospectiva abrangente de Rivers em 1965 incluiu 170 obras compostas de pinturas, desenhos, esculturas e gravuras. O show percorreu cinco museus dos Estados Unidos. Rivers preparou “A História da Revolução Russa: De Marx a Maiakovski” para inclusão no local final, uma exposição no Museu Judaico. Sobre esse trabalho, Rivers observou: “ou é a maior mídia mista pintura-escultura do século 20, ou a mais estúpida”. Em 1966, Rivers projetou os cenários e os figurinos para Oedipus Rex de Stravinsky; uma apresentação com a Filarmônica de Nova York sob a orientação de Lukas Foss. Rivers colocou a ópera em um ringue de boxe e vestiu o coro com camisetas sem mangas e óculos escuros; a produção indignou os críticos e o público. No ano seguinte, ele viajou para a África Central para filmar o documentário para a televisão “Africa and I” com Pierre Gaisseau. Nesse mesmo ano, ele participou da exposição em memória do poeta e curador Frank O'Hara no Museu de Arte Moderna. Em 1968 voltou à África com Gaisseau para concluir o documentário. Os dois escaparam por pouco da execução como suspeitos de serem mercenários. Em 1970 começou a trabalhar com videoteipe. Neste mesmo ano ele completou “Some American History” para a De Menil Foundation. Em 1976 viajou para a Rússia a convite da União dos Artistas Soviéticos, onde lecionou em várias cidades sobre a arte contemporânea americana. Viajando com seu filho Steven Rivers, os dois documentaram esta viagem; fazendo fitas de vídeo ao longo do caminho. Continuando a experimentar vários meios mistos, Rivers começou a produzir trabalhos gerados pela combinação de papel carbono colorido, uma técnica que ele demonstrou como convidado no show de Dick Cavett. Em 1978 ele começou a trabalhar na série “Golden Oldies” onde, consistente com seus esforços para investigar temas históricos, ele reexaminou suas próprias obras dos anos 50 e 60. Ao longo do início dos anos 80, as obras de Larry Rivers constituem a base de várias retrospectivas, começando em 1980 com a exposição retrospectiva no Museu de Arte Contemporânea de Caracas. Em 1980-81 suas obras formam a base para a exposição retrospectiva itinerante: Kestner-Gesellschaft, Hannover Kunstverein, Munich Kunsthalle, Tubingen Stattliche Kunsthalle, Berlin. Em 1983, The Guild Hall Museum, East Hampton, Nova York e Lowe Art Museum, Coral Gables, FL, exibiram uma pesquisa de trinta anos. Encomendado por Sivia Loria e Jeffrey Loria em 1984, Rivers trabalhou de 1984-85 na “História do Matzoh (a História dos Judeus)” - que foi posteriormente exibida no Museu Judaico de Nova York. Em 2006, honrando o desejo de Rivers de ter seu trabalho exibido em um local mais público, Jeffrey Loria doou “History of Matzoh” para a Universidade de Yale. Com base em suas experiências anteriores com trabalhos tridimensionais, Rivers desenvolveu uma fórmula para criar pinturas tridimensionais em relevo que se concentrava em uma ampla gama de assuntos. Ele documentou essa técnica em um filme que fez chamado “Duck Farm”. Na década de 1990, o trabalho de Rivers é o tema de ou incluído em uma ampla variedade de exposições abrangentes: Uma retrospectiva de suas pinturas e desenhos, “Public and Private”, inaugurada no Butler Institute of American Art em Youngstown, Ohio em 1990 e em turnê nos Estados Unidos até 1992. No outono de 1991, ele foi destaque em uma exposição “Pop Art” na Royal Academy of Arts de Londres e em “American Realism and Figurative Art 1952-1991”, uma exposição que viajou para cinco museus no Japão. A exposição “Copier / Créer de Turner á Picasso, 300 Oeuvres inspirées par les Maîtres du Louvre”, organizada pelo Louvre em Paris em 1993, incluiu várias das suas obras. "Pop pintado à mão: American Art in Transition 1956-62", que se originou no Museum of Contemporary Art em Los Angeles e viajou para o Whitney Museum em Nova York em 1993, também incluiu trabalhos de Rivers. Uma de suas obras tridimensionais foi selecionada para a exposição “Slittamenti”, segmento da Bienal de Veneza de 1993. Em 1992, Harper Collins, de Nova York, publicou a autobiografia de Larry Rivers, “O que eu fiz?” Ao mesmo tempo, Rivers 'é também o assunto de várias monografias acadêmicas e vídeos, e uma dissertação de doutorado. Em 1993, uma exposição individual intitulada “Art and the Artist” marcou uma associação de trinta anos com a Marlborough Gallery em Nova York. A exposição viajou para Marlborough em Madrid, Espanha. Em 1994, uma exposição no Nassau County Museum of Art intitulada “Art After Art” apresentou pinturas de Larry Rivers. Rivers também foi uma figura central na grande exposição intitulada “Bop, Beat e Beyond” em 1995 no Museu de New South Wales da Austrália. Este show explorou as conexões entre artistas visuais, músicos e escritores do período beat. Ele também foi apresentado na abrangente exposição "Cultura Beat e a Nova América (1950-65)" no Museu Whitney de Arte Americana em Nova York em 1995. Em 1997, o Philharmonic Center for the Arts em Naples, Flórida, montou uma retrospectiva das obras de Rivers de 1980-1997. A Marlborough Gallery em Nova York apresentou sua exposição individual, “Recent Works”, e a Ulysses Gallery em Viena, Áustria, apresentou seus primeiros trabalhos no papel. Os primeiros interesses de Rivers pela moda como assunto ressurgiram em 1997 e continuaram como tema em seu “Fashion Show”, uma exposição individual de 1999 na Marlborough Gallery em Nova York. De 1999 a 2000, ele embarcou em um projeto encomendado por Jeffrey Loria; “The History of Hollywood” é uma montagem pintada em quatro painéis de 20 x 25 cm, pintados com os momentos memoráveis ​​de Hollywood. Outros setenta e cinco desenhos saíram de "A História de Hollywood". Em 2001, Marlborough apresentou um segundo “Desfile de Moda” que teve uma prévia, apropriadamente, na Lord & Taylor Department Store na elegante Quinta Avenida em Nova York e mudou-se para a Marlborough Gallery em Monte Carlo. Em 2002, Larry Rivers estava mais ocupado do que nunca, com uma grande retrospectiva na Corcoran Gallery of Art em Washington, DC e uma exposição dos primeiros trabalhos na Tibor de Nagy Gallery em Nova York na primavera. Com outro “desfile de moda” agendado na Marlborough Gallery no outono, Rivers continuou trabalhando em pinturas de moda até três meses antes de sua morte em agosto de 2002. Obituários apareceram em vários jornais e periódicos em todo o mundo, com cobertura nacional que incluía, entre outros, Time Revista e a primeira página do New York Times, onde homenagearam uma cobertura de primeira página anteriormente prevista sobre seu falecimento.

REFERÊNCIAS

Texto retirado e traduzido de: http://www.larryriversfoundation.org/bio.html

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Lasar Segall (Vilnius, Lituânia, 1889 - São Paulo, São Paulo, 1957). Pintor, gravador, escultor, desenhista. De origem judaica, inicia estudos de arte, em 1905, na Academia de Desenho do mestre Antokolski, em Vilna, na Lituânia. Muda-se para a Alemanha em 1906 e estuda na Escola de Artes Aplicadas e na Academia Imperial de Belas Artes, em Berlim. Viaja para a cidade de Dresden, onde freqüenta a Academia de Belas Artes. Amplia seu contato com a pintura impressionista e realiza, em 1910, a primeira mostra individual na Galeria Gurlitt. No final de 1912, vem para o Brasil e no ano seguinte expõe em São Paulo e Campinas. No mesmo ano retorna à Europa. Inicialmente, realiza uma pintura de derivação impressionista, com influência de Jozef Israël e de Paul Cézanne (1839-1906). A partir de 1914, passa a interessar-se pelo expressionismo, desenvolvendo-se plenamente nessa estética em 1917. Em 1919, em Dresden, funda com Otto Dix (1891-1969), Conrad Felixmüller (1897-1977), Otto Lange (1879-1944) e outros, o Dresdner Sezession Gruppe 1919, grupo que agrega artistas expressionistas da cidade. Em 1921, publica o álbum de litografias Bübüe e, em 1922, o Erinnerung an Wilna - 1917 com águas-fortes. Volta ao Brasil, onde fixa residência em São Paulo, no ano de 1923. Na capital paulista, Lasar Segall é destaque no cenário da arte moderna, considerado um representante das vanguardas européias. No ano seguinte, executa decoração para o Baile Futurista do Automóvel Clube e para o Pavilhão Modernista de Olívia Guedes Penteado (1872-1934). É um dos fundadores da Sociedade Pró-Arte Moderna (Spam), em 1932, da qual se torna diretor até 1935. Dez anos após sua morte, em 1967, a casa onde morava, na Vila Mariana, em São Paulo, é transformada no Museu Lasar Segall.

REFERÊNCIAS

LASAR Segall. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8580/lasar-segall>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Beatriz Lecuona e Oscar Hernández são artistas visuais formados em Belas Artes pela Universidade de La Laguna (ULL).  Lecuona y Hernández, que começaram seu trabalho juntos em 1999, também trabalharam como gestores culturais e são especialistas em Teoria das Artes. Participaram de mais de noventa projetos individuais e coletivos, exibindo com maior regularidade em projetos de caráter internacional. Nesse sentido, vale a pena mencionar sua representação espanhola na XI Bienal de Havana, na X Bienal Internacional de Cuenca-Equador, na Bienal de DaKar Off 06 e na II Bienal de arte, arquitetura e paisagem das Ilhas Canárias. Ultimamente, sua presença tem se intensificado na América Latina e nos Estados Unidos, expondo em Miami, Venezuela, Brasil, Equador, Cuba e Peru, entre outros.  Por outro lado, seu trabalho faz parte das seguintes coleções: TEA Tenerife Espaço das Artes (Santa Cruz de Tenerife), Ideo Box Art Space Miami (Miami), Cidade de Santa Cruz de Tenerife, Cabildo de Tenerife, Fundação Caja Canarias (Santa Cruz de Tenerife) e coleções particulares como Leo H Silitonga (Peru), Fabio Luchetti (Brasil) e Antonio Ascaso (Miami), entre outros. Atualmente, eles estão em um projeto de residência em São Paulo no Instituto Adelina e em novembro farão mais uma residência artística na instituição americana com sede em Miami, Maná Contemporary

REFERÊNCIAS

Fonte: artland.com/artists/lecuona-y-hernandez

BIOGRAFIA

Leda Catunda (São Paulo, São Paulo, 1961). Artista Visual, pesquisadora e professora. Uma das expoentes da Geração 80, explora em seu trabalho questões referentes à representação das imagens e ao universo pop. Formada pela Fundação Armando Alvares Penteado (Faap), em São Paulo, Leda é aluna de Regina Silveira (1939), Nelson Leirner (1932) e Julio Plaza (1938-2003). Durante a formação, se aborrece por ter de desenhar tanto a pedido dos professores e parte, então, em busca de desenhos já disponíveis no mercado. Entre seus primeiros trabalhos estão as Vedações (1983). Nessa série, a artista se apropria de tecidos estampados, em geral figurativos, e apaga algumas informações com tinta, recriando a estampa. Utiliza-se conceitualmente da pintura: pincel e tinta servem para destacar, apagar, recriar ou criticar um mundo já coberto de imagens. Como tela, utiliza objetos aparentemente banais encontrados em regiões de comércio popular, como flanelas, cortinas de banheiro, cobertores, toalhas e tecidos, em geral usados em ambientes domésticos.  No ano seguinte, ainda recorrendo a materiais disponíveis no mercado, Leda realiza pinturas mais figurativas, como Aquário (1984). Nela, apropria-se das imagens de peixes de uma cortina de plástico para pintar uma caixa de vidro em volta do cardume. A artista chama esses trabalhos de pinturas-objetos.  De acordo com Leda, o interesse pelo universo popular e kitsch vem da ausência desse repertório na casa dos pais. Filha de arquitetos, a residência em que mora na infância é decorada com poucos objetos e, em geral, com design planejado. É a casa da avó portuguesa que desperta o interesse da artista por elementos populares e artesanais de decoração, como toalhas de crochê. O repertório visual começa a se formar nos passeios com a avó pelo comércio popular no largo de Pinheiros, em São Paulo. Ainda no começo da carreira, a pintura de Leda (como a de outros artistas dos anos 1980) chama a atenção dos principais críticos, galeristas e curadores da época. Em 1983, com apenas 22 anos, participa da mostra coletiva Pintura Como Meio, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), ao lado dos artistas Ciro Cozzolino (1959), Sergio Romagnolo (1957), Ana Maria Tavares (1958) e Sérgio Niculitcheff (1960), com curadoria de Aracy Amaral (1930). Para a curadora, o talento e o frescor da produção desses jovens está na forma contemporânea de usarem a pintura, buscando suportes menos usuais do que a tela emoldurada e destacando na parede materiais menos nobres, como o "pano". No ano seguinte, Leda participa da icônica exposição Como Vai Você, Geração 80?, que faz um balanço da produção de 123 artistas da época no Parque Lage, no Rio de Janeiro. Recém-saída da faculdade, ainda nos anos 1980, expõe trabalhos na I Bienal de Havana (em Cuba) e nas XVII e XVIII bienais de São Paulo.  No final dos anos 1980, começa a se distanciar do trabalho figurativo, procedimento que ganha força na década seguinte. Nas obras abstratas, a textura e a estampa do material continuam presentes, mas explora formas geométricas, como na produção apresentada na exposição individual na Galeria São Paulo, em 1992.  Durante essa década, Leda cria o que chama de pintura-instalação, isto é, obras com maior volume e dimensão. As formas geométricas adquirem aparência abstrata, como em Siameses (1998). Essa fase é simultânea à pesquisa de mestrado desenvolvida na Escola de Comunicação e Artes (ECA), que recebe indicação ao doutorado direto, defendido em 2003. Na tese, Leda pesquisa a "poética da maciez", em que estuda sua produção e de outros artistas que exploraram o uso de formas amolecidas. Em 2014, essas estruturas macias passam a dar espaço a materiais mais duros, quando a artista realiza Nó, considerada sua primeira escultura, feita em madeira, em que explora a imagem de fórmicas que imitam madeira. A partir dos anos 2000, aplica imagens fotográficas às pinturas. Primeiro, utiliza fotos de seu acervo pessoal, com amigos e familiares, como em Todo Pessoal (2006). Depois, apropria-se de imagens enviadas por amigos ou encontradas na internet. Com o fenômeno das redes sociais, as fotos postadas pelos usuários entram para seu repertório, como em Mar Linda (2016), em que usa fotos do perfil de uma jovem. Essa obra faz parte da exposição I love You, Baby, em 2016, no Instituto Tomie Ohtake. Nela, apresenta pinturas que trabalham com o que chama de "consumo afetivo", explorando o uso de logomarcas e imagens de desejo, como de paisagens de férias na praia. A obra de Leda Catunda se pauta pelo uso de imagens, tecidos e estampas disponíveis a todos. Como ela própria costuma dizer: "gosto de gostar do que os outros estão gostando"1. Atenta ao comportamento das pessoas a sua volta, ao que estão vestindo e fazendo, a artista capta essas referências, transformando-as em matéria-prima para seu trabalho, sem perder o tom de crítica e acidez, que se acentua em seu universo almofadado e colorido.

REFERÊNCIAS

LEDA Catunda. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10215/leda-catunda>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Leon Ferrari (Buenos Aires, Argentina 1920 - idem 2013). Pintor, gravador, escultor, artista multimídia. Inicia seu trabalho como escultor na Itália, onde reside por três anos. Em 1955, realiza individual na Galeria Cariola, em Milão. Em 1960, começa a fazer esculturas de arame e aço inoxidável e, dois anos depois, produz desenhos caligráficos e colagens. Em 1965, engaja-se no movimento cultural e político do Instituto di Tella de Buenos Aires, e abandona a produção abstrata. Entre 1968 e 1969, participa dos eventos Tucuman Arde e Malvenido Rockefeller, em Buenos Aires. Muda-se para São Paulo, em 1976, e retoma a produção de escultura de metal. Em 1977, passa a fazer esculturas sonoras em barras metálicas e interessa-se por novos meios expressivos, incentivado pela convivência com Regina Silveira (1939) e Julio Plaza (1938-2003). Realiza obras em videotexto, microfichas, arte postal, cria livros de artista e trabalha com litografia. Recebe prêmio da Associação Paulista de Críticos de Arte - APCA de melhor exposição do ano, em 1983. No ano seguinte volta a residir em Buenos Aires. Passa a utilizar também o meio digital em suas proposições, como em Electronicartes, 2002/2003. Em paralelo às atividades em artes visuais, publica livros como Nosotros No Sabíamos, em 1976; Cuadro Escrito, em 1984; Exégesis, em 1993, e La Bondadosa Crueldad, em 2000. Nesse ano, recebe o Prêmio Costantini.

REFERÊNCIAS

LEÓN Ferrari. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa19872/leon-ferrari>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Nascida em Buenos Aires, filha de pais argentinos e italianos, Leonor cresceu em Trieste, Itália, criada pela sua independente e determinada mãe, Malvina. Foi uma artista autodidata, aprendendo anatomia diretamente dos estudos de cadáveres no necrotério local e absorvendo técnicas dos velhos mestres através de livros e visitando museus. Após começar a pintar, foi para Milão, onde participou de sua primeira exposição individual em 1929, e depois em Paris em 1931. Sua personalidade vivaz e suas roupas extravagantes garantiram-lhe um foco no mundo da arte parisiense e ela logo desenvolveu relacionamentos estreitos com os principais escritores e pintores surrealistas, incluindo Paul Eluard, Salvador Dali, Man Ray e Max Ernst, que se tornou seu amante por um tempo. O único surrealista que não podia suportar por causa de sua misoginia era André Breton. Embora ela repetidamente exibisse com eles, ela nunca se considerava surrealista. O negociante americano Julien Levy, muito impressionado com a pintura de Fini e ferido por seus encantos excêntricos, convidou-a para Nova York em 1936, onde participou de uma exposição de galeria conjunta com Max Ernst e conheceu muitos surrealistas americanos, incluindo Joseph Cornell e Pavel Tchelitchew. O trabalho dela foi incluído na exposição de arte fantástica, Dada e Surrealismo do MoMA, juntamente com De Chirico, Dali, Ernst e Yves Tanguy. Em 1939, em Paris, organizou uma exposição de móveis surrealistas para seu amigo de infância, Leo Castelli, para a abertura de sua primeira galeria. As apresentações aos catálogos da exposição foram escritas por De Chirico, Ernst e Jean Cocteau. Um tema predominante da arte de Fini é a relação complexa entre os sexos, principalmente a interação entre a mulher dominante e o macho passivo e andrógino. Em muitas de suas obras mais poderosas, a fêmea assume a forma de uma esfinge, muitas vezes com a cara da artista. Fini também foi uma retratista bem sucedida. Entre seus tópicos estavam Stanislao Lepri e Constantin (Kot) Jelenski (dois de seus amantes de longa data, com quem vivia simultaneamente, juntamente com mais de uma dúzia de gatos) e seus amigos, o escritor Jean Genet, as atrizes Maria Casarès, Anna Magnani, Alida Valli, e Suzanne Flon, a bailarina Margot Fonteyn, o diretor de cinema Luchino Visconti, os artistas Meret Oppenheim e Leonora Carrington, e as socialites Francesca Ruspoli e Hélène Rochas. O amor de Fini pelo design para o palco e a tela pode ter derivado de sua paixão por máscaras extravagantes, trajes elaborados e drama fantástico. Ela criou projetos, figurinos e posters premiados para a Ópera de Paris e a Associação Metropolitana de Ópera, Le Palais de cristal de George Balanchine (agora chamado Sinfonia em C), Les Demoiselles de la nuit de Anouilh, Romeu e Julieta de Renato Castellani, Wagner's Tannhäuser, Bérénice de Racine, The Maids e The Balcony de Jean Genet, o 8 1/2 de Federico Fellini e A Walk With Love de John Huston, o primeiro filme de Anjelica Huston.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/leonor-fini/obras-e-biografia

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Leonora Weissmann (1982, Belo Horizonte), graduada em pintura e gravura, com mestrado em artes pela Escola de Belas-Artes da UFMG. Participou de diversas exposições coletivas e individuais no Brasil e no exterior, nas áreas das artes plásticas e gráficas, atuando principalmente com pintura em exposições na Martha Pagy Escritório de Arte (RJ), AM Galeria de Arte (MG), SP-Arte (SP), Galeria de Arte da Cemig (MG), Espaço Cultural Vallourec (MG), Museu Mineiro (MG), Sesc-Ribeirão Preto (SP), Espaço Cultural BDMG (MG), Instituto dos Arquitetos do Brasil (MG), Palácio das Artes (MG), Exposição Fiat Mostra Brasil no porão da Bienal de São Paulo (SP), VII Salão do Recôncavo, entre outras além de exposições na Africa, Itália, França e Suíça. Em 2015 integrou a coletiva “Álbum de família”, no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, no Rio de Janeiro, sob a curadoria de Daniella Geo. Fez parte da residência de pintura Caravane d’artistes 2, no Centre Soleil d’Afrique, em Bamako, Mali, África, onde além da oficina da técnica Bogolan, participou da exposição “Bogolan photo”, evento paralelo ao Fórum Social Mundial – “Um mundo melhor é possível”. Foi selecionada e premiada por projetos como o Garimpo da revista Dasartes, Fiat Mostra Brasil, Prêmio Chamex de Arte Jovem, Salão da Juventude de Ribeirão Preto e, como cantora, no Festival da Canção de Tatuí e Cantoras Daqui, promovido pelo BDMG Cultural. Atua também como cantora e letrista e atualmente integra o Coletivo ANA de cantoras e compositoras.

REFERÊNCIAS

Texto e imagem retirados do site da artista | foto de Alexandre Fonseca

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Leopoldo Francisco Raimo (Botucatu, São Paulo, 1912 - São Paulo, São Paulo, 2001). Pintor, gravador e médico. Muda-se com a família para a capital paulista em 1918. Durante o curso no Ginásio do Estado (de 1924 a 1930), Raimo tem aulas com o pintor acadêmico Oscar Pereira da Silva (1867-1939). Em 1931, estuda durante um semestre na Escola Paulista de Belas Artes. Escolhe a medicina como profissão, frequentando entre 1932 e 1937 a Faculdade de Medicina da Universidade de São Paulo (FMUSP) e atuando como médico desde então. Entre 1951 e 1958, participa do Atelier Abstração, onde estuda com o artista romeno Samson Flexor (1907-1971), membro da Escola de Paris, que fixara residência com a família em São Paulo em 1948. Em 1956, integra a diretoria artística do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), tomando parte na elaboração do regulamento da 4ª Bienal Internacional de São Paulo. Em 1959, estuda gravura na Escola de Artesanato do MAM/SP, sendo então orientado por Lívio Abramo (1903-1992). Raimo é um dos membros-fundadores do Núcleo dos Gravadores de São Paulo (Nugrasp). Em 1976, integra o conselho de arte e cultura da Fundação Bienal para a 14ª Bienal Internacional de São Paulo.

REFERÊNCIAS

LEOPOLDO Raimo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa23677/leopoldo-raimo>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

LÍVIO ABRAMO (NASCEU EM: 1903, ARARAQUARA, SP – FALECEU EM: 1992, ASSUNÇÃO, PARAGUAI) UM DOS MAIS RENOMADOS GRAVURISTAS BRASILEIROS. SUA OBRA, INFLUENCIADA PELO EXPRESSIONISMO E MODERNISMO, DESTACOU-SE PELO ENGAJAMENTO POLÍTICO E PELA ABORDAGEM DE TEMAS SOCIAIS E CULTURAIS, COMO AS DESIGUALDADES E O UNIVERSO SERTANEJO. TRABALHOU COM XILOGRAVURA, LITOGRAFIA E GRAVURA EM METAL. REPRESENTOU O BRASIL NA BIENAL DE VENEZA (1958) E PARTICIPOU DE VÁRIAS EDIÇÕES DA BIENAL DE SÃO PAULO, RECEBENDO O PRÊMIO DE MELHOR GRAVADOR EM 1951. FUNDOU O TALLER DE GRABADO NA UNIVERSIDADE NACIONAL DE ASSUNÇÃO, PROMOVENDO A GRAVURA NO PARAGUAI.  

REFERÊNCIAS

https://catalogodasartes.com.br/artista/Livio%20Abramo/

https://www.escritoriodearte.com/artista/livio-abramo

 

BIOGRAFIA

Lothar Charoux (Viena, Áustria, 1912 - São Paulo, São Paulo, 1987). Pintor, desenhista, professor. Inicia estudos artísticos com seu tio, o escultor austríaco Siegfried Charoux. Vem para o Brasil em 1928, e fixa-se em São Paulo. Na década de 1930, matricula-se no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo (Laosp), onde conhece Waldemar da Costa (1904 - 1982), com quem, a partir de 1940, estuda pintura. Pinta paisagens e retratos. Posteriormente passa a lecionar desenho no Liceu de Artes e Ofícios e no Senai. Em 1947, realiza sua primeira exposição individual, na Galeria Itapetininga. A partir de 1948, Charoux volta-se a questões construtivas. Em 1952, participa da fundação do Grupo Ruptura, ao lado de artistas como  Waldemar Cordeiro (1925 - 1973) e Geraldo de Barros (1923 - 1998). Com Hermelindo Fiaminghi (1920 - 2004) e Luiz Sacilotto (1924 - 2003), cria a Associação de Artes Visuais NT - Novas Tendências, em 1963. É homenageado com retrospectiva no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ) em 1974. Em 2005, é publicado o livro Lothar Charoux: A Poética da Linha, pela historiadora de arte Maria Alice Milliet. Análise A obra de Lothar Charoux, na década de 1940, é bastante diversificada. O artista realiza paisagens, em que apresenta proximidades formais com a pintura de Waldemar da Costa e do Grupo Santa Helena, e retratos de caráter expressionista. A partir de 1948, Charoux volta-se às questões construtivas. Para a historiadora da arte Ana Maria Belluzzo, o artista trabalha freqüentemente com uma trama prévia, que organiza o campo visual dos quadros. Na década de 1950, realiza a série dos desenhos negros, nos quais explora a oposição gráfica do traço branco com relação a uma superfície negra, promovendo seu valor luminoso. Em outras obras, busca propiciar uma tensão entre figura e fundo, por meio de formas geométricas vazadas, que cortam o plano em diferentes direções. Para o historiador Walter Zanini, a participação de Charoux no Grupo Ruptura contribui para a maturidade atingida pelo movimento concretista naqueles anos. Em sua obra, o artista explora com criatividade e habilidade as questões da linha, do movimento e do equilíbrio, assim como as vibrações óticas e os mais variados jogos combinatórios.

REFERÊNCIAS

LOTHAR Charoux. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8761/lothar-charoux>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Nasceu em 1998 e passou parte da infância em Buíque/PE, atualmente mora em Campinas na Moradia da UNICAMP, cresceu na casa do avô em Buíque e desde a infância gostava de desenhar o que via, da troca de espaço e energia potente existente no desenhar o que se vê. De família humilde trabalhou com costura para bancar os estudo e materiais de aprendizado, teve seu primeiro contato com a gravura em um espaço aberto e inicialmente odiou o contato com as matrizes e desistiu das gravuras, até que começou a aprender desenho onde aprendeu as diferentes técnicas de perspectiva, proporção e movimento. Volta a ter contato com a gravura e aprecia o ambiente diferente proporcionado, principalmente na ilustração de livros. Entra no Xiloceasa onde se especializa em gravuras e audiovisual, entrando para o catálogo Alma Brasileira do Instituto Acaia com a estampa “Aú”, um movimento do jogo de capoeira que gostava de fazer, trabalho que foi seu primeiro reconhecimento formal, posteriormente a estampa tomou forma nos aventais e toalhas do Instituto dando ao artista seu gosto de reconhecimento. Com o caminho da arte definido para a vida, Luiz Lira entrou na faculdade por uma questão política, para ter um lugar de legitimação da fala, a partir da educação. Trabalha as cores e formas separadamente, e toma tempo para apreciar e entender a obra que fez, procurando sempre atender e satisfazer ao gesto sobre a cabeça.     Xiloceasa é um grupo de São Paulo, formado em 2005 no Instituto Acaia. Reúne jovens talentos da periferia e ajuda a manter viva a arte da xilogravura. Promove a inserção social por meio da ação pedagógica, do convívio e do estímulo de jovens e adultos. A série "Xiloceasa - A favela como ateliê" é uma realização do Sesc Santo Amaro, criada para contar histórias, mostrar processos de criação e dar visibilidade ao trabalho de jovens artistas plásticos que compõem o coletivo Xiloceasa.

REFERÊNCIAS

Fonte: https://www.instagram.com/p/CHwHFLOHilp/

BIOGRAFIA

Luiz Paulo Baravelli (São Paulo SP 1942). Pintor, desenhista, escultor, gravador, professor, cronista. Cursa desenho e pintura na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, entre 1960 e 1962. Nessa época, estuda com Wesley Duke Lee (1931 - 2010), cuja obra torna-se uma referência importante em sua produção. Em 1964, inicia o curso de arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP). Leciona desenho na Escola Superior de Desenho Industrial de Ribeirão Preto e no Instituto de Artes e Decoração (Iade), em São Paulo. Participa da fundação da Escola Brasil:, juntamente com Carlos Fajardo (1941), José Resende (1945) e Frederico Nasser (1945). É co-editor da revista Malasartes, entre 1975 e 1976, e da revista Arte em São Paulo, no período de 1981 a 1983. Escreve também crônicas para o jornal Folha de S. Paulo, entre 1985 e 1986. No início de sua carreira, realiza pinturas que se aproximam da arte pop. No fim dos anos 1960, cria objetos com base em materiais industrializados. A partir da década 1970, passa a dedicar-se exclusivamente à pintura. Realiza obras nas quais emprega freqüentemente suportes de formato irregular, sendo temas predominantes a paisagem urbana e a figura humana.

REFERÊNCIAS

• LUIZ Paulo Baravelli. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa3291/luiz-paulo-baravelli>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
  ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Maciej Antoni Babinski (Varsóvia, Polônia 1931). Gravador, ilustrador, pintor, desenhista, professor. Em 1940, migra com a família para a Inglaterra, por causa da Segunda Guerra Mundial, 1939-1945. Inicia sua formação artística, tendo aulas de aquarela com o padre Raphael Williams O.S.B., que o introduz na técnica da pintura ao ar livre. Em 1949, fixa-se com a família em Montreal, Canadá, onde estuda pintura com John Goodwin Lyman, na McGill University. Além disso, tem aulas de gravura com Eldon Grier e faz cursos de desenho e pintura com Goodrich Roberts, na Art Association of Montreal. No ateliê de Roberts, pinta paisagens, interiores e naturezas-mortas. Paralelamente aproxima-se do grupo de vanguarda Les Automatistes [Os Automatistas], reunido em torno de Paul-Émile Borduas, e expõe com eles, em 1952, no Musée des Beaux-Arts de Montréal [Museu de Belas Artes de Montreal]. Ainda na fase canadense, realiza sua primeira individual, em 1953. Nesse mesmo ano, muda-se para o Brasil, e permanece no Rio de Janeiro até 1965. No período carioca entra em contato com Oswaldo Goeldi, Augusto Rodrigues e Darel, e participa de diversos salões e mostras coletivas. Realiza, em 1961, 24 águas-fortes para o livro Cadernos de João, de Aníbal Machado, editado pelos Cem Bibliófilos do Brasil. A galeria Selearte, em São Paulo, e a Petite Galerie, no Rio de Janeiro, abrigam suas primeiras individuais no Brasil, em 1962 e 1964, respectivamente. Em 1965 é convidado a lecionar no Instituto Central de Artes da Universidade de Brasília - ICA/UnB, da qual se afasta um ano depois em virtude de perseguições políticas. Após viver oito anos em São Paulo, de 1966 a 1974, muda-se para Minas Gerais, primeiro para Araguari e depois para Uberlândia, e vai lecionar na Universidade Federal de Uberlândia - UFU, onde fica de 1979 até 1987. Com a anistia política é reintegrado à UnB em 1988, lá permanece até se aposentar, em 1991, quando passa a residir em Várzea Alegre, interior do Ceará. Em 2004, é realizada a retrospectiva Babinski: 50 Anos de Brasil, no Conjunto Cultural da Caixa, em Brasília.

REFERÊNCIAS

BABINSKI . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10210/babinski>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Manabu Mabe (Kumamoto, Japão 1924 - São Paulo SP 1997). Pintor, gravador, ilustrador. De Kobe, Japão, emigra com a família para o Brasil em 1934, para dedicar-se ao trabalho na lavoura de café no interior do Estado de São Paulo. Interessado em pintura, começa a pesquisar, como autodidata, em revistas japonesas e livros sobre arte. Em 1945, na cidade de Lins, aprende a preparar a tela e a diluir tintas com o pintor e fotógrafo Teisuke Kumasaka. No fim da década de 1940, em São Paulo, conhece o pintor Tomoo Handa a quem apresenta seus trabalhos. Integra-se ao Grupo Seibi e participa das reuniões de estudos do Grupo 15. No ano seguinte adquire conhecimentos técnicos e teóricos com o pintor Yoshiya Takaoka. Nos anos 1950 toma parte nas exposições organizadas pelo Grupo Guanabara. Em 1957 vende seu cafezal em Lins e muda-se para São Paulo para dedicar-se exclusivamente à pintura. No ano seguinte, recebe o Prêmio Leirner de Arte Contemporânea. Em 1959, é homenageado com o artigo intitulado The Year of Manabu Mabe [O ano de Manabu Mabe], publicado na revista Time, em Nova York. Conquista prêmio de melhor pintor nacional na 5ª Bienal Internacional de São Paulo e prêmio de pintura na 1ª Bienal de Paris. Nos anos 1980 pinta um painel para a Pan American Union em Washington, Estados Unidos; ilustra O Livro de Hai-Kais, tradução de Olga Salvary e edição de Massao Ohno e Roswitha Kempf; e elabora a cortina de fundo do Teatro Provincial, em Kumamoto, Japão. Comentário Crítico Manabu Mabe vem com a família para o Brasil em 1934 e trabalha na lavoura de café no interior do Estado de São Paulo. Em 1941, reside na cidade de Lins, onde realiza desenhos a crayon e aquarelas. Dedica-se a essa atividade apenas nos dias de chuva - quando não pode trabalhar - e aos domingos. Adquire suas primeiras tintas a óleo em 1945. Dilui as tintas em querosene e utiliza como suporte para as pinturas o papelão ou a madeira. Nesse período, recebe orientação artística do pintor e fotógrafo Teisuke Kumasaka. Em 1947, em uma viagem a São Paulo conhece o pintor Tomoo Handa, que o incentiva a ter a natureza como fonte de inspiração. No ano seguinte, estuda com o pintor Yoshiya Takaoka, que lhe transmite ensinamentos técnicos e teóricos sobre pintura. Nesse período, participa do Grupo Seibi e integra o Grupo 15, com Yoshiya Takaoka, Shigueto Tanaka e Tomoo Handa, entre outros. Dedica-se ao estudo do nu artístico, pinta paisagens e naturezas-mortas, primeiramente em estilo mais conservador e depois aproxima-se progressivamente do impressionismo e fauvismo. Na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, toma contato com obras de artistas da Escola de Paris, como Jean Claude Aujame, André Minaux, André Marchand e Bernard Lorjou, experiência que, segundo o próprio artista, modifica sua forma de pensar e a atitude perante a pintura. No começo da década de 1950, apresenta em suas telas formas geometrizadas, aproximando-se do cubismo, e figuras contornadas por grossos traços negros. Sua produção dialoga com a obra de Pablo Picasso e de Candido Portinari, pelos quais mantém forte admiração, como podemos observar em Carregadores ou Colheita de Café, ambas de 1956. Gradualmente, adere à abstração e, em 1955, pinta sua primeira obra abstrata Vibração-Momentânea. Muda-se com a família para São Paulo em 1957, a fim de iniciar a carreira de pintor profissional. Recebe, em 1959, o Prêmio Leirner de Arte Contemporânea, com as pinturas abstratas Grito e Vitorioso, ambas realizadas em 1958. As obras aludem ao sentimento de alegria do artista pelo convite para participação no evento. Vitorioso é ainda uma homenagem à atuação de Pelé na Copa do Mundo do ano anterior. Em 1959, participa da 5ª Bienal Internacional de São Paulo, com as obras Composição Móvel, Pedaço de Luz e Espaço Branco, todas daquele ano, e recebe o prêmio de Melhor Pintor Nacional. As pinturas destacam-se pelas grandes manchas cromáticas, executadas em gestos rápidos e largos, em que se percebe o equilíbrio entre a espontaneidade e a contenção. Nessas telas, encontramos referências à tradicional arte da caligrafia japonesa. Consagra-se, no mesmo ano, nacional e internacionalmente: é premiado na 1ª Bienal dos Jovens de Paris; a revista Time dedica-lhe um artigo, intitulado The year of Manabu Mabe [O ano de Manabu Mabe]; e, no ano seguinte, é premiado na 30ª Bienal de Veneza. Torna-se assim um dos artistas mais destacados do abstracionismo informal brasileiro. Realiza exposições individuais e participa de mostras coletivas na América Latina, Europa e nos Estados Unidos. No início de sua trajetória no campo da abstração, Manabu Mabe explora em suas obras o empastamento, a textura e o traço e se revela um colorista de porte. Ao voltar-se para o universo das formas caligráficas, percebe também as possibilidades de criar uma linguagem lírica com a cor. Dessa forma, em meados da década de 1960, começa a aproximar-se também de certos aspectos do tachismo. Os títulos de suas obras evocam emoções ou fenômenos da natureza como, em Canção Melancólica, 1960, Primavera, 1965, Vento de Equador, 1969, Outono Tardio, 1973, Meus Sonhos, 1978 ou Viver, 1989. A partir da década de 1970, cristaliza seus procedimentos anteriores - que reaparecem estilizadamente em quase toda sua produção -, incorpora em seus quadros figuras humanas e formas de animais, apenas insinuadas ou sugeridas, mas que em geral são representadas em grandes dimensões. Paralelamente, as grandes massas transparentes e etéreas com que vinha trabalhando adquirem um aspecto de solidez.

REFERÊNCIAS

Referência: Itaú Cultural

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Manuel Araújo (Cabo de Santo Agostinho, Pernambuco, 1910 - São Paulo, São Paulo, 1993). Pintor, gravador, serígrafo, cantor e compositor. Muda-se para Recife em 1916 e cursa a Escola de Comércio de Pernambuco nos anos 1920. Dedica-se à música a partir da década de 1930, compõe e canta emboladas, além de gravar cerca de uma centena delas. Começa a pintar em 1950, de maneira autodidata. Em 1957, morando no Rio de Janeiro, desiste da carreira de músico e abre restaurante de comidas típicas nordestinas, dedicando-se concomitantemente a atividades comerciais e à pintura. Em 1963, acontece a sua primeira exposição individual, em São Paulo, na Galeria Astréia e, dois anos depois, ocorre outra individual, na Galeria Capela. Publica, no Rio de Janeiro, o álbum de serigrafias Meu Brasil, de 1968,  com apresentação de Aldemir Martins (1922-2006).

REFERÊNCIAS

MANEZINHO Araújo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9835/manezinho-araujo>. Acesso em: 23 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

MANOEL SANTIAGO (NASCEU EM: 1897, MANAUS – FALECEU EM: 1987, RIO DE JANEIRO) ARTISTA PLÁSTICO DE DESTAQUE NA MODERNIDADE ARTÍSTICA NACIONAL. FORMADO EM DIREITO, ESTUDOU NA ESCOLA NACIONAL DE BELAS ARTES, ONDE FOI ALUNO DE RODOLPHO CHAMBELLAND, BATISTA DA COSTA E ELISEU VISCONTI. RECEBEU O PRÊMIO DE VIAGEM DO SALÃO NACIONAL DE BELAS ARTES EM 1927, QUE O LEVOU A PARIS. DE VOLTA AO BRASIL, LECIONOU NO NÚCLEO BERNARDELLI A PARTIR DE 1934, INFLUENCIANDO ARTISTAS COMO PANCETTI E MILTON DACOSTA. SUAS OBRAS, MARCADAS PELO DOMÍNIO DO PLEIN AIR, DESTACAM-SE PELA PALETA VIBRANTE E ATMOSFERAS LUMINOSAS. CASADO COM A PINTORA HAYDÉA SANTIAGO, CONTRIBUIU SIGNIFICATIVAMENTE PARA A FORMAÇÃO DE ARTISTAS MODERNISTAS E PARA A INOVAÇÃO DA ARTE BRASILEIRA.

REFERÊNCIAS

www.bolsadearte.com/oparalelo/manoel-santiago-mestre-impressionista

BIOGRAFIA

Chagall nasceu em 1887, na Rússia Czarista, mais precisamente no “Território do Acordo” ou “Zona Residencial” onde era permitida a residência de judeus junto com uma população local de russos cristãos. Essa “Zona Residencial” compreendia a Bielorrúsia, a Ucrânia, a Polônia e a Lituânia. A cidade em que nasceu – Vitebsk – tinha 50 mil habitantes, sendo a metade judia. Vitebsk contava com uma catedral e uma igreja rodeadas de belas casas, mas a numerosa família de Marc Chagall morava na parte pobre da cidade. Ele era o mais velho de nove filhos, entre os quais se destacava, pois falava russo ao invés de ídiche, havia tido aulas de violino e canto e começara a desenhar. Já adolescente, solicitou com muita perseverança a autorização de residência na Capital, exigida aos judeus. Em São Petersburgo, recebeu uma bolsa de estudos que lhe permitiu estudar em uma afamada escola com o pintor Leon Bakst. Apesar de ser muito religiosa, sua família entendeu seu desejo de explorar um mundo pictórico sem limitações iconográficas, no qual a figura humana sempre está presente. Nessa época conheceu a jovem que seria sua esposa, Bella Rosenfeld. Em 1910 chegou o momento de buscar novos horizontes: Paris. Um mês antes, Leon Bakst havia se instalado na capital francesa. Foram tempos duros, de muita pobreza, porém Marc Chagall continuou trabalhando sem parar. Foi a época do descobrimento do impressionismo, do surrealismo, do cubismo e do fauvismo. Aprendeu novas técnicas, mas continuou fiel à sua maneira de pintar, retratando Vitebsk com sua catedral e igreja, junto com as casinhas de madeira, seus habitantes, porém, de uma maneira muito poética. Pode-se dizer que Marc Chagall foi um artista solitário em seu mundo de recordações e simbologias. Na primavera de 1914, seu amigo, o poeta Apollinaire lhe consegue sua primeira exposição individual em Berlim. Chagall vê a oportunidade de visitar Rússia, sua família e Bella. Mesmo em época de guerra consegue um visto de três meses, mas chegando na Rússia fecham-se as fronteiras e ele fica ali por oito anos. É um período de muita produção e do seu casamento com Bella. Chegou a Revolução Bolchevique e Chagall aderiu a ela com entusiasmo. Obteve o cargo de Comissário de Belas Artes em Vitebsk. Para o individualista Chagall foi difícil adaptar sua pintura às diretrizes do partido. Mudou-se para Moscou com sua mulher e filha. Logo conseguiu voltar a Paris, sua segunda Vitebsk. Em Paris, sua carreira deslanchou. Os poetas franceses elogiaram a poesia em seus trabalhos: amantes, luas, flores, o mundo circense e, sempre, Vitebsk. Na década de 1930, a atmosfera de sua obra mudou, ficou obscura e com temas judaicos, na qual a solidão se instalou. É época do nazismo, os perigos o ameaçam, seu povo e a toda Europa. Trabalhou muito com a figura de Cristo e às cores que usava soma-se o vermelho ameaçador. Os nazistas chegaram na França e Chagall mudou-se para Nova York, seu exílio durante os anos da guerra. Sua força criativa perdeu vigor, o pintor estava aflito e esgotado. Em 1944, Bella morreu de um vírus misterioso, jovem ainda. Essa grande perda no meio da guerra deixou o pintor em uma profunda depressão. Passaram-se 25 anos de trabalho criativo e Chagall voltou a Paris em 1948. Os temas de sua obra estavam todos presentes: Vitebsk, seus personagens, os animais substituindo pessoas, os amantes, Cristo sofredor, as flores, e agora a Torre Eiffel. Mudou-se para Cap Ferrat e casou com Valentina Brodsky (Vavá). Começou a dedicar-se à gravura e são os temas bíblicos que nela predominam. Também usou esses motivos nos seus famosos vitrais tanto em sinagogas como em igrejas. Sempre ativo, descobriu com Picasso a cerâmica que usou até o fim de sua vida. Ao morrer, deixou uma obra cheia de humanidade.

REFERÊNCIAS

Texto retirado de: https://chagall.org.br/marc-chagall/

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Marcello Nitsche (São Paulo, São Paulo, 1942 - idem 2017). Pintor, artista intermídia, escultor, desenhista, gravador, professor. Cursa a Faculdade de Belas Artes da Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, onde conclui a licenciatura em desenho, em 1969. Recebe, nesse ano, o prêmio da Prefeitura do Município de São Paulo para obra de pesquisa mais relevante na Bienal Internacional de São Paulo. No início da carreira, atua como gravador, passando logo depois a se dedicar à pintura. Aproxima-se da arte pop, realizando pinturas inspiradas no processo de elaboração da imagem utilizado nas histórias em quadrinhos. Desde os anos 1980, a gestualidade da pintura e a trama de pinceladas passam a ser temas centrais em sua produção. Possui esculturas em espaços públicos, como Garatuja, 1978, uma estrutura modulada, instalada na praça da Sé, e Pincelada Tridimensional, 2000, no parque da Luz, ambas em São Paulo. Em pinturas realizadas a partir de 2001, inspira-se nos códigos de barra, e explora linhas verticais e seqüências de números.

REFERÊNCIAS

MARCELLO Nitsche. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10447/marcello-nitsche>. Acesso em: 16 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Marcelo Cipis (São Paulo SP 1959). Pintor, desenhista e ilustrador. Inicia sua formação em artes plásticas, em 1968, no ateliê livre de criação coordenado por Naum Alves de Souza (1942), na Fundação Armando Álvares Penteado - Faap. Freqüenta o ateliê de Fanny Abramovitch, entre 1970 e 1971, e tem aulas com Luiz Paulo Baravelli (1942), em 1976. No ano seguinte, ingressa na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo - FAU/USP, formando-se em 1982. Nesse período começa a trabalhar como ilustrador em revistas e jornais e estuda aquarela com Rubens Matuck (1952). De 1983 a 1985 tem aulas de desenho e pintura com Dudi Maia Rosa (1946). Participa, em 1984, da 11ª Bienal de Artes Gráficas de Brno, na Tchecoslováquia, atual República Tcheca. Realiza sua primeira individual em 1988, na Galeria Documenta, em São Paulo. Participa da 21ª Bienal Internacional de São Paulo, com a instalação Cipis Transworld, das 4ª e 5ª edições da Bienal de Havana, Cuba. Recebe, em 1994, o Prêmio Jabuti pela capa do livro Como Água para Chocolate, de Laura Esquivel, publicado pela Editora Martins Fontes. Em 2000 ganha bolsa da Pollock-Krasner Foundation em São Paulo. Produz ilustrações para vários jornais, revistas e livros infantis.

REFERÊNCIAS

MARCELO Cipis. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa4897/marcelo-cipis>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Marcelo Grassmann (São Simão, São Paulo, 1925 - São Paulo, São Paulo, 2013). Gravador, desenhista, ilustrador, professor. Estuda fundição, mecânica e entalhe em madeira na Escola Profissional Masculina do Brás, em São Paulo, entre 1939 e 1942. Passa a realizar xilogravuras a partir de 1943. Atua como ilustrador do Suplemento Literário do Diário de São Paulo, entre 1947 e 1948, e do jornal O Estado de S. Paulo, em 1948. Reside no Rio de Janeiro a partir de 1949, atuando como ilustrador do Jornal do Estado da Guanabara. Freqüenta, no Liceu de Artes e Ofícios, os cursos de gravura em metal, com Henrique Oswald (1918-1965), e de litografia, com Poty Lazzarotto (1924-1998). Em 1952, reside em Salvador, onde trabalha com Mario Cravo Júnior (1923). Recebe, em 1953, o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM), e viaja para Viena, onde estuda na Academia de Artes Aplicadas. Passa a dedicar-se principalmente ao desenho, à litografia e à gravura em metal. Em 1969, sua obra completa é adquirida pelo governo do Estado de São Paulo, passando a integrar o acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo (Pesp). Em 1978, a casa em que nasceu, em São Simão, é transformada em museu, por iniciativa da Secretaria de Cultura, Ciência e Tecnologia de São Paulo, e tombada pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Artístico, Arqueológico e Turístico do Estado de São Paulo (Condephaat) no mesmo ano. Entre 1991 e 1992, Grassmann é bolsista da Fundação Vitae, em São Paulo.

REFERÊNCIAS

MARCELO Grassmann. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8824/marcelo-grassmann>. Acesso em: 27 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Marcos Coelho Benjamim (Nanuque MG 1952). Escultor, pintor, cartunista, designer gráfico, ilustrador, desenhista e cenógrafo. Em 1969, muda-se para Belo Horizonte. No colégio, começa de forma autodidata a desenhar quadrinhos e, em 1971, passa a colaborar com charges e ilustrações em jornais mineiros. Entre 1971 e 1972, conhece, por intermédio de Manfredo de Souzanetto (1947), os artistas Lotus Lobo (1943) e Noviello (1929) e o colecionador Gilberto Chateaubriand, que adquire alguns de seus desenhos. Participa da 12ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1973. Em 1974, conquista o prêmio viagem ao México no 2° Salão Global de Inverno de Belo Horizonte e, em 1977, o grande prêmio da International Cartoon Exhibition, em Atenas. Ainda em 1977, volta a sua cidade natal, e lá permanece por um ano, época em que tem a oportunidade de fazer uma série de brinquedos de materiais reciclados e orgânicos para seus filhos. Participa, em 1979, de caravana de artistas promovida por Paulo Laender (1945) para o vale do Jequitinhonha, Minas Gerais, onde tem contato com diversos artesãos locais e passa a dedicar-se à criação de objetos tridimensionais e instalações. Cria, em 1988, a cenografia dos espetáculos Uatki e Mulheres, do Grupo Corpo, de Belo Horizonte. Em 1989, com o convite para expor na 20ª Bienal Internacional de São Paulo, inicia a fase de produção de obras em grandes escalas e dimensões. Análise Autodidata, Marcos Coelho Benjamim muda-se, em 1969, de sua cidade natal, Nanuque, Minas Gerais, para Belo Horizonte, onde passa a produzir histórias em quadrinhos e desenhos de humor, com os quais colabora em diversas publicações. Em 1976, começa a realizar aquarelas povoadas por figuras fantásticas, nas quais mantém afinidades com a obra de Marcelo Grassmann (1925). A repetição de ritmos, de gestos gráficos e o gosto pela geometria caracterizam a sua produção. O artista serve-se de materiais usados e com superfícies ásperas e gastas, como velhas latas de óleo, madeira de restos de construção ou de demolição e cones de metal oxidados, freqüentemente enquadrados em caixas de madeira. No começo da década de 1990, passa a realizar trabalhos em grandes dimensões, como as delicadas obras de formas circulares, retangulares e trapezóides, que compõe fixando delgadas estrias de zinco sobre suportes de madeira. Benjamim cria também peças em mosaico com as pedras retiradas da região de São Tomé das Letras, Minas Gerais, por vezes coloridas com pigmento de pó de xadrez azul ultramarino. A irregularidade natural das pedras acresce um valor táctil à obra. Para a historiadora da arte Aracy Amaral, o trabalho de Marcos Coelho Benjamim revela grande ligação com a cultura popular de Minas Gerais, em sua tradição de trabalho artesanal e no reaproveitamento dos materiais.

REFERÊNCIAS

MARCOS Coelho Benjamim. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8926/marcos-coelho-benjamim>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Maria Anna Olga Luiza Bonomi (Meina, Itália 1935). Cenógrafa e figurinista. Realiza cenários e figurinos de destaque nos anos 1960, principalmente ao lado do diretor Antunes Filho, com quem realiza trabalhos em que cenografia e encenação interagem num amálgama artístico de primeira grandeza. Opta pela nacionalidade brasileira em 1953, formando-se em desenho na Universidade de Columbia, Nova York, em 1956, tornando-se artista plástica. Seu primeiro trabalho como cenógrafa é em As Feiticeiras de Salém, de Arthur Miller, em 1960, para o Pequeno Teatro de Comédia. No ano seguinte, para essa mesma companhia, faz Sem Entrada e Sem Mais Nada, de Roberto Freire, ambos espetáculos de Antunes Filho, seu futuro marido. Em 1962, no Teatro Brasileiro de Comédia (TBC), está em Yerma, de Federico García Lorca, outra encenação de Antunes, levando o Prêmio Associação Paulista de Críticos de Teatro (APCT), de melhor figurino. Logo a seguir, faz A Morte do Caixeiro Viajante, de Arthur Miller, uma direção de Flávio Rangel para a casa. Para o Teatro da Esquina, empreendimento de Antunes e Ademar Guerra, Maria faz dois trabalhos de grande relevo: A Megera Domada, de William Shakespeare, em 1965, premiada com o Saci, Molière e APCT de melhor cenógrafa, e A Cozinha, de Arnold Wesker, 1968, em que ganha melhor cenografia pelo Prêmio Governador do Estado, ambos conduzidos por Antunes. Para o mesmo diretor, em 1967, cenografa Black-Out, de Frederick Knott, reproduzindo um autêntico apartamento nova-iorquino para ambientar a ação. Para o mesmo encenador cria, em 1970, os figurinos de Peer Gynt, de Henrik Ibsen, sendo novamente premiada. Em 1971, cria o apartamento do publicitário de Corpo a Corpo, de Oduvaldo Vianna Filho, sua última colaboração com Antunes Filho, de quem se separa em 1972. Com Ademar Guerra, no Paraná, faz dois trabalhos bem-sucedidos: A Colônia Cecília, de Renata Palottini, em 1984, e Noite na Taverna, de Álvares de Azevedo, 1989, duas superproduções envolvendo elencos numerosos. Sobre a importância da parceria artística entre Maria e Antunes, comenta o diretor Ademar Guerra: "Depois de Doce Pássaro, Antunes Filho volta da Europa e dirige no Pequeno Teatro de Comédia As Feiticeiras de Salém, de Arthur Miller, e Sem Entrada e Sem Mais Nada, de Roberto Freire. Nessa época, Maria Bonomi entra na vida do Antunes. Ela o faz mudar. Maria foi a ponte para Antunes dar seu grande salto qualitativo. A sua influência na carreira dele é muito grande. Eles se conheceram em As Feiticeiras de Salém - ela fazia cenário e figurino. Ali Maria começa a ampliar a visão de Antunes. Ela percebe o gênio e o estimula a se abrir para as coisas que ele poderia entender e fazer. Sem Maria, não sei o que seria do Antunes. Ela o ajuda a queimar etapas, de uma forma positiva. O que me impressionou na Maria Bonomi, desde que a conheci, é que está sempre muitos anos à frente. Ela intui as coisas antes que aconteçam. Devia abrir uma tenda, dessas que lêem o futuro, tamanha a sua capacidade de se antecipar aos fatos, às tendências... ".1 Notas 1. GUERRA, Ademar: Depoimento sobre Maria Bonomi. In: MENDES, Oswaldo. Ademar Guerra: teatro de um homem só. São Paulo: Senac, 1997. p. 43.

REFERÊNCIAS

MARIA Bonomi. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8447/maria-bonomi>. Acesso em: 27 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Anne Marie Nivouliés de Pierrefort (Toulon, França, 1879 - Rio de Janeiro, RJ, 1958). Ela foi uma pintora impressionista. Quando criança foi para uma escola de freiras, onde posteriormente conseguiu uma bolsa de estudos na Escola de Belas Artes de Paris. Conheceu ateliês de pintores impressionistas famosos, como Pierre Auguste Renoir e Pierre Bonnard. Em 1910, foi premiada com uma viagem para a Escola de Belas Artes de Paris, onde viajou para Tunísia, pintando várias paisagens clássicas do mediterrâneo. Morando na ilha de Paquetá, no Rio de Janeiro, pintou várias paisagens, que davam vista de sua janela. Realizou duas exposições individuais de suas pinturas no Museu Nacional de Belas Artes, de 1946 a 1956. A artista expôs também suas obras no Salão Independente em Paris, no Salão Nacional de Belas Artes no Rio de Janeiro e no Primeiro Salão Municipal de Belas Artes do Rio de Janeiro. Sergio Telles realizou uma retrospectiva em homenagem a amiga no Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro, no MASP, no Museu de Arte de Buenos Aires e no Museu Nacional de Toulon.

REFERÊNCIAS

Fonte: https://www.guiadasartes.com.br/marie-nivoulies-de-pierrefort/biografia

BIOGRAFIA

Mário Gruber Correia (Santos, São Paulo, 1927). Pintor, gravador, escultor, muralista. Autodidata, começa a pintar em 1943. Muda-se para São Paulo em 1946 e matricula-se na Escola de Belas Artes, onde é aluno do escultor Nicolau Rollo (1889-1970). Em 1947, ganha o primeiro prêmio de pintura na exposição do grupo 19 Pintores. No ano seguinte realiza sua primeira exposição individual e passa a estudar gravura com Poty (1924-1998) e a trabalhar com Di Cavalcanti (1897-1976). Recebe bolsa de estudo em 1949, vai morar em Paris, estuda na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes] com o gravador Édouard Goerg (1893-1969) e trabalha com Candido Portinari (1903-1962). Retorna ao Brasil em 1951 e funda o Clube de Gravura (posteriormente Clube de Arte) em sua cidade natal, onde volta a residir. É professor de gravura no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) em 1953, e dá aulas de gravura em metal na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, entre 1961 e 1964. Monta ateliê de gravura em São Paulo em 1970. De 1974 a 1978, mora em Paris, depois, ao retornar ao Brasil, mora em Olinda, Pernambuco. Em 1979, monta ateliê em Nova York. De volta a São Paulo, realiza obras de grande porte em espaços públicos como a estação Sé do Metrô e o Memorial da América Latina. Na década de 2000, continua a trabalhar intensamente, com uma produção anual de 100 a 120 obras.

REFERÊNCIAS

MÁRIO Gruber. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10118/mario-gruber>. Acesso em: 28 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Mário Zanini (São Paulo SP 1907 - idem 1971). Pintor, decorador, ceramista, professor. Aos 13 anos, inicia curso de pintura da Escola Profissional Masculina do Brás, em São Paulo. Trabalha como letrista na Companhia Antarctica Paulista, entre 1922 e 1924. Em 1924, matricula-se no curso noturno de desenho e artes do Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo - Laosp, que conclui em 1926. Conhece Alfredo Volpi em 1927 e no ano seguinte estuda com o pintor Georg Elpons. Trabalha no escritório de decoração de Francisco Rebolo entre 1933 e 1938. Em 1935, instala-se no palacete Santa Helena, na praça da Sé, onde divide, a partir de 1936, uma sala com Manoel Martins e Clóvis Graciano. Da reunião desses e de outros artistas, surge o Grupo Santa Helena. Em 1940 recebe medalha de prata no 46º Salão Nacional de Belas Artes - SNBA e é convidado por Rossi Osir a trabalhar em seu ateliê de azulejos artísticos, o Osirarte. Sua primeira exposição individual acontece em 1944, na galeria da Livraria Brasiliense, em São Paulo. Em 1950, viaja por seis meses pela Itália, em companhia de Volpi e Osir. Ensina gravura na Associação Paulista de Belas Artes e na Escola Carlos de Campos em 1958. A partir de 1968 leciona na Faculdade de Belas Artes de São Paulo. Sua família doa 108 de suas obras ao Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo - MAC/USP em 1974. Comentário Crítico Filho de imigrantes italianos, Mario Zanini desenvolve sua trajetória artística em São Paulo, onde reside no bairro operário do Cambuci. Em 1927, torna-se amigo de Alfredo Volpi, vindo a integrar, juntamente com esse artista, o Grupo Santa Helena. Dessa convivência, resulta a produção de composições mais livres, com o uso de pinceladas largas, marcadas pela tensão entre uma pintura emocional e a vontade de formalização, como ressalta a crítica de arte Alice Brill. A afinidade com Volpi, segundo Brill, pode ser observada no modo de aplicar as pinceladas e no tratamento das figuras. Já a influência da obra do pintor francês Paul Cézanne, que marca a produção dos artistas santelenistas, está presente, por exemplo, em Trecho de Linha, 1939. Tanto na gravura como na pintura, o artista representa diversas cenas da cidade de São Paulo, em que, por vezes, aparecem as chaminés das fábricas vistas da janela de seu ateliê. A temática da vida urbana é constante em sua produção, na qual aparecem retratados, por exemplo, os músicos populares, os operários e grupos de crianças ou de ciclistas. Mario Zanini realiza também muitas paisagens, em que retrata os subúrbios paulistanos que começavam a ser tomados pela metrópole. Representa, em várias obras, grupos de pessoas sentadas às margens do rio Tietê, as lavadeiras características e, ainda, as regatas que ali se realizavam. Acompanhado por outros artistas do Grupo Santa Helena, realiza freqüentes viagens ao litoral e interior do Estado de São Paulo, que lhe servem de inspiração.

REFERÊNCIAS

Referência: Itaú Cultural

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

José Carlos de Porangaba Martins (Porangaba, São Paulo, 1944). Pintor, desenhista, gravador e professor. Fixa residência em São Paulo, e cursa desenho, pintura e modelo vivo na Associação Paulista de Belas Artes, entre 1967 e 1970. Na década de 70, estuda gravura com Paulo Mentem e modelagem com Olinda Dalma; e funda o Atelier J. Martins, em 1972. Em 1980, leciona pintura na Escola Panamericana de Artes. 

REFERÊNCIAS

MARTINS de Porangaba. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9812/martins-de-porangaba>. Acesso em: 19 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Maria Marysia Portinari Greggio (Araçatuba, São Paulo, 1937). Pintora, desenhista, gravadora e escultora. Estuda desenho e pintura com Waldemar da Costa (1904-1982) e tem aulas sobre a história da arte de Flávio Motta (1916) no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp), em 1955. Expõe pela primeira vez na Galeria Prestes Maia em 1957. No mesmo ano, tem obras expostas em Lisboa e Madri. Vivendo entre São Paulo e Rio de Janeiro, torna-se assistente e aluna de seu tio, o pintor Candido Portinari (1903-1962). Em 1959, pinta um mural para o Lloyd Seguros Gerais em São Paulo. Recebe, em 1963, o prêmio de "Melhor Pintor do Ano", concedido pela TV Excelsior e, mais tarde, pela Associação de Imprensa de São Paulo em 1971. É eleita presidente do Clube dos Artistas e Amigos da Arte, o "Clubinho" em 1974. Em 2008, é publicado do livro Livro ilustrado de arte: vida e obra de Marysia Portinari: a invenção da memória, editado pelo Instituto Olga Kos de Inclusão Cultural, com texto do crítico de arte Jacob Klintowitz.

REFERÊNCIAS

MARYSIA Portinari. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9191/marysia-portinari>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Maurício Nogueira Lima (Recife, Pernambuco, 1930 – Campinas, São Paulo, 1999). Pintor, arquiteto, desenhista, artista gráfico e professor. Transita entre a pintura e a comunicação visual, construindo trabalhos a partir da abstração geométrica, da experimentação das cores, e das imagens que percorrem os meios de comunicação de massa. Muda-se com a família para São Paulo aos 2 anos. Entre 1947 e 1950, estuda artes plásticas no Instituto de Belas Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (UFRGS), em Porto Alegre. De volta a São Paulo, em 1951, frequenta cursos de comunicação visual, desenho industrial e propaganda no Instituto de Arte Contemporânea do Museu de Arte de São Paulo, onde conhece os artistas gráficos Alexandre Wollner (1928-2018) e Antônio Maluf (1926-2005), e o pintor polônes Leopold Haar (1910-1954), profissionais com quem desenvolve diversos trabalhos. Na tela Composição 1 (1952), cria ritmos horizontais e verticais, apresentando incidências vermelhas e negras que se contrapõem à superfície branca do suporte. Gradualmente adere à pintura concreta e dedica-se a uma crescente experimentação cromática, como na tela Sem Título (1962), na qual apresenta pequenos quadrados em ocre, azul e verde, distribuídos sobre um fundo vermelho. O uso das cores complementares faz com que a pintura apresente um grande efeito de vibração cromática. A convite do artista italiano Waldemar Cordeiro (1925-1973) integra, em 1953, o Grupo Ruptura e participa de diversas mostras de arte concreta, além de Bienais e Salões Paulista de Arte Moderna. Estuda arquitetura na Universidade Presbiteriana Mackenzie, em São Paulo, entre 1953 e 1957. No ano seguinte, é responsável pela criação da logomarca e programação visual da 1ª Feira Internacional da Indústria Têxtil (Fenit), em São Paulo. Em 1960, realiza as primeiras grandes instalações ambientais para indústrias automobilísticas no Salão do Automóvel e é convidado pelo designer suíço Max Bill (1908-1994) a tomar parte na retrospectiva Konkrete Kunst, inaugurada em junho no museu Helmhaus, em Zurique.  A partir de 1964, apropria-se de imagens dos meios de comunicação de massa e constrói trabalhos de alto impacto visual e figurativos, com temas como ídolos do cinema, do futebol e da música pop, além de denúncias contra a ditadura civil-militar. Participa da mostra Proposta 65 (1965), organizada por Waldemar Cordeiro na Fundação Armando Alvares Penteado (Faap). Em 1967, integra a mostra Nova Objetividade Brasileira, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM-RJ), e assina o manifesto coletivo “Declaração de Princípios Básicos da Nova Vanguarda”. Retoma a abstração geométrica como tema artístico em 1973, porém com maior liberdade formal. Ainda na década de 1970, leciona, entre outras escolas, na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP), onde cursa mestrado e doutorado na área de estruturas ambientais urbanas, mas não os conclui. Compõe a segunda versão de Objeto Rítmico n. 2 (1974), obra realizada originalmente em 1952, com formas geométricas regulares que se alternam entre as cores amarela e preta. Pela simetria e repetição de um padrão gráfico, o conjunto oferece ao espectador a ilusão óptica de um movimento em espiral. Nos anos 1980 e 1990, realiza diversos trabalhos em espaços públicos, como a Praça Roosevelt, o Largo São Bento, estações de metrô e no Elevado Costa e Silva, todos em São Paulo. O artista explora em suas pinturas a oposição entre pequenas áreas de luz e de cor e amplas extensões cromáticas. Como aponta o artista plástico Claudio Tozzi (1944), as obras de Maurício Nogueira Lima são projetadas com base em uma geometria sensível e executadas em gestos leves, revelando um trabalho intimista e reflexivo. Maurício Nogueira Lima tem variada atuação no campo das artes visuais. Suas composições expandem os limites da abstração geométrica e ilustram, entre outros temas, o momento histórico e os ídolos populares dos meios de comunicação de massa de sua época.

REFERÊNCIAS

MAURÍCIO Nogueira Lima. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa6094/mauricio-nogueira-lima>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Com mais de 25 anos de arte, Menelaw já expôs suas obras em países como França, Holanda, Alemanha, Bélgica, Espanha, Portugal, Itália, Dinamarca, Inglaterra, Estados Unidos, totalizando mais de 40 mostras Internacionais. Alguns de seus trabalhos estão expostos no Consulado Brasileiro em Atlanta, no Museu de Antropologia de Frankfurt, na Alemanha e na Casa das Américas, em Bruxelas; Em 2012, o artista recebeu o Título de Professor Ilustre pela Escola Superior de Belas Artes de São Francisco, Argentina; No ano de  2010 com a Obra Pulando Cordas,  adquiriu o Selo da Drouot Paris, Renomada Casa de Leilão Francesa; Em 2008, recebeu a Medalha Thomé de Souza (honraria máxima concedida pela Câmara Municipal de Salvador). No dia 14 de agosto de 2015, Em Sciacca Terme, Sicília, foi inaugurada a Mostra de Arte Permanente Menelaw Sete, no Complexo Monumental Sant’Anna, honraria concedida pelo Governo Italiano.

REFERÊNCIAS

https://menelaw7arte.wordpress.com/category/vida-e-obra/

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Francisco Biquiba dy Lafuente Guarany (Santa Maria da Vitória, BA, 1884 - Santa Maria da Vitória, BA, 1985). Escultor, marceneiro e carpinteiro. Filho do construtor de barcas Cornélio Biquiba dy Lafuente (1844-1898), recebe do pai o apelido Guarany devido a sua bisavó índia. Com 14 anos, inicia na marcenaria. Constrói madeiramentos de telhados, barris e móveis. Também trabalha com o imaginário, fazendo santos, altares e oratórios domésticos. Em 1901, realiza sua primeira carranca para a barca Tamandaré. Desde então, elabora carrancas encomendadas pelos comerciantes da Bacia do Corrente. Após ficar dois anos com a família na cidade de Bauru (São Paulo), volta em 1922 para Santa Maria da Vitória e passa a ser conhecido e respeitado como carranqueiro. Até meados de 1940, produz cerca de 80 carrancas encomendadas para as barcas que navegam no Rio São Francisco. Com o fim do ciclo das barcas de remeiros, Guarany para de receber encomendas. No fim da década de 1940, é descoberto pela imprensa e pela crítica de arte. Em 1947, o jornalista Theóphilo de Andrade escreve o artigo “Carrancas de Proa do São Francisco” na revista O Cruzeiro, publicado junto com imagens do fotógrafo francês Marcel Gautherot (1910-1996). Em 1954, o escultor volta a fazer carrancas sob encomenda para colecionadores. No mesmo ano, algumas delas são exibidas em Salvador, na exposição organizada por Vasconcelos Maia, e no pavilhão de arte popular do Parque Ibirapuera, que sedia os festejos do 4° Centenário de São Paulo. O médico e crítico de arte Clarival do Prado Valladares (1918-1983) dedica às suas carrancas o capítulo “Duendes do São Francisco”, em seu livro Paisagem Redeviva, publicado em 1958. Dois anos mais tarde, seu trabalho faz parte da exposição A Mão do Povo Brasileiro, organizada pela arquiteta Lina Bo Bardi (1914-1992), no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp). As carrancas também ilustram capas dos livros do romancista Osório Alves de Castro (1898-1978), em 1961, e do jornalista Carlos Lacerda (1914-1977), em 1964. Em 1963, o escultor passa a batizar e assinar suas carrancas como “F. Guarany” e recebe, em 1968, o diploma de membro correspondente da Academia Brasileira de Belas Artes. Em 1972, Guarany ministra palestra sobre as carrancas e o Rio São Francisco na faculdade de Economia da Universidade de São Paulo (USP). Dois anos mais tarde, o engenheiro Paulo Pardal publica seu livro Carrancas do São Francisco, com biografia e comentários sobre a obra de Guarany. Uma exposição homônima é realizada no Masp em 1975. Em 1977, recebe convite para participar da Exposição Internacional de Arte e Cultura Negra, realizada na Nigéria pela Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (Unesco). Após sua morte, as carrancas são expostas no Museu Flutuante, em Paris, e na Mostra do Redescobrimento, na Bienal de São Paulo, em 2000. Em 2010, o neto de Guarany, Junior Guarany, e o carranqueiro Reinaldo Moreira criam a oficina Francisco dy Lafuente Guarany.

REFERÊNCIAS

MESTRE Guarany. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa216535/mestre-guarany>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Michele Carnicelli Sobrinho (Salerno, Itália 1893 - São Paulo SP 1967). Pintor. Chega ao Brasil em 1899, com seis anos de idade. Em São Paulo trabalha por um período na alfaiataria de seu pai, considerada uma das mais importantes da cidade, e forma-se no curso comercial do Mackenzie College. Em 1909 viaja para a Itália e estuda pintura com Ettore Tito (1859 - 1941) na Accademia di Belle Arti di Venezia [Academia de Belas Artes de Veneza]. Passa também um período em Londres e em Paris, cidade que fotografa, e com base nessas fotos ele a retrata, na década de 1940. No início da década de 1920 retorna ao Brasil e passa a conviver com os modernistas e os integrantes da Família Artística Paulista - FAP, entre eles Alfredo Volpi (1896 - 1988) e Bonadei (1906 - 1974). Em 1922 ilustra A Angústia de Don João, poema de Menotti del Picchia (1892 - 1988) publicado pela A Casa Mayença. Em 1937 torna-se membro do Sindicato dos Artistas Plásticos. Na década de 1940 reúne-se em seu ateliê, com freqüência, com os pintores Raphael Galvez (1907 - 1998) e Mario Zanini (1907 - 1971) e com os críticos Sérgio Milliet (1898 - 1966), Quirino da Silva (1897 - 1981), entre outros. Entre 1949 e 1952, ilustra a revista mensal Investigações, publicada pelo Departamento de Investigações da Secretaria da Segurança Pública. Em 1959 Ciccillo Matarazzo (1898 - 1977), fundador do Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM/SP, doa ao museu duas obras de Mick Carnicelli - Figura num Interior, 1943, e Natureza-Morta com Jarro, 1945 -, posteriormente transferidas ao Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo - MAC/USP.

REFERÊNCIAS

MICK Carnicelli. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa24105/mick-carnicelli>. Acesso em: 03 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Miguel Penha, cuiabano nascido na região do Sucuri em 06/09/1961, seu pai indígena boliviano lavrador e ceramista, sua mãe uma índia bororo. Seu interesse pela arte começou quando criança com dez anos já fazia seus desenhos. Em 1979 com 18 anos fez um curso de História da Arte em Brasília na Funarte, com o professor e crítico de arte João Evangelista. Em 2009 tem reconhecido seu trabalho nacionalmente com o Prêmio de Artes Plásticas Marcantonio Vilaça, promovido pelo Ministério da Cultura e Fundação Nacional de Arte, nestes 30 anos de carreira participou de diversas exposições e salões de artes, tanto no Brasil como no Exterior. Com uma vivência direta com a paisagem desenvolveu um gosto pelo naturalismo e como os viajantes que por aqui passaram no Século XVIII, como a expedição Langsdorff, procurou representar a paisagem, aprimorando os conhecimentos e tentando suprir a necessidade iminente do aprisionamento das formas da natureza o que irá incidir em um surpreendente e inesgotável fazer artístico e estético. Normalmente suas obras são idealizadas a partir de um forte aprisionamento técnico. Sua construção mimética favorece certa alienação. A paisagem recebe um tratamento espacial onde a amplitude sugerida provoca uma expansão da realidade, na dimensão do céu o branco extrapola a volumetria do segundo plano criando uma perspectiva agradável e surreal. O retorcido da vegetação, o cerrado cria movimentos cênicos onde os personagens parecem dançar com a força do vento. Algumas árvores devido ao contorcionismo e ao emaranhado dos galhos flutuam no espaço por sobre a vegetação rasteira. Percorrendo vários recônditos da paisagem - natural ou construída - do nosso Brasil criou um repertório próprio ao selecionar cenas que afloram em momentos perceptivos e propícios à necessidade. “Ao me permitir a um tipo de desejo ou eleger esta ou aquela forma de pintura comprometo-me socialmente quando coloco em público o que vêdiz. Não se trata de um mero olhar. Mas de um olhar social, político, econômico e estético que se constrói gradativamente através da carga cultural que nos é impingida pelo processo histórico. Acredito na paisagem como resultado de um olhar cultural, ou seja, o sujeito que olha é um sujeito coletivo, parte de uma sociedade que tem uma história, e de um meio visto como a paisagem/natureza.” Olhar cultural provoca novas sensações criando mundos imaginários como se fossem reais. O Cerrado de cor quente que se apresenta tem uma força expressiva de viagem mental imaginário ou real sabe se lá. O que importa é que o realismo sugestivo das cores quentes entremeadas ao movimento do capim que coloca em xeque-mate quanto a não existência real da cena chapadense. Prêmios 2010 - Cultura em Movimento Portal do Ministério da Cultura Seleção da obra Açaizeiro 2009 - Prêmio de Artes Plásticas Marcantônio Villaça Ministério da Cultura, Fundação nacional de Cultura Prêmio Aquisição 5 obras 2009 - Brazilian Art Exhibition  Dubai Eric Art Medalha de Bronze 2009 - Art Fair Europe  Messe Ostwestfalen Art Fair Europe Medalha de Prata. Acervo em Instituições 2012 - Acervo Tribunal de Contas: Tribunal de Contas do Estado do Mato Grosso Tela: Palmeira Bacabá 160x120cm OST 2012 - Acervo Tribunal de Contas: Tribunal de Contas do Estado do Mato Grosso tela Bocaiveira 100x200cm OST 2012 - Acervo Tribunal de Contas: Tribunal de Contas  do Estado do Mato Grosso tela Fecho do Morro 60x160cm AST 2010 - Acervo permanente do  Pavilhão das Artes da Secretaria Estadual de Cultura do Estado do Mato Grosso tela Caranaí OST, 120x160cm 2009 - Acervo Tribunal de Contas: Tribunal de Contas do Estado do Mato Grosso 2009 - Acervo permanente Galeria de Artes SESC- Arsenal "Tela Açaizeiro" SESC- Arsenal Cuiabá/MT 2009 - Museu de Arte e Cultura Popular "Tela Rio Paciência" Universidade Federal do Estado do Mato Grosso 2004 - Acervo de Obras de Arte do Poder Judiciário de Mato Grosso Tribunal de Justiça do Estado do Mato Grosso Cuiabá/MT. Referências em publicações/ ilustrações em livros e Revistas. 2012 - Ilustração do Livro  "A Festa dos Mortos" de João Loureiro 2011 - Encarte do CD Marãiwatsihoiba Marcio Tserehité Tsererã´re FUNARTE 2010 - Macp: animação cultural e inventário de acervo do museu de Arte e de Cultura Popular da UFMT Aline Figueiredo, Humberto Espíndola (orgs) Entrelinhas 2008 - Revista telas Minuano, da Coleção Mania de Pintar Minuano Editora Inovação 2007 - Catálogo da 8º Mostra Artefacto/ Banco Real Artefacto/ Banco Real Artefacto/ Banco Real 2004 - Geologia do continente Sul-americano: evolução da obra de Fernando Flávio Marques de Almeida (p.45) Fernando Flávio Marques

REFERÊNCIAS

Fonte: http://sociedadedospoetasamigos.blogspot.com/2012/09/miguel-penha-artista-plastico-brasileiro.html

BIOGRAFIA

Milton Rodrigues da Costa (Niterói, Rio de Janeiro, 1915 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1988). Pintor, desenhista, gravador, ilustrador. Inicia estudos de desenho e pintura em 1929 com o professor alemão August Hantv. No ano seguinte matricula-se no curso livre de Marques Júnior (1887-1960), na Escola Nacional de Belas Artes (Enba), que é fechada pela Revolução de 1930. Milton Dacosta, com Edson Motta (1910-1981), Bustamante Sá (1907-1988)  e Ado Malagoli (1906-1994), entre outros, cria o Núcleo Bernardelli em 1931. Sua primeira exposição individual ocorre em 1936, no Rio de Janeiro. Nesse ano recebe menção honrosa no Salão Nacional de Belas Artes. Viaja para Estados Unidos em 1945, com o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Belas Artes do ano anterior. Na cidade de Nova York, estuda na Art's Students League of New York. Em 1946, vai para Lisboa, e conhece Almada Negreiros (1893-1970) e Antonio Pedro (1909-1966). Após visita a vários países da Europa, fixa-se em Paris, onde estuda na Académie de La Grande Chaumière. Conhece Pablo Picasso (1881-1973), por intermédio de Cicero Dias (1907-2003), e frequenta os ateliês de Georges Braque (1882-1963) e Georges Rouault (1871-1958). Expõe no Salon d'Automne e regressa ao Brasil em 1947. Em 1949, casa-se com a pintora Maria Leontina (1917-1984) e passa a residir em São Paulo. Na década de 1950, desenvolve uma obra de cunho construtivista, característica que muda na década seguinte; retorna ao figurativo com a série de gravuras coloridas em metal com o tema Vênus.

REFERÊNCIAS

MILTON Dacosta. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1612/milton-dacosta>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Myrrha Dagmar Dub (Zurique, Suíça, 1919 - São Paulo, São Paulo, 1988). Desenhista, pintora, escultora. Muda-se para Milão, Itália, na década de 1930, onde estuda arte e filosofia. Abandona os estudos durante a Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Estabelece-se em Roma em 1946, e, em 1949, obtém permissão para mudar-se para o Brasil. Fixa residência em Porto Alegre, onde trabalha com design gráfico, faz pintura, escultura de cerâmica, poemas e restauro de imagens barrocas, assinando com seu nome de casada Mirra Hargesheimer. Sua participação na 1ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1951, permite contato com experiências internacionais e a inserção na cena nacional. Dois anos depois muda-se para São Paulo e adota o sobrenome Schendel. Na década de 1960 realiza desenhos em papel de arroz. Em 1966, cria a série Droguinhas, elaborada com papel de arroz retorcido e trançado, que é apresentada em Londres, na Galeria Signals, por indicação do crítico de arte Guy Brett (1942). Nesse ano, passa por Milão, Veneza, Lisboa e Sttutgart. Conhece o filósofo e semiólogo Max Bense (1910 - 1990), que contribui para a realização de sua exposição em Nurembergue, Alemanha, e é autor do texto do catálogo. Em 1968 começa a produzir obras utilizando o acrílico, como Objetos Gráficos e Toquinhos. Entre 1970 e 1971, realiza um conjunto de 150 cadernos, desdobrados em várias séries. Na década de 1980, produz as têmperas brancas e negras, os Sarrafos e inicia uma série de quadros com pó de tijolo. Após sua morte, muitas exposições apresentam sua obra dentro e fora do Brasil e, em 1994, a 22ª Bienal Internacional de São Paulo lhe dedica uma sala especial. Em 1997, o marchand Paulo Figueiredo doa grande número de obras da artista ao Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP).

REFERÊNCIAS

MIRA Schendel. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa2450/mira-schendel>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Nascida no dia 18 de fevereiro em São Paulo, Miriam iniciou seus estudos artísticos aos 13 anos na cidade natal. Estudou com vários professores, entre eles Constantino Bolognesi, J. Pallud e Angel San Martin. Desde 1996 participa do Ateliê do artista plástico Sérgio Fingerman. Sua pintura é direta, motivada pela necessidade de mexer com as cores e suas combinações. Além da cor, a artista imprime em seus trabalhos símbolos geométricos que são formas sugeridas que se repetem nos outros quadros, tornando - se assim uma característica de linguagem. Para ela a pintura é um eterno processo de busca e descoberta em que a intuição tem uma força preponderante. Quanto mais relaxamento e concentração, mais as novas formas se harmonizam. A liberdade resultante do trabalho de criação da artista é indescritível, principalmente porque ela se multiplica produzindo um prazer inenarrável. Cronologia: 1986 - Coletiva no Salão de Outono de Santo André, SP Medalha de Bronze Coletiva no Salão de Artes Plásticas de Araraquara, SP Coletiva no Salão Leonístico e na Secretaria Municipal de Santos, SP. 1987 - Coletiva na Mostra de Arte Brasil - Holanda em Amsterdan Coletiva de Obras Premiadas do Salão de Outono, Santo André Medalha de Ouro Coletiva no Instituto Nacional Arqueológico em La Paz, Bolívia. 1988 - Coletiva na Casa da Cultura Mário Quintana, em Porto Alegre, RS Menção Honrosa Exposição Individual na Galeria Arte Jasmim Coletiva de 3 Artistas no Salão Ariosto Mila na Casa da Cultura de Jundiaí, com o apoio da Prefeitura Coletiva na Prefeitura da Cidade do México, Centro cultural José Hidalgo Medalha de Bronze Coletiva na Faculdade São Judas Tadeu, Medalha de Prata Coletiva em Marabá, Pará Menção Honrosa. 1989 - Exposição Individual no Hotel Crowne Plaza Coletiva no Instituto Nacional de Cultura em Cuzuco, Peru Exposição Individual em Miami, Flórida, no Restaurante Dês Arts. 1990 - Exposição Individual na Galeria Campo da Artes da COSESP. 1991 - Exposição Individual na Galeria de Artes do Clube A Hebraica de São Paulo. 1994 - Exposição Individual no Centro de Convenção B nai B rith 1996 - Exposição Individual no Espaço Paulista de Arte 2001 - Exposição no Art Hall da Galeria A Hebraica 2001 - Passa a fazer parte do acervo do Espaço Arte M. Mizrahi.

REFERÊNCIAS

https://www.catalogodasartes.com.br/artista/Miriam%20Nigri%20Schreier/

BIOGRAFIA

Miriam Martins Possui graduação em Licenciatura em Desenho e Plástica (1970), mestrado em Artes pela Escola de Comunicações e Artes/Universidade de São Paulo (1992) e doutorado em Educação pela Universidade de São Paulo (1999). Atualmente é docente do curso de pós-graduação "Educação, Arte e História da Cultura" na Universidade Presbiteriana Mackenzie onde coordena o Grupo de Pesquisa em Mediação Cultural: contaminações e provocações estéticas. É sócia-diretora do Rizoma Cultural - projetos em arte, educação e cultura; assessora de instituições educacionais e culturais, co-responsável pela Proposta Curricular de Arte da Secretaria de Estado da Educação de São Paulo.   

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Mitsutaka Kogure nasceu em 1938, em Gunma, Japão, e morreu em São Paulo, em 2002. Veio para o Brasil em 1960, fixando residência na capital paulista, onde instalou o seu próprio ateliê. Sua primeira exposição, intitulada Hakugitsu, foi realizada no Museu de Arte de Tóquio, no ano de 1955, seguindo-se sua participação no 2º Salão Shinseiki, naquele mesmo museu, em 1957. Participou, ainda, das seguintes exposições: Salão Seibi (1960 e 1968); Aliança Cultural Brasil-Japão, Museu de Arte de São Paulo (1961); VII Bienal de São Paulo (1963); Salão Esso, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1965); Salão de Abril, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (1966); Galeria Azulão, São Paulo (1968); Aliança Francesa de Santos e Galeria Fujigo Cetan, Japão (1972, 1973 e 1976); Galeria Orientaru Nakamura, Nagóia, Japão (1976); Exposição de Belas Artes Brasil-Japão (1977); "Imigração 70", Centro Campestre do Sesc (1978); Gunma Kenmem Kaikan Maebasi, Japão (1981); Mostra do Museu de Arte de São Paulo no Japão (1982); "Panorama 83", Museu Central de Tóquio, Japão (1983); Galeria Paulista, São Paulo, e Takasaki Suzuran Depato, Japão (1984 e 1985); Outa Simin Kaikan, Gunma, Japão (1987); Artistas Nikkeys dos Estados Unidos e do Brasil, São Paulo, e 40° Aniversário de Fundação do Jornal Paulista (1987). Entre seus prêmios destacam-se: Prêmio Prubbu, Salão Icen Bigitsu, Museu de Arte de Tóquio (1955); Prêmio Doryoku-sho, Salão Icen Bigitsu, Museu de Arte de Tóquio (1958); Medalha de Prata, Salão Seibi, São Paulo (1963); Prêmio Doryoku e Holbein, 14º Salão Icen Bigitsu I. N. Museu de Arte de Tóquio, e Medalha de Ouro, Salão Seibi, São Paulo (1964); Prêmio Singin, 15º Salão Icen Bigitsu, Museu de Arte de Tóquio (1965); Prêmio Cultura, 16º Salão Icen Bigitsu, Museu de Arte Tóquio (1966); Prêmio Singin, 17° Salão Icen Bigitsu, Museu de Arte de Tóquio (1967); Prêmio 20° Aniversário, Salão Icen Bigitsu, Museu de Arte de Tóquio (1970); Medalha de Ouro, Salão Bunkyo, "150 Anos de Independência do Brasil" (1972); Grand Prix e Aoikoguesha, 23° Salão Icen Bigitsu, Museu de Arte de Tóquio (1973); Prêmio Yomiuri, Salão de Gunma, Museu de Arte Moderna, Gunma (1976). Quando da visita ao Brasil da princesa Sayaka, do Japão (1995), e de membros da família imperial japonesa (1997), foram doadas obras especialmente encomendadas ao artista. Possui obras em diversas coleções particulares e oficiais no Japão, China, Brasil e no Museu de Arte do Parlamento de São Paulo

REFERÊNCIAS

www.al.sp.gov.br/noticia/?id=276614

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Nazareth Pacheco e Silva (São Paulo, São Paulo, 1961). Artista visual. Cursa artes plásticas na Universidade Presbiteriana Mackenzie, entre 1981 e 1983. Realiza sua primeira mostra individual, no Espaço Cultural Julio Bogoricin, em São Paulo, em 1985. Inicia suas experiências com ready-mades após participar, em 1986, de workshop ministrado por Guto Lacaz (1948). Viaja para Paris em 1987, e freqüenta o ateliê de escultura da École Nationale Supérieure des Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes]. Em 1989, obtém o prêmio aquisição no 11° Salão Nacional de Artes Plásticas, no Rio de Janeiro, e participa da 20ª Bienal Internacional de São Paulo. Entre 1990 e 1991, participa de workshops com Iole de Freitas (1945), Carmela Gross (1946), José Resende (1945), Amilcar de Castro (1920-2002), Nuno Ramos (1960) e Waltercio Caldas (1946). Defende na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA/USP) a dissertação Objetos Sedutores, com orientação de Carlos Fajardo (1941) em 2002. É lançado o documentário sobre sua obra Gilete Azul, realizado pela psicanalista Miriam Schnaiderman, em 2003. Análise Nazareth Pacheco, desde o início de sua trajetória, volta-se ao campo tridimensional. Suas primeiras peças são realizadas em borracha, e apresentam pinos pontiagudos do mesmo material. Para o historiador da arte Tadeu Chiarelli, elas já revelam uma carga de agressividade, por sua semelhança com objetos de tortura. Em 1992 e 1993, a artista realiza os Objetos Aprisionados, compostos por uma série de caixas que contêm objetos e documentos de caráter autobiográfico, alguns relativos a tratamentos médicos e estéticos a que ela esteve submetida, reunindo fotos, radiografias, relatórios, frascos e chumbo. Segundo a estudiosa Elizabeth Leone, nos anos seguintes sua reflexão extrapola a questão pessoal e passa a considerar o corpo feminino como lugar de práticas médicas que visam adaptá-lo a "aprimoramentos estéticos". No final da década de 1990, a artista começa a agregar metais, como filetes de aço, cobre e latão, aos trabalhos em borracha. Passa a confeccionar peças com objetos que não podem ser tocados, unindo miçangas ou cristais de vidro a agulhas, lâminas de bisturis ou de barbear e anzóis, criando com eles adornos e vestimentas. Inicia também as pesquisas com um novo material, o acrílico cristal, projetando objetos como bancos ou berços, aos quais agrega instrumentos cortantes ou perfurantes.

REFERÊNCIAS

NAZARETH Pacheco. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10018/nazareth-pacheco>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Nello Nuno de Moura Rangel (Viçosa MG 1939 - Lagoa Santa MG 1975). Pintor, desenhista e professor. Artista autodidata, vive em Ouro Preto desde 1960. Leciona na Escola Guignard em Belo Horizonte (1968/1975) e na Fundação de Arte de Ouro Preto (1972/1975). Em 1974, é convidado como bolsista pela Fundação Guggenheim em Nova York. Após a sua morte, a Universidade Federal de Viçosa cria o Salão Nello Nuno em sua homenagem e como estímulo aos novos artistas.

REFERÊNCIAS

NELLO Nuno. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9047/nello-nuno>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Nelson Leirner (São Paulo, São Paulo, 1932 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2020). Artista intermídia e professor universitário. Suas obras e ações se caracterizam pelo teor reflexivo e polemista. Alternando entre crítica política e social, remissões à arte e ao mercado e referências a divindades e animais, transforma objetos cotidianos em alegorias das situações que pretende destacar. Filho da escultora Felícia Leirner (1904-1996) e do empresário Isaí Leirner (1903-1962), tem contato com a arte moderna desde a infância. Seus pais ajudam a fundar o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) e convivem com boa parte da vanguarda brasileira. Essa proximidade, no entanto, não desperta de imediato o interesse de Leirner pela arte. Reside nos Estados Unidos, entre 1947 e 1952, onde estuda engenharia têxtil no Lowell Technological Institute, em Massachusetts, mas não conclui o curso. Resolve tornar-se artista apenas na década de 1950, estimulado por trabalhos do pintor Paul Klee (1879-1940). Em 1956, passa a ter aulas de pintura com o artista catalão Joan Ponç (1927-1984), e, em 1958, frequenta, por curto período, o Atelier-Abstração, de Flexor (1907-1971). Não se entusiasma com os cursos. Suas telas se aproximam da abstração informal de pintores como Alberto Burri (1915-1955) e Antoni Tàpies (1923-2012). Entre 1961 e 1964, continua com a pesquisa de materiais, mas com outra direção. Interessado nas poéticas dadaístas, produz seus quadros com objetos recolhidos na rua, gerando a série Apropriações. Em 1964, o artista abandona a pintura e passa a trabalhar com elementos prontos, fabricados industrialmente. Recolhe objetos de uso e desloca seu sentido, como em Que Horas São D. Candida (1964). Seus trabalhos estão entre a escultura e o objeto. A participação do espectador é incorporada a obras como Você Faz Parte I e  II, (1966). Nesse ano, funda o Grupo Rex, com os artistas Wesley Duke Lee (1931-2010), Geraldo de Barros (1923-1998), Carlos Fajardo (1941), José Resende (1945) e Frederico Nasser (1945). O coletivo promove happenings e publica o jornal Rex Time. O grupo se volta a problemas como as relações da arte com o mercado, as instituições e o público, sendo tudo isso abordado com base nas linguagens radicais dos anos 1960. Em 1967, monta a exposição Da Produção em Massa de uma Pintura. Mostra a série Homenagem a Fontana, uma das primeiras séries de múltiplos do país. As "pinturas" são produzidas industrialmente, feitas de zíperes e tecidos, objetos que tradicionalmente não têm propriedades artísticas. No mesmo ano, envia seu Porco Empalhado (1966) para o 4º Salão de Arte Moderna de Brasília. O júri aceita o trabalho. Leirner questiona o resultado e solicita publicamente, pelo Jornal da Tarde, uma manifestação explícita dos critérios de admissão da mostra, criando uma polêmica com críticos como Mário Pedrosa (1900-1981) e Frederico Morais (1936), que fica conhecida como "happening da crítica". Ainda em 1967, realiza a Exposição-Não-Exposição, happening de encerramento das atividades do Grupo Rex, em que oferece obras de sua autoria gratuitamente ao público. Realiza seus primeiros múltiplos, com lona e zíper sobre chassi. É também um dos pioneiros no uso do outdoor como suporte. Por motivos políticos, fecha sua sala especial na 10ª Bienal Internacional de São Paulo de 1969, e recusa convite para outra em 1971. A partir da década de 1970, o teor questionador do trabalho migra da ação direta para um sentido alegórico, que muitas vezes envolve o erotismo. O happening tem menos presença que o desenho e a instalação. Nessa época, Leirner se dedica a outras linguagens, como o design, os múltiplos e o cinema experimental, e cria grandes alegorias da situação política contemporânea em séries de desenhos e gravuras. Em 1974, expõe a série A Rebelião dos Animais, com trabalhos que criticam duramente o regime militar, pela qual recebe da Associação Paulista dos Críticos de Arte (APCA) o prêmio melhor proposta do ano. Em 1975, a APCA encomenda-lhe um trabalho para entregar aos premiados, mas a Associação recusa-o por ser feito em xerox. Por isso, como protesto, os artistas não comparecem ao evento. De 1977 a 1997, leciona na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, onde tem grande relevância na formação de várias gerações de artistas. A presença de elementos da cultura popular brasileira, marcante desde os anos 1960, cresce a partir da década de 1980. Em 1985, realiza a instalação O Grande Combate, em que utiliza imagens de santos, divindades afro-brasileiras, bonecos infantis e réplicas de animais. Pretende converter em arte o que é considerado banal. Muda-se para o Rio de Janeiro em 1997, e coordena o curso básico da Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage). A partir dos anos 2000, seu trabalho se apropria de imagens artísticas banalizadas pela sociedade de consumo. De maneira bem-humorada, lida com as reproduções da Gioconda [Mona Lisa] (1503/1506), de Leonardo da Vinci (1452-1519), e a Fonte (1917), de Marcel Duchamp (1887-1968), como tema artístico. Com a mesma ironia, o artista replica sobre couro de boi imagens da tradição concreta brasileira, na série Construtivismo Rural. Com uma carreira profícua, de obras heterogêneas e de teor crítico e reflexivo, Leirner torna-se, enquanto produtor e educador artístico, uma figura importante para o desenvolvimento da arte moderna no Brasil.

REFERÊNCIAS

NELSON Leirner. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9429/nelson-leirner>. Acesso em: 30 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Newton Ferreira Mesquita (São Paulo SP 1949). Pintor, desenhista, artista gráfico, gravador, cenógrafo, fotógrafo, escultor. Forma-se em arquitetura pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo Brás Cubas, em Mogi das Cruzes, São Paulo, em 1977. No mesmo ano, inicia atividade docente na Faculdade de Arquitetura da Universidade Presbiteriana Mackenzie. Expõe pela primeira vez em 1972, na Temporada de Arte e Cultura, em Guarulhos, São Paulo. Desde então realiza exposições individuais, em diferentes cidades brasileiras, integrando também coletivas, no Brasil e no exterior. Em 1976 e 1977, recebe o Prêmio Incentivo no Salão de Arte Jovem de Santos. Paralelamente, realiza trabalhos gráficos para as editoras Cia. Melhoramentos de São Paulo, em 1980, e Brasiliense, em 1981, além de cenários para as redes de televisão Record e Bandeirantes. É responsável por um painel externo do Centro Paulista de Tênis, realizado em 1978, e pelo relevo de madeira do Museu de Arte Brasileira - MAB/Faap, 1983. Na década de 1980, produz ilustrações para as revistas Nova, Veja, Claudia, Playboy, entre outras. Dirige o Museu da Imagem e do Som de São Paulo - MIS/SP entre 1991 e 1992. Em 1992, é coordenador de ação cultural da Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo.

REFERÊNCIAS

NEWTON Mesquita. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8471/newton-mesquita>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Nicola Verdi Petti (Rio Claro, São Paulo, 1904 - São Paulo, São Paulo, 1984). Pintor, desenhista, jornalista e escritor. Inicia suas atividades artísticas estudando pintura e desenho com Lúcia Cereda de Lima. Na década de 20, é aluno da Escola de Artes Ofícios, onde estuda pintura com Carlos Hadler e escultura com Angelo Laterza e Gustavo Biancalana. Em São Paulo, estuda com Fernandes Caldas no Liceu de Artes e Ofícios e trabalha com pintura de propaganda, de 1923 à 1944. Em 1926, aperfeiçoa suas técnicas com o pintor Georg Fischer Elpons. Em 1966, funda a Pinacoteca Municipal Pimentel Jr., em Rio Claro. Em paralelo à produção artística, publica o álbum Pintores Contemporâneos de São Paulo; funda a revista Resenha Artística; e colabora para o jornal Diário de Rio Claro, no setor de arte.

REFERÊNCIAS

NICOLA Petti. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa24451/nicola-petti>. Acesso em: 07 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.   ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Nicolas Charilaos Vlavianos (Atenas, Grécia, 1929). Escultor e professor. Entre 1955 e 1956, dedica-se à pintura, orientado por Costa Elíades, em Atenas, Grécia. Mais tarde, transfere-se para Paris e estuda escultura na Académie de la Grande Chaumière, com o escultor russo Ossip Zadkine (1890-1967), e na Académie du Feu, com o pintor húngaro László Szabó (1913-1984). Em 1958 e 1959, participa do salão Réalités Nouvelles, na capital francesa. Passa a morar em São Paulo em 1961. A partir de 1969, atua como professor de expressão tridimensional na Faculdade de Artes Plásticas da Fundação Armando Álvares Penteado (Faap). É premiado na 7ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1963; no 1º Salão Esso de Artistas Jovens, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), em 1965; na 1ª Bienal Nacional de Artes Plásticas, em Salvador, em 1966; e no 4º Salão de Arte Moderna, em Brasília, em 1967. Entre 1972 e 1988, figura em várias edições do Panorama de Arte Atual Brasileira, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP). Em 1974 e 2001, recebe o Prêmio da Associação Paulista de Críticos de Arte (Apca). Em 1974, é também premiado no 5º Salão Paulista de Arte Contemporânea. São realizadas retrospectivas de sua obra no Museu de Arte de São Paulo (Masp), em 1993, e no MAB/Faap, em 2001.

REFERÊNCIAS

NICOLAS Vlavianos. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9218/nicolas-vlavianos>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Nasceu em 1961, em Botuporã, no sertão da Bahia. Vive e trabalha em São Paulo, capital. Em Brumado (BA), estudou contabilidade e teve seu segundo filho. Com a família morou em várias cidades do estado e, ao divorciar, voltou para sua cidade natal, onde foi professora particular e de escola pública, ensinando matemática. Chegou a ter restaurante, fazendo muito sucesso. Perdendo parte da família nos anos 1990, resolveu vir para São Paulo em 1999 e, em 2010, escreveu o romance O Lavrador do Sertão em três dias. Logo depois lançou O Belo Sertão, com os seres lendários do Brasil, na Bienal do Livro do mesmo ano.Para produzir a capa do livro resolveu ela mesma pintar e, desde então, não parou mais de produzir, contando suas lembranças e histórias do sertão. Hoje, em seu pequeno ateliê, possui um acervo com mais de 2 mil pinturas, além de músicas e esculturas.

REFERÊNCIAS

https://www.catalogodasartes.com.br/artista/Nilda%20Neves/

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Niobe Nogueira Xandó Bloch (Campos Novos do Paranapanema, atual Campos Novos Paulista SP 1915 - São Paulo SP 2010). Pintora, desenhista e escritora. Autodidata. Vive a infância e a adolescência no interior de São Paulo, muda-se para a capital em 1932. Casa-se aos 16 anos com João Baptista Ribeiro Rosa, destacado militante, e passa a frequentar os locais de reuniões do Partido Comunista. Inicia sua carreira como artista plástica em 1947. Nesse ano, conhece os pintores Yoshiya Takaoka(1909-1978) e Geraldo de Barros (1923 - 1998) no ateliê do professor e artista Raphael Galvez (1895 - 1961). Faz sua primeira exposição individual em 1953, em São Paulo, na Livraria das Bandeiras, na Praça da República. Separada do primeiro marido, casa-se novamente com o intelectual tcheco Alexandre Bloch, por intermédio de quem se torna amiga de Vilém Flusser, que escreve artigos sobre sua obra de Xandó. Durante o ano de 1957, viaja pelas cidades de Madri, La Coruña e Paris. Seu trabalho ganha destaque em 1965, na 8ª Bienal Internacional de São Paulo. De volta ao Brasil, muda-se com o marido para Salvador. O casal segue para a Europa em 1968, com períodos em Paris, Londres e Estocolmo. Regressam ao Brasil em 1971, vivendo em São Paulo até 1980. Xandó viaja a Nova York em 1981 e 1983, depois regressando em definitivo ao Brasil. Entre as exposições em que se destaca estão a 10ª Bienal Internacional de São Paulo, de 1969, onde tem sua obra apresentada na sala especial de Artes Mágica, Fantástica e Surrealista, e a 1ª Bienal Latino-Americana de São Paulo, realizada em 1978, onde seu trabalho representa a influência das culturas africana e indígena na arte brasileira.

REFERÊNCIAS

NIOBE Xandó. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9278/niobe-xando>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Nuno Alvarez Pessoa de Almeida Ramos (São Paulo, São Paulo, 1960). Artista plástico, escritor, diretor de cinema, dramaturgo e músico. Ao explorar diferentes linguagens, Nuno Ramos trabalha com formas e materiais distintos, trazendo à tona a brutalidade da realidade.  Forma-se em filosofia pela Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade de São Paulo (FFLCH/USP) em 1982. Durante a graduação, edita a revista Almanaque-80 com poemas, ensaios e artes visuais, e a revista Kataloki, um panorama da poesia paulista do período. Em 1983, funda o ateliê Casa 7 com os artistas plásticos Paulo Monteiro (1961), Rodrigo Andrade (1962), Carlito Carvalhosa (1961) e Fábio Miguez (1962). O grupo se dissolve depois da participação da 18ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1985. Recebe o Prêmio Aquisição do 2º Salão Paulista de Arte Contemporânea e o Prêmio Viagem ao Exterior do 7º Salão Nacional de Artes Plásticas em 1984, e a bolsa Émile Eddé, do MAC USP, em 1987. De 1988 a 1990, destacam-se os quadros de grandes dimensões que recebem aplicação de diversos materiais, como parafina, breu, lona e sucata.  Até 1991, trabalha sobretudo com pinturas e, ao longo do anos 1990, começa a explorar outras linguagens, como a escrita, a escultura, a instalação e a land art (ou earthwork). Em 1993, publica seu primeiro livro, Cujo, e, em 1995, o livro-objeto Balada. Desse novo período, distingue-se a obra 111 (1992-1993), instalação que relembra o assassinato, em 1992, de 111 presidiários pela Polícia Militar na rebelião da Casa de Detenção de São Paulo. A obra apresenta, no Instituto Estadual de Artes de Porto Alegre, 111 lápides em forma de paralelepípedos, cobertas de asfalto e com os nomes das vítimas. Cada paralelepípedo traz um recorte de jornal com a notícia do massacre além de cinzas de páginas da Bíblia. Na parede, o artista fixa um texto de sua autoria em letras de parafina em pequenas superfícies de vidro também preenchidas com folhas da Bíblia queimadas.  Ao contrário de muitos artistas contemporâneos, Nuno não compreende vida e obra como coisas de mesma natureza, entre as quais se realiza uma continuidade. Para ele, essa relação só se dá por caminhos forçados, o que o leva a instaurar descontinuidade radical em seus trabalhos. Como afirma o crítico Rodrigo Naves (1955), Nuno busca “a revelação de uma instância bruta da realidade”, “uma formalização que, em lugar de domesticar, exponencie a materialidade do mundo”1. Daí a importância da matéria em sua obra, presente também no uso da linguagem, pois as palavras são realizadas com materiais como a parafina, e devem ser esculpidas como tal.  Em 1994, é contemplado com bolsa da Fundação Vitae, mesmo ano em que recebe o prêmio da Associação Nacional de Críticos de Arte. Vence, em 2000, concurso realizado em Buenos Aires para a construção de um monumento em memória aos desaparecidos durante a ditadura militar naquele país. A estreia no cinema se dá em 2002 com Luz Negra. Em 2005 recebe o Prêmio Mário Pedrosa como artista de linguagem contemporânea da Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA), e, em 2006, o prêmio da Barnett and Annalee Newman Foundation, de Nova York, pelo conjunto da obra e pela contribuição às artes visuais. A produção literária segue com as publicações da coletânea de narrativas Pão de Corvo (2001), o compilado de fragmentos da produção artística, projetos e ensaios Ensaio Geral (2007), o vencedor do Prêmio Portugal Telecom Ó (2008) e o livro de contos O Mau Vidraceiro (2010).  O crítico Lorenzo Mammì (1957) compara a escrita de Nuno com os quadros e observa em ambos o mesmo comportamento: não é possível uma visão unitária, nem uma leitura por partes. Para ele, os trabalhos de Nuno Ramos surgem de uma comunicação interrompida entre corpo e signo que faz com que a obra “transborde de um lado ou de outro: num excesso de matéria ou num excesso de significado”2. Dada sua complexidade, é difícil apreender a obra de Nuno Ramos. Com várias proposições formais, sua unidade parece residir nos questionamentos que propõe. Em 2018, dirige a peça A Gente se Vê por Aqui, na qual os atores permanecem em cena por 24 horas. A abordagem da cultura e da política brasileiras voltam a ser exploradas em 2019 com o livro de ensaios Verifique se o Mesmo. O trabalho de Nuno Ramos aborda, com diferentes linguagens, temas próprios do contemporâneo. Do tratamento mais alusivo à crítica mais provocadora, o artista coloca em debate questões relacionadas a cultura, política, concretude e potencialidade de transformação dos materiais.  Notas 1. Ver NAVES, Rodrigo. Nuno Ramos: uma espécie de origem. In: NAVES, Rodrigo. O Vento e o Moinho: ensaios sobre arte moderna e contemporânea. São Paulo: Companhia das Letras, 2007. 2. Ver MAMMÌ, Lorenzo. Noites brancas. Curitiba: Casa da imagem, 1999.

REFERÊNCIAS

NUNO Ramos. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa2459/nuno-ramos>. Acesso em: 28 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Odetto Guersoni (Jaboticabal SP 1924 - São Paulo SP 2007). Gravador, pintor, desenhista, ilustrador, escultor. Estuda pintura e artes decorativas no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo - Laosp, entre 1941 e 1945. Nesse período, expõe no Sindicato dos Artistas Plásticos e freqüenta o círculo de artistas do Grupo Santa Helena. Em 1947, participa da exposição 19 Pintores, na Galeria Prestes Maia, é contemplado com uma bolsa de estudo pelo governo francês, e viaja para Paris, onde inicia trabalhos em gravura. De volta ao Brasil, em 1951, funda a Oficina de Arte, em São Paulo. Em 1954, retorna à Europa por um ano, financiado pela Organização Internacional do Trabalho - OIT. Em Genebra, estuda gravura com René Cottet (1902 - 1992) e, em Paris, trabalha no ateliê de Stanley Hayter (1901 - 1988). De 1956 a 1957, assume a diretoria da União dos Artistas Plásticos de São Paulo. A partir de 1960, freqüenta, como estagiário, algumas escolas de arte nos Estados Unidos e no Japão como a The New York School of Printing e a Osaka University. Em 1971, também no Japão, freqüenta o ateliê de I. Jokuriti. Dois anos mais tarde, é eleito melhor gravador do ano pela Associação Paulista de Críticos de Arte - APCA. Participa, com sala especial, da Bienal Ibero-Americana de Montevidéu, em 1983. A Pinacoteca do Estado de São Paulo - Pesp realiza uma retrospectiva de sua obra, em 1994.

REFERÊNCIAS

ODETTO Guersoni. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8484/odetto-guersoni>. Acesso em: 28 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Olímpio dos Santos Bezerra (Araçatuba-SP - 1951) é artista plástico há 30 anos, a primeira exposição aconteceu em 1977, com a participação no Salão de Embu (SP), onde recebeu menção honrosa. Autodidata, natural de Araçatuba (SP), tem o currículo recheado de prêmios e medalhas. Suas telas integram acervos nos Estados Unidos, França, Grécia, Alemanha e Itália. No Salão Jovem Arte Mato-grossense, diversas participações. Ele foi um dos organizadores do acervo do Museu Rondon de Araçatuba (SP). Na década de 1980 viajou com o cantor Belchior divulgando a ecologia no Rio Grande do Sul. Foi também nesta década que participou de eventos voltados à arte primitiva na Europa. Suas obras em diferentes suportes e formatos evidenciam não só o interior de São Paulo, como também o interior de Mato Grosso, em imagens que espalham alegria, e cores intensas.   Pedaços de madeiras, objetos e móveis que foram parar no lixo, como portas de armário, cabeceiras de cama e discos de vinil, a partir de sua intervenção, passam a “sediar” universos líricos onde seus personagens convivem harmonicamente com a natureza e cenários repletos de cores.  Suas peças são permeadas por uma aura de nostalgia, que cujas memórias o conectam ao tempo em que viveu no interior de São Paulo, das situações cotidianas do campo. E de outro lado, o artista enfatiza que o projeto selecionado no Edital MT Nascentes, realizado pela Secretaria de Estado de Cultura, Esporte e Lazer (Secel-MT), também estimula a consciência ambiental. “Ao reciclar objetos de descarte em lixões estou colaborando com a preservação do meio ambiente e nessa prática, acabo por revisitar um passado recente onde não perdíamos nada e nem jogávamos fora mobiliário que, em muitos casos, eram herança de família”. Olímpio conta que tem o costume de sempre recordar a infância na roça. “Faço isso para me alegrar ou para contar aos meus filhos e netos as melhores aventuras. Parte da minha infância foi na roça e as doces lembranças que trago comigo daqueles tempos são daquele período e lugar. O título dessa exposição é para lembrar o passado”, explica. O artista tem no currículo dezenas de exposições em várias regiões do país, como a Bienal Naif de São Paulo e exposições internacionais em museus de Nápole (Itália), Nice (França) e Pequim (China).

REFERÊNCIAS

Texto e imagem retirados de: cultura.mt.gov.br/-/16772929-olimpio-bezerra-resgata-pecas-do-lixo-e-as-transforma-em-suportes-para-universos-liricos

 

Olímipio Bezerra em seu ateliê - Foto por: Júlio Rocha/Divulgação

BIOGRAFIA

Oswaldo Olney Krüse (São Paulo SP 1939 - Atibaia SP 2006). Fotógrafo. Estuda jornalismo na Escola de Comunicação da Universidade de São Paulo, graduando-se em 1972. Fotógrafo autodidata, começa a realizar colagens em 1965, inspirado pela obra do artista pop norte-americano Robert Rauschemberg. Trabalha, ao longo das últimas três décadas, para importantes órgãos da imprensa ora como fotógrafo, ora como jornalista, ora como crítico de arte, tais como os jornais O Estado de S. Paulo, Folha de S. Paulo, e Jornal da Tarde; e as revistas Vogue, IstoÉ, Quatro Rodas, e Arte Hoje. Realiza, a partir de 1968, diversas exposições individuais, de colagens, retratos de personalidades dos campos da arte e da cultura, ou ensaios, como aqueles que consagrou ao hotel Copacabana Palace, do Rio de Janeiro, em 1984, e ao Jornal da Tarde, de São Paulo, em 1986. Sua atuação como crítico de arte contribui para a aceitação da produção não consagrada pelo circuito oficial, como aquela que reune na I Mostra do Kitsch da Arte Aplicada, em 1973, ganhadora do Prêmio Comunicação do Ano, concedido pela Associação Paulista de Críticos de Arte.

REFERÊNCIAS

OLNEY Krüse. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1991/olney-kruse>. Acesso em: 17 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

OMAR PELLEGATTA (NASCEU EM: 1925, BUSTO ARSIZIO, ITÁLIA – DATA DE FALECIMENTO NÃO DISPONÍVEL) PINTOR CONHECIDO POR SUAS OBRAS DE TEMÁTICA SACRA, RETRATANDO MADONAS, CAVALEIROS E SANTOS COM IDEALIZAÇÃO DO SER HUMANO. SUA PRODUÇÃO INCLUI PAISAGENS URBANAS E COMPOSIÇÕES ABSTRATAS, SEMPRE MARCADAS POR TÉCNICAS ELABORADAS E PALETA VIBRANTE. PELLEGATTA IMIGROU PARA O BRASIL, ONDE CONSTRUIU GRANDE PARTE DE SUA CARREIRA. ELE REALIZOU DIVERSAS EXPOSIÇÕES, SENDO RECONHECIDO POR SUA HABILIDADE EM CAPTAR A ESSÊNCIA ESPIRITUAL E VISUAL EM SUAS TELAS. SUA ÚLTIMA FASE ARTÍSTICA DESTACOU O USO DE CORES MARCANTES E COMPOSIÇÕES MAIS EXPRESSIVAS.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Orlando Teruz (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1902 – Idem, 1984). Pintor e professor. Entre 1920 e 1923, estuda com os pintores Baptista da Costa (1865-1926) e Rodolfo Chambelland (1879-1967) na Escola Nacional de Belas Artes (Enba), no Rio de Janeiro. Entre 1921 e 1933, participa de várias edições da Exposição Geral de Belas Artes na capital carioca. Em 1931, participa do Salão Revolucionário, realizado na Enba durante a gestão do arquiteto Lucio Costa (1902-1998), e do 2º Salão de Maio, em São Paulo, em 1938. No ano de 1934, ganha o prêmio de viagem ao exterior, oferecido pelo Salão Nacional de Belas Artes, mas usufrui da viagem apenas em 1939, quando visita França, Holanda e Itália. Em 1941, Teruz recebe o prêmio de viagem ao país, promovido pelo Salão Nacional de Belas Artes. Em 1944, expõe na mostra Pintores Modernos Brasileiros, realizada em Londres. Ainda na década de 1940, trabalha com Lucio Costa e Candido Portinari (1903-1962) na implementação da divisão moderna do Salão Nacional de Belas Artes. Nos anos 1950, ensina pintura no Instituto de Belas Artes da Guanabara. Participa das Bienais Internacionais de São Paulo em 1951 e 1953. Na década de 1970, forma um museu particular em sua residência no Rio de Janeiro.

REFERÊNCIAS

Referência: Itaú Cultural

BIOGRAFIA

Oscar Pereira da Silva (São Fidélis, Rio de Janeiro, 1867 - São Paulo, São Paulo, 1939). Pintor, decorador, desenhista, professor. Entre 1882 e 1887, estuda na Academia Imperial de Belas Artes (Aiba), e é aluno de Zeferino da Costa, Victor Meirelles, Chaves Pinheiro e José Maria de Medeiros. Em 1887, torna-se ajudante de Zeferino da Costa na decoração da Igreja da Candelária, no Rio de Janeiro. Conquista o último prêmio de viagem ao exterior concedido pelo imperador dom Pedro II, transferindo-se para Paris em 1889. Estuda com os pintores Léon Bonnat e Jean-Léon Gérôme. No período em que permanece na França, produz diversos estudos e telas. Retorna ao Brasil em 1896. No Rio de Janeiro, realiza uma exposição individual no salão da Escola Nacional de Belas Artes (Enba), onde são apresentados 33 trabalhos feitos na Europa. No mesmo ano, transfere-se para São Paulo. Leciona no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo (Laosp) e no Ginásio do Estado, e ministra também aulas particulares em seu ateliê. Em 1897, funda o Núcleo Artístico, que, mais tarde, se transforma na Escola de Belas Artes, onde dá aulas. Entre 1903 e 1911, trabalha na decoração do Theatro Municipal de São Paulo, elaborando três murais: O Teatro na Grécia Antiga, A Dança e A Música. Entre 1907 e 1917, realiza pinturas para Igreja de Santa Cecília. Como pensionista do Governo do Estado de São Paulo, viaja a Paris em 1925.

REFERÊNCIAS

OSCAR Pereira da Silva. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10329/oscar-pereira-da-silva>. Acesso em: 08 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Octávio Ferreira de Araújo (Terra Roxa, São Paulo, 1926 - São Paulo, São Paulo, 2015). Gravador, pintor, desenhista, ilustrador, artista gráfico. Estuda pintura na Escola Profissional Masculina do Brás, em São Paulo, com Edmundo Migliaccio e José Barchitta, entre 1939 e 1943. Integra o Grupo dos 19, em 1947. Dois anos depois, viaja para Paris, onde estuda gravura na École National Supérieure des Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes] e freqüenta o Gabinete de Estampas do Musée du Louvre [Museu do Louvre]. Retorna ao Brasil em 1951, e no ano seguinte passa a residir no Rio de Janeiro. Indicado pelo pintor Clóvis Graciano (1907-1988), trabalha como auxiliar de Candido Portinari (1903-1962). Com o prêmio de gravura do Salão Para Todos, realizado no Rio de Janeiro, em 1959, viaja para a China. Recebe em 1960 uma bolsa de estudos do Instituto Répin, em Leningrado, atual São Petersburgo, patrocinada pelo Ministério da Cultura da União Soviética (atual Rússia). Em 1961, frequenta o Instituto Poligráfico em Moscou. Permanece nessa cidade por oito anos, e trabalha como ilustrador de livros latinos-americanos, tradutor e dublador de documentários. É realizada em 1972 a mostra Octávio Araújo: 20 Anos Depois, no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateubriand (Masp), e, em 1979, é publicado o livro Octávio Ferreira de Araújo: 10 Anos de Pintura, de José Roberto Teixeira Leite.

REFERÊNCIAS

OCTÁVIO Araújo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa5513/octavio-araujo>. Acesso em: 06 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Belo Horizonte, MG, 1955. Vive e trabalha em Belo Horizonte, MG.   Indicada ao PIPA 2010. Ao caminhar por diferentes referências, Patricia Leite busca meios de dar vazão às suas memórias e latências afetivas num exercício pictórico bastante particular. É possível encontrar em suas obras recorrentes ecos e ressonâncias de alguns temas e estilos bem marcados na história da arte, como a pintura de paisagem e elementos da pop art. Bacharel em Desenho e Gravura pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Minas Gerais, possui obras nas coleções do Museu de Arte da Pampulha, em Belo Horizonte; na Pinacoteca do Estado de São Paulo; no Centro Cultural Cândido Mendes, no Rio de Janeiro; e na Universidade Federal de Minas Gerais.

REFERÊNCIAS

https://www.premiopipa.com/pag/artistas/patricia-leite/

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Paulo Bacellar Monteiro (São Paulo, São Paulo, 1961). Escultor, pintor, desenhista, gravador, ilustrador.  No início da década de 1980, Paulo Monteiro, como outros artistas da Casa 7, realiza obras que apresentam afinidades com a produção dos neo-expressionistas alemães, na dramaticidade e na atmosfera sombria, e também fazem referências à obra do artista canadense Philip Guston (1913 - 1980). Monteiro, nessa época, pinta telas de grandes formatos, com fatura ampla, e tintas que escorrem. Como nota a crítica Aracy Amaral, o artista cria nos quadros profundidades ilusórias de interiores, com grande liberdade formal, unindo elementos de densidades diversas em telas estruturadas por excesso de camadas pictóricas. Na década de 1990, realiza desenhos nos quais revela a admiração pela produção de Mira Schendel (1919 - 1988). Os traços se espalham pelo papel em percurso aparentemente disperso, escapando a qualquer previsibilidade gráfica. Nota-se um esforço do artista para estabelecer as linhas no papel, que se desenvolvem principalmente em suas margens. Como nota o crítico Alberto Tassinari, Paulo Monteiro dá a impressão de mobilizar mais força do que o necessário para realizar os desenhos. O artista carrega o traço, elevando sua potência a um limiar além do qual o gesto ameaça o suporte. Toda essa concentração de ação é expressa no papel. Monteiro não se deixa guiar por um desenho espontâneo, instintivo, mas reafirma com seu traço a vontade de registrar uma ação por inteiro, com seus acertos e desacertos. O artista passa também a dedicar-se à escultura, inicialmente com obras de pequenas dimensões, criadas em argila e posteriormente fundidas em chumbo. Nelas, a matéria não é retirada ou acrescentada, mas apenas deslocada por gestos rigorosos. Cria formas irregulares, orgânicas, nas quais explora as rugosidades da superfície. Embora feitas de metais, suas esculturas têm um aspecto flexível e maleável. Algumas obras lembram máscaras ou fragmentos de corpos. Para o historiador da arte Rodrigo Naves, as esculturas revelam certa expansão, como se um núcleo interno presidisse uma dilatação imprevisível. Porém a impressão de movimento contrasta com o peso da própria matéria dessas obras, como se esse material fosse mais um empecilho do que uma condição para sua existência. Para Naves, do movimento do escultor ao manipular a argila surge uma estruturação, que, no entanto, realça a instabilidade do conjunto - a tendência a retornar ao aspecto informe original. Embora mantenham proximidade com obras de Claes Oldenburg (1929), as esculturas de Monteiro rejeitam a leveza e a ironia dos objetos da arte pop. Para o historiador da arte Nelson Aguilar, o artista faz nas esculturas o elogio do poder construtivo do gesto ao enfrentar a inércia da argila com a menor manipulação possível. Esse duelo entre o vazio e a vontade é expressa em seus desenhos e pinturas, nos quais a vastidão do campo branco do papel e da tela tende a contrabalançar a força do grafite ou da tinta em sua superfície.

REFERÊNCIAS

PAULO Monteiro. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10609/paulo-monteiro>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Paulo Augusto Pasta (Ariranha, São Paulo, 1959). Pintor, desenhista, ilustrador e professor. Gradua-se em artes plásticas na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA/USP), em 1983. Estuda desenho e gravura em metal com Evandro Carlos Jardim (1935). Faz cursos de litografia e serigrafia com Regina Silveira (1939) e pintura, com Donato Ferrari (1933) e Carmela Gross (1946). Atua como arte-educador na Pinacoteca do Estado de São Paulo, entre 1983 e 1985. Cria obras abstratas nas quais utiliza uma gama cromática reduzida, explorando variações tonais. Em 1984, realiza sua primeira exposição individual na Galeria D. H. L., em São Paulo. Recebe a Bolsa Emile Eddé de Artes Plásticas, em 1988. Tem relevante atividade docente, lecionando pintura na Faculdade Santa Marcelina (FASM), entre 1987 e 1999, e desenho na Universidade Presbiteriana Mackenzie, entre 1995 e 2002. É professor da Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), onde ingressa em 1998. Ministra ainda cursos livres em várias instituições culturais, como o Museu Brasileiro de Escultura (MuBE) e o Instituto Tomie Ohtake (ITO). Em 1990, recebe o Prêmio Brasília de Artes Plásticas no Museu de Arte de Brasília (MAB/DF) e, em 1997, o Prêmio Price Waterhouse - Conjunto de Obras, no 25º Panorama de Arte Brasileira do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP). Em 1998, é publicado o livro Paulo Pasta, pela Edusp. É mestre em artes plásticas pela ECA/USP, em 2002. Ilustra, entre outros, os livros Coração Partido - Uma Análise da Poesia Reflexiva de Drummond e Rocambole, ambos de autoria do crítico literário Davi Arrigucci Jr., publicados pela Editora Cosac & Naify, em 2002 e em 2005, respectivamente.

REFERÊNCIAS

PAULO Pasta. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9809/paulo-pasta>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7   |   Foto:  Leo Martins/Divulgação - vejasp.abril.com.br/blog/arte-ao-redor/paulo-pasta-quarentena/

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Petrônio Pereira Bax (Carmópolis de Minas MG 1927 - Belo Horizonte MG 2009). Pintor, escultor e desenhista. Filho de pai holandês e mãe brasileira, interessa-se por desenho e escultura desde a infância. Inicia-se nas artes como autodidata, por volta de 1940, em Belo Horizonte. Nessa cidade, estuda pintura com Guignard (1896-1962) e escultura com Franz Weissmann (1911-2005), no Instituto de Belas Artes da Escola Guignard, entre 1946 e 1951. Pinta paisagens de Minas Gerais, flores e retratos, porém o mar é o tema mais constante em suas telas, herança das histórias contadas por seu pai sobre a Holanda. Na década de 1970, recebe duas homenagens em Belo Horizonte: a crítica o escolhe como Destaque das Artes do ano de 1972 e a Minas Filmes produz um filme sobre ele, lançado em 1978. Em 1986, é eleito membro efetivo do conselho curador da Escola Guignard. Além de dedicar-se à pintura, escreve poesias. Em 1999, publica o livro Espelho de Alexandra. É membro fundador da Academia de Letras de Divinópolis. Aparece nos principais dicionários e enciclopédias de Artes Plásticas do país, bem como em livros, vídeos e documentários sobre a vida de Guignard. Em Divinópolis, há uma galeria que leva seu nome.

REFERÊNCIAS

PETRÔNIO Bax. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa22602/petronio-bax>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Pierre Edouard Léopold Verger (Paris, França 1902 - Salvador, BA, 1996). Fotógrafo, etnólogo, antropólogo, escritor. Aprende a fotografar com Pierre Boucher (1908-2000), em 1932, quando adquire sua primeira Rolleiflex. Percorre diversos países e colabora com jornais e revistas europeus e americanos, como Paris-Soir, em 1934; Daily Mirror, de 1935 a 1936; Life, em 1937; Match, em 1938; Argentina Libre e Mundo Argentino, em 1941 e 1942; e O Cruzeiro, de 1945 até fins dos anos de 1950. Em 1934 funda, com outros, a Alliance Photo, agência fotográfica que administra e divulga o material produzido pelos seus membros. Muda-se para Salvador, em 1946, e se dedica ao estudo da religião e cultura negra da África e do Brasil - tema do qual é um dos mais respeitados especialistas e autor de diversos livros sobre o assunto. Torna-se um iniciado no culto de divinação no Benim, com o insigne título de Fatumbi (renascido na graça de Ifá). A primeira fase de sua obra é representada pela publicação dos livros de fotografia, a partir de 1931, retratando as diversas culturas que conhece em suas viagens. Após 1946, concentra seu estudo na cultura iorubá e passa a fixar suas observações por escrito, passando de fotógrafo a escritor e etnólogo. Em 1966, obtém o título de doutor de terceiro grau da Sorbonne (Paris, França), com tese sobre o tráfico de escravos entre o Golfo do Benin e Bahia nos séculos XVII ao XIX. Em 1974, integra o corpo docente da Universidade Federal da Bahia (UFBA) e atua na criação do Museu Afro-Brasileiro, inaugurado em 1982. Desde 1989, a Fundação Pierre Verger conserva seus 62 mil negativos, sua vasta biblioteca, seu arquivo pessoal e se encarrega da difusão de seu legado antropológico e fotográfico.

REFERÊNCIAS

PIERRE Verger. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa2536/pierre-verger>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Raimundo Falcão de Oliveira (Feira de Santana BA 1930 - Salvador BA 1966). Gravador, pintor, desenhista. Inicia-se nas artes por intermédio da mãe, pintora de temática religiosa, que o encaminha para o desenho e a pintura, como também o orienta na religião. Incentivado pela professora de desenho, expõe pela primeira vez no Ginásio Santanópolis, onde retrata os professores da escola. Após a conclusão do curso ginasial, em 1947, segue para Salvador, onde faz cursos regulares de pintura com Maria Célia Amado, na Escola de Belas Artes da Universidade da Bahia, e conhece Mario Cravo Júnior e Jenner Augusto . Realiza a primeira individual no hall da Prefeitura de Feira de Santana, em 1951, momento em que se liga a um grupo de artistas independentes, responsável pelos Cadernos da Bahia. Reside em São Paulo de 1958 a 1964, depois volta a morar na Bahia. Vive no Rio de Janeiro entre 1965 e 1966. No ano de seu suicídio, 1966, é editada a Pequena Bíblia de Raimundo de Oliveira. Xilogravuras, pela Galeria Bonino e Petite Galerie, organizada por Julio Pacello, com prefácio de Jorge Amado. Em 1982, é publicado o segundo álbum do artista, Via Crucis, pela Fundação Cultural do Estado da Bahia, e é inaugurada a Galeria Raimundo de Oliveira, em Salvador.

REFERÊNCIAS

RAIMUNDO de Oliveira. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9447/raimundo-de-oliveira>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Ramon Cáceres nasceu em 1944, em Quiindy, Paraguai. Depois de estudar pintura e música na Escola de Belas Artes da Universidade Nacional do Paraguai, em Assunção, emigrou para o Brasil, em 1970, fixando residência em São Paulo, onde desenvolveu sua carreira artística. Ramón participou de numerosas exposições coletivas no Brasil e no exterior, e realizou sete exposições individuais no Brasil, uma delas no MASP – Museu de Arte de São Paulo, sendo apresentado por seu então diretor P. M. Bardi.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/ramon-caceres/biografia

BIOGRAFIA

Sebastião Theodoro Paulino da Silva (Oscar Bressane, São Paulo, 1923 - Assis, São Paulo, 2003). Pintor e desenhista. Filho de agricultores, muda-se com a família para Assis, São Paulo, após a morte do pai em 1925. Analfabeto e apresentando desvios comportamentais, somente aos 24 anos consegue o primeiro trabalho, auxiliando na produção de garapa. Com a morte do seu patrão e protetor, João Romero, conhecido como João Garapeiro, passa a sobreviver como catador de papéis, latas e garrafas, morando em ranchos abandonados, o que lhe vale o apelido de Ranchinho. É incentivado pelo escritor José Nazareno Mimessi (1925-1991), fundador do Museu de Arte Primitiva de Assis, a aprender técnicas de guache e acrílica sobre aglomerado de madeira. Realiza várias individuais, entre 1974 e 1976, no Clube Recreativo de Assis; em 1975, no Centro de Artes da Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Assis, e em 1981, no SESC Bauru, São Paulo. Em 1982, expõe ainda na galeria Brasiliana, e, em 1988, na Galeria de Arte Paulo Vasconcelos, em São Paulo. Participa da 12ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1973, e da Bienal Nacional 76, também em São Paulo. É premiado na 1ª Exposição de Artes Plásticas de Assis, em 1971; no 1º Salão de Artes Plásticas de Assis, em 1980; na Mostra Nacional de Arte Ingênua e Primitiva, na Galeria de Arte SESC de Piracicaba, em 1987; e na 4ª Bienal Naïfs do Brasil, no SESC Piracicaba, São Paulo, em 1998, participando ainda das edições de 1994, 2000 e 2002 da mesma mostra. Em 1978, torna-se personagem principal de um filme super-8 realizado por Antônio Carlos L. Belotto. Na Cidade do México, participa das exposições Pintores Populares y 3 Grabadores de Brasil, no Instituto Nacional de Belas Artes, e Pintura Primitiva de Brasil, no Museu Carrillo Gil, ambas em 1980. Apresenta telas na mostra Gente da Terra e na exposição 10 anos de Paço das Artes em 1980 e 1981, respectivamente, no Paço das Artes, em São Paulo. Na mesma cidade, integra as mostras Brasiliana: o homem e a terra, na Pinacoteca do Estado, em 1988; Brasil + 500 Mostra do Redescobrimento, na Fundação Bienal, em 2000; e Pop Brasil: a arte popular e o popular na arte, no Centro Cultural Banco do Brasil - CCBB, em 2002. Apresenta trabalhos em várias mostras de arte ingênua no interior do estado de São Paulo, entre 1978 e 1994.

REFERÊNCIAS

RANCHINHO . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8564/ranchinho>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

É uma arte que provoca uma atenção imediata. Ação que gera reação. Ele é um bicho raro no universo das artes plásticas de hoje: uma voz consistente, profunda, pessoal e intensamente independente.

REFERÊNCIAS

fonte: http://semanadeartesolidaria.com.br/profile/renato-santana/

BIOGRAFIA

Renée Lefevre (São Paulo SP 1910 - idem 1996). Ilustradora, pintora e desenhista. Estuda desenho com o pintor Pedro Alexandrino. Integra a Família Artística Paulista - FAP. Participa de várias edições do Salão Paulista de Belas Artes, de 1934 a 1940. Na década de 1940, atua como secretária do Sindicato dos Artistas Plásticos de São Paulo, frequenta a Académie Julian e a Académie de La Grande Chaumière em Paris e integra a 46ª, 47ª e 50ª edições do Salão Nacional de Belas Artes. Divisão Moderna. Expõe na 1ª e 2ª edições da Bienal Internacional de São Paulo, em 1951 e 1953. Em 1969, lança o livro Minas: Cidades Barrocas, na Galeria Azulão, pelo qual recebe o Prêmio Jabuti na categoria Melhores Ilustrações. Como ilustradora, participa ainda das publicações: São Paulo, Sua Arquitetura: colônia e império, com textos de Carlos Lemos (1974); Maranhão: São Luiz e Alcântara, com textos de Odylo Costa Filho (1971) e A Bahia, do Encanto ao Choro, com textos de Fernando Luiz da Fonseca (1977).

REFERÊNCIAS

RENÉE Lefèvre. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa755/renee-lefevre>. Acesso em: 02 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Renina Katz Pedreira (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1925). Gravadora, desenhista, ilustradora, professora. Cursa a Escola Nacional de Belas Artes (Enba), no Rio de Janeiro, entre 1947 e 1950. Tem como professores, entre outros, Henrique Cavalleiro (1892-1975) e Quirino Campofiorito (1902-1993). Licencia-se em desenho pela Faculdade de Filosofia da Universidade do Brasil. Inicia-se em xilogravura com Axl Leskoschek (1889-1975), em 1946. Incentivada por Poty Lazzarotto (1924-1998), ingressa no curso de gravura em metal, oferecido por Carlos Oswald (1882-1971) no Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro. Muda-se para São Paulo em 1951, e leciona gravura no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp) e, posteriormente, na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), até a década de 1960. Em 1956, publica o primeiro álbum de gravuras, intitulado Favela. A partir dessa data, é docente da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP), onde permanece por 28 anos.

REFERÊNCIAS

RENINA Katz. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa5505/renina-katz>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Renzo Gori nasceu em 8 de maio de 1911 - Florença (Itália) Pintor, restaurador, músico 1940/1941 - Norte da África e França - Faz longas viagens como musico e pintor 1942/1990 - São Paulo SP - Antes de residir definitivamente em São Paulo, passa pelo Rio de Janeiro, Salvador, Belo Horizonte EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS 1977 - São Paulo SP - Individual, no Centro Nacional de Arte (Cenarte) 1977 - Brasília DF - Renzo Gori, na Itaugaleria EXPOSIÇÕES COLETIVAS 1936 - Tetouan (Marrocos) - Mostra, na Galeria D´Art 1937 - Rabat (Marrocos) - Mostra, no Salão L´Echo du Maroc 1939 - Casablanca, Rabat, Fez e Meknes (Marrocos) - Mostra D´Art Sumica, na Galerie D´Art e no Salão Conservatório de Música 1939 - São Miguel (Açores) - Mostra, no ateliê do pintor Bernardo 1940 - São Paulo SP - 7º Salão Paulista de Belas Artes, no Salão de Arte Almeida Júnior da Prefeitura Municipal de São Paulo 1940 - Rio de Janeiro RJ - Mostra, no Salão do Maitre Paul 1940 - Belo Horizonte MG - Mostra, no Hall do Edifício Guimarães 1940 - São Paulo SP - Mostra, na Casa e Jardim 1941 - São Paulo SP - Salão da Rua Barão de Itapetininga 1942 - São Paulo SP - Salão Uná da Casa Suíça 1942 - São Paulo SP - 8º Salão Paulista de Belas Artes, na Galeria Prestes Maia 1943 - São Paulo SP - 9º Salão Paulista de Belas Artes - medalha de bronze 1944 - São Paulo SP - Salão da Rua Dom José de Barros, 324 1945 - Petrópolis RJ - Salão Petrópolis 1946 - São Paulo SP - Mostra, na Galeria de Arte Itá e Casa Suíça 1949 - São Paulo SP - 15º Salão Paulista de Belas Artes, na Galeria Prestes Maia 1975 - São Paulo SP - Mostra, na Galeria Domus 1977 - Brasília DF - Mostra, no Banco Itaú de Brasília 1978 - São Paulo SP - Mostra, em A Galeria 1979 - São Paulo SP - Mostra da Sociarte 2003 - São Paulo SP - Pintores do Litoral Paulista, na Sociarte  

REFERÊNCIAS

Fonte: Itaú Cultural - Enciclopédia de Artes Visuais/Galeria Contemporanea

BIOGRAFIA

Roberto Burle Marx (São Paulo, São Paulo, 1909 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1994). Paisagista, arquiteto, desenhista, pintor, gravador, litógrafo, escultor, tapeceiro, ceramista, designer de jóias, decorador. Durante a infância vive no Rio de Janeiro. Vai com a família para a Alemanha, em 1928. Em Berlim, estuda canto e se integra à vida cultural da cidade, freqüenta teatros, óperas, museus e galerias de arte. Entra em contato com as obras de Vincent van Gogh (1853-1890), Pablo Picasso (1881-1973) e Paul Klee (1879-1940). Em 1929, freqüenta o ateliê de pintura de Degner Klemn. Nos jardins e museus botânicos de Dahlen, em Berlim, entusiasma-se ao encontrar exemplares da flora brasileira. De volta ao Brasil, faz curso de pintura e arquitetura na Escola Nacional de Belas Artes (Enba), Rio de Janeiro, entre 1930 e 1934, onde é aluno de Leo Putz (1869-1940), Augusto Bracet (1881-1960) e Celso Antônio (1896-1984). Em 1932, realiza seu primeiro projeto de jardim para a residência da família Schwartz, no Rio de Janeiro, a convite do arquiteto Lucio Costa (1902-1998), que realiza o projeto de arquitetura com Gregori Warchavchik (1896-1972). Entre 1934 e 1937, ocupa o cargo de diretor de parques e jardins do Recife, Pernambuco, onde passa a residir. Nesse período, vai com freqüência ao Rio de Janeiro e tem aulas com Candido Portinari (1903-1962) e com o escritor Mário de Andrade (1893-1945), no Instituto de Arte da Universidade do Distrito Federal. Em 1937, retorna ao Rio de Janeiro e trabalha como assistente de Candido Portinari. O final da década de 1930 arca a integração de sua obra paisagística à arquitetura moderna, época em que o artista experimenta formas orgânicas e sinuosas na elaboração de seus projetos. Sua paixão por plantas remonta à juventude, quando se interessa por botânica e jardinagem, mas é em 1949 que Roberto Burle Marx organiza uma grande coleção, quando adquire um sítio de 800.000 m², em Campo Grande, Rio de Janeiro. Em companhia de botânicos, realiza inúmeras viagens por diversas regiões do país, para coletar e catalogar exemplares de plantas, reproduzindo em sua obra a diversidade fitogeográfica brasileira.

REFERÊNCIAS

BURLE Marx. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa1461/burle-marx>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7   |   foto:Burle Marx , 1952 , Chico Albuquerque

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Roberto de Oliveira Magalhães (Rio de Janeiro RJ 1940). Pintor, desenhista gravador. Realiza seu aprendizado artístico com as atividades profissionais iniciadas precocemente: primeiro, na gráfica do tio (desenho de rótulos e propagandas); em seguida, fazendo capas de livros e discos e desenhos publicitários. Frequenta cursos da Escola Nacional de Belas Artes (Enba), como aluno livre, em 1961. No decorrer da década de 1960, participa de diversas coletivas, no Brasil e no exterior: 1962, expõe desenhos a nanquim na Galeria Macunaíma, anexa à Enba; em 1964, realiza sua primeira individual de xilogravuras, na Petite Galerie, Rio de Janeiro; e recebe, no ano seguinte, o prêmio de gravura da 4ª Bienal de Paris. Segue para a capital francesa, em 1967, depois de ganhar o prêmio viagem ao exterior no 15º Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM), em 1966, com a xilogravura Édipo Decifra o Enigma da Esfinge. Em Paris expõe com Antonio Dias (1944) na Galeria Debret, em 1968. Estudos de ocultismo, teosofia e, sobretudo, a aproximação ao budismo a partir de 1969 levam-no a residir por quatro anos no Centro de Meditação da Sociedade Budista do Brasil, quando interrompe a atividade artística. Em 1975, recomeça o trabalho com arte por meio de exposições individuais de desenho e pintura no Rio e em São Paulo, e de aulas no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). Integra coletivas de gravuras e desenhos, na década de 1980. Em 1992, o Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), do Rio de Janeiro organiza uma retrospectiva dos 30 anos de produção do artista, a maior dedicada a sua obra.

REFERÊNCIAS

ROBERTO Magalhães. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9435/roberto-magalhaes>. Acesso em: 23 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Nascido em Bento Gonçalves, RS, 1977. Vive e trabalha em São Paulo desde 2002. É formado em Artes Plásticas pela Universidade Federal de Santa Maria. Desde 2014 integra o Ateliê Fidalga, sob a coordenação dos artistas Albano Afonso e Sandra Cinto. Transita entre a fotografia, a pintura e o desenho, e pesquisa aspectos discursivos da linguagem visual. Em novembro de 2019, inaugura a exposição individual Rodrigo Linhares: Vivências por Reflexo no MAC USP - Museu de Arte Contemporânea da USP. Anteriormente expôs seus trabalhos nas exposições [DIS]Trópicos, na Funarte SP, Retrotopias, no espaço independente edifício Magdalena Laura, no centro de São Paulo (2018), e em mostras individuais no Museu de Arte de Ribeirão Preto (2018), na Adelina Galeria (2017) e no Projeto Fidalga (2016). Rodrigo foi premiado no 42º SARP - Salão de Arte de Ribeirão Preto (2017), no 51º SAC - Piracicaba (2019) e no 44º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto (2016), além de ter sido indicado ao prêmio PIPA em 2018 e de ter participado da 8º edição do Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia no Pará, em 2017. Exposições Individuais 2021 - Temporada de Projetos do Paço das Artes 2020. São Paulo, SP. (exposição adiada para julho de 2021) 2019 - Rodrigo Linhares | Vivências por Reflexo - MAC USP - Museu de Arte Contemporânea da USP, de 09 de novembro de 2019 a 09 de fevereiro de 2020. 2018 - MARP - Museu de Arte de Ribeirão Preto, de 20 de abril a 25 de maio. 2017 - Algorab, Adelina Instituto, 26 de setembro a 04 de novembro. Curadoria de Nathalia Lavigne. São Paulo 2016 - Desaparecimento: primeiros estudos na sala expositiva do Projeto Fidalga. São Paulo SP Exposições Coletivas 2019 - Projeto "LIMITE" - Exposição "Do que se guarda". Museu de Arte de Ribeirão Preto - 51° Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba. - 26º Salão de Artes Plásticas de Praia Grande. 2018 - Ocupação Retropias. Exposição Paralela a Bienal de SP. De 05 de setembro a 09 de outubro. Edifício Madalena Laura, centro de São Paulo. - [DES]trópicos. Funarte SP. De 09 de junho a 29 de Julho. São Paulo SP. 2017 - Para que eu possa ouvir, coletiva de inauguração da Adelina Instituto. São Paulo SP. - VIII Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia em Belém PA. - Library of Love no Contemporary Arts Center em Cincinnati. - 42º SARP - Salão de Arte de Ribeirão Preto Nacional - Contemporâneo SP. Museu de Arte de Ribeirão Preto 2016 - 44º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto. Santo André SP. - Intervenção fotográfica em grande escala no prédio da futura sede da Adelina Instituto. São Paulo SP. 2015 - 16º Salão Nacional de Arte de Jataí GO. - 31º Salão de Artes Plásticas de Jacarezinho PR. - Participação do livro 43 Visões do Monte Fuji por Artistas Contemporâneos Brasileiros exposto no The Fine Art Laboratory Gallery/FAL, da Universidade de Arte de Musashino (Japão) - iniciativa do Ateliê Fidalga. Prêmios e indicações 2019 - Prêmio Aquisição no 51° Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba 2018 - Indicado a Prêmio PIPA. 2017 - Prêmio aquisição no 42º SARP - Salão de Arte de Ribeirão Preto 2016 - Prêmio aquisição no 44º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto. Santo André SP Residências Artísticas 2017 - Residência artística no Ateliê de Adelina de junho a dezembro. São Paulo SP 2016 - Residência Paulo Reis / Projeto Fidalga no mês de junho. São Paulo SP.

REFERÊNCIAS

Fonte: https://artsoul.com.br/artistas/rodrigo-linhares

BIOGRAFIA

Rosilene Fontes cresceu em Minas Gerais, vive e trabalha em São Paulo. Graduada em arquitetura e urbanismo.  Seus trabalhos são desenhos, colagens, fotografia e pintura que criam narrativas baseadas em memórias da infância, sejam elas pessoais ou não. Seu processo de criação é desenvolvido através de pesquisas, catalogação de imagens de revistas, livros, fotografias e objetos, incorporados de semelhanças, repetições, coincidências, sincronias de tempo e espaço. Um mecanismo de identificação potencial universal de imágens e histórias que se apresentam como possibilidade de diálogo com o público, através de narrativas não lineares e abertas. Participou do grupo Hermes Artes Visuais (2016 a 2018). Participou do Grupo aluga-se (2010 a 2018). Dentre as exposições que participou se destacam a individual Uma História da Infância, na Galeria Dconcept, em 2016 e as coletivas  realizadas no Programa de Exposições do MARP-Museu de arte de Ribeirão Preto (2011, 2012,  2014 e 2017),  Exposição Aluga-se Ville, na Central Galeria, São Paulo - 2012 e a exposição “The dirty and the bad from São Paulo to Svendborg” (Instituição SAK - Svendborg, Dinamarca - 2011)

REFERÊNCIAS

Texto retirado do Site da Artista

http://www.rosilene-fontes.com.br/mini-bio

BIOGRAFIA

Rubem Mauro Cardoso Ludolf (Maceió AL 1932 - Rio de Janeiro 2010). Pintor, arquiteto, paisagista. Forma-se pela Escola Nacional de Arquitetura da Universidade Brasil, atual Universidade Federal do Rio de Janeiro - UFRJ, em 1955. Nessa época, freqüenta as aulas de Ivan Serpa (1923-1973) no curso livre de pintura do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). Participa do Grupo Frente a partir de 1955. Integra-se ao movimento concretista, entre 1956 e 1957. Paralelamente a sua atividade como artista plástico, Rubem Ludolf atua como arquiteto, entre 1954 e 1990, no Departamento Nacional de Estradas de Rodagem (DNER), dedicando-se principalmente ao paisagismo. Participa de cinco edições da Bienal Internacional de São Paulo, entre 1955 e 1967, recebendo o prêmio aquisição dessa última; é um dos integrantes da sala especial Arte Construída: homenagem a Waldemar Cordeiro, exibida na 12ª edição da mostra, em 1973.

REFERÊNCIAS

RUBEM Ludolf. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9536/rubem-ludolf>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Rubem Valentim (Salvador BA 1922 - São Paulo SP 1991). Escultor, pintor, gravador, professor. Inicia-se nas artes visuais na década de 1940, como pintor autodidata. Entre 1946 e 1947 participa do movimento de renovação das artes plásticas na Bahia, com Mario Cravo Júnior (1923), Carlos Bastos (1925) e outros artistas. Em 1953 forma-se em jornalismo pela Universidade da Bahia e publica artigos sobre arte. Reside no Rio de Janeiro entre 1957 e 1963, onde se torna professor assistente de Carlos Cavalcanti no curso de história da arte, no Instituto de Belas Artes. Reside em Roma entre 1963 e 1966, com o prêmio viagem ao exterior, obtido no Salão Nacional de Arte Moderna - SNAM. Em 1966 participa do Festival Mundial de Artes Negras em Dacar, Senegal. Ao retornar ao Brasil, reside em Brasília e leciona pintura no Ateliê Livre do Instituto de Artes da Universidade de Brasília - UnB. Em 1972, faz um mural de mármore para o edifício-sede da Novacap em Brasília, considerado sua primeira obra pública. O crítico de arte Frederico Morais elabora em 1974 o audiovisual A Arte de Rubem Valentim. Em 1979, Valentim realiza escultura de concreto aparente, instalada na Praça da Sé, em São Paulo, definindo-a como o Marco Sincrético da Cultura Afro-Brasileira e, no mesmo ano e é designado, por uma comissão de críticos, para executar cinco medalhões de ouro, prata e bronze, para os quais recria símbolos afro-brasileiros para a Casa da Moeda do Brasil. Em 1998 o Museu de Arte da Moderna da Bahia - MAM/BA inaugura a Sala Especial Rubem Valentim no Parque de Esculturas.

REFERÊNCIAS

RUBEM Valentim. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8766/rubem-valentim>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Rubens Herschmann (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1942 - São Paulo, São Paulo, 2008). Pintor, desenhista, gravador, escultor. Em 1957, freqüenta o Liceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro, onde estuda desenho. Faz curso de xilogravura com Adir Botelho (1932) e freqüenta a Escola Nacional de Belas Artes (Enba), entre 1960 e 1961. Em 1967, é contemplado com o prêmio de viagem ao exterior no 16º Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM) e viaja para os Estados Unidos. Reside em Nova York entre 1968 e 1972. Retorna ao Brasil e faz o roteiro, a cenografia e direção do filme Triunfo Hermético e os curtas ValCarnal e Behind the Broken Glass. De 1975 a 1979, assume a direção da Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV/Parque Lage), Rio de Janeiro. É co-fundador e diretor da revista Malasartes. Em 1978, viaja para os Estados Unidos com bolsa da Fundação John Simon Guggenheim. Em 1981, a convite da arquiteta Lina Bo Bardi (1914-1992), realiza painel de azulejos para o Sesc Fábrica Pompéia, em São Paulo. Em 1982, permanece por um ano em Berlim como artista residente, a convite do Deutscher Akademischer Austauch Dienst (DAAD) [Serviço Alemão de Intercâmbio Acadêmico]. Lança, em 1989, o livro Gerchman, com textos do crítico de arte Wilson Coutinho. Publica o álbum de litografias Dupla Identidade, com texto do poeta Armando Freitas Filho (1940), em 1993. Como docente ministra cursos no Brasil e no exterior. Em 2000, lança álbum com 32 litografias, primeiro volume da coleção Cahier d'Artiste, da Lithos Edições de Arte.

REFERÊNCIAS

RUBENS Gerchman. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa2104/rubens-gerchman>. Acesso em: 16 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Salvador   Dalí  ( nasceu1904 figueres morreu 1989 Figueres)   Salvador Dalí é reconhecido como um dos maiores expoentes do surrealismo, um movimento artístico caracterizado por elementos oníricos, simbolismo e criatividade fora do convencional. Ele também é celebrado por sua técnica impecável, imaginação exuberante e obras icônica Dalí conheceu Picasso em 1929 e juntou-se ao surrealismo em 1930. Destacou-se com obras como “A Persistência da Memória”, influenciado por Freud. Casou-se com Gala em 1934 e foi expulso do surrealismo em 1939 por razões políticas. Entre 1942 e 1948, viveu nos EUA, retornando à Catalunha em 1949. Em 1960, inaugurou o Teatro-Museu Gala Salvador Dalí. Após a morte de Gala em 1982, entrou em depressão, parando de produzir.

REFERÊNCIAS

https://www.suapesquisa.com/biografias/salvador_dali.htm

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

SAMSON FLEXOR (NASCEU EM: 1907, SOROCA, BESSARÁBIA, RÚSSIA – FALECEU EM: 1971,SÃO PAULO, SP).  PINTOR E DESENHISTA MOLDÁVIO QUE SE TORNOU UMA FIGURA CENTRAL NA ARTE MODERNA BRASILEIRA. APÓS ESTUDAR ARTE NA EUROPA E FUGIR DA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL, ESTABELECEU-SE NO BRASIL, ONDE SE TORNOU UM PIONEIRO DO ABSTRACIONISMO. SUA OBRA, RICA EM NUANCES E EXPERIMENTAÇÕES, TRANSITOU POR DIVERSOS ESTILOS, DESDE O FIGURATIVO ATÉ A ABSTRAÇÃO GEOMÉTRICA E LÍRICA. FLEXOR FOI UM DOS FUNDADORES DO ATELIER-ABSTRAÇÃO EM SÃO PAULO E PARTICIPOU ATIVAMENTE DA CENA ARTÍSTICA BRASILEIRA. SUA INFLUÊNCIA NA ARTE BRASILEIRA É INEGÁVEL, TENDO DEIXADO UM LEGADO SIGNIFICATIVO PARA AS FUTURAS GERAÇÕES DE ARTISTAS.

REFERÊNCIAS

Referência: Itaú Cultural

BIOGRAFIA

Sandra Regina Cinto (Santo André, São Paulo, 1968). Desenhista, pintora, escultora, gravadora e professora. Faz do desenho o fio condutor de sua obra, mas transita entre diferentes modalidades de produção artística, como a instalação e a escultura. Em muitos de seus trabalhos, os espectadores adentram espaços que estimulam a reflexão sobre o ambiente ao redor e como ele é ocupado. Forma-se em educação artística nas Faculdades Integradas Teresa d'Ávila (Fatea), em Santo André, São Paulo, em 1990. No ano seguinte, expõe no Laboratório de Estudos e Criação da Pinacoteca do Estado de São Paulo (Pina_). Em 1992, realiza suas duas primeiras exposições individuais, no Centro Cultural São Paulo (CCSP), em São Paulo, e na Galeria Espaço Alternativo, no Rio de Janeiro. Para os críticos Raphaela Platow e Adriano Pedrosa (1965), o desenho é a linguagem essencial de Sandra Cinto, que trabalha também com a pintura, a escultura e a instalação. Usado como rascunho em seus primeiros trabalhos, como Retábulo (1995), no qual pinta nuvens em superfícies de madeira, o desenho torna-se, em obras posteriores, forma final. Como ilustradora, faz seu primeiro trabalho em 1996, para a Folha de S.Paulo. No ano de 1997, recebe o Prêmio Aquisição no Salão de Arte Contemporânea Victor Meirelles e participa da Feira Internacional de Arte Contemporânea, em Madri. A partir de 1998, leciona desenho de expressão na Faculdade de Artes Plásticas da Fundação Armando Alvares Penteado (Faap) e coordena, com o artista Albano Afonso (1964), o grupo de estudos do Ateliê Fidalga, em São Paulo. Como artista residente, fica por seis meses na Cité des Arts, em Paris, no ano 2000. Cinco anos depois, recebe o prêmio residência da Civitella Foundation, em Umbertide, Itália. Desde 1990, faz diversas exposições coletivas e individuais, como Mam na Oca (2006), Construção (2006) e A Imitação da Água (2010). As dimensões das paisagens se alteram entre as obras de Sandra. Nuvens pintadas em suportes de pequeno e médio porte são substituídas por grandes céus noturnos e mares agitados, feitos com caneta esferográfica nas paredes de museus e galerias, como ocorre na obra Encontro das Águas (2013). Os desenhos são minuciosos e exigem o uso de diferentes canetas, além de um tempo longo de produção. Há também nas obras uma função arquitetônica: os desenhos convidam o público a imergir na paisagem, remetendo ao sublime e a imagens da natureza que geram sensações de vertigem e medo. Os murais se contrapõem ao ambiente, gerando paisagens oníricas em meio ao espaço urbano. A crítica Angélica de Moraes (1949), para quem a obra de Sandra lembra criações do pintor Guignard (1896-1962), vê nos trabalhos dela a evocação de um “universo do sonho e da utopia”.  Com os desenhos, Sandra expõe fotografias, cavalos de madeira, camas e outros itens. Esses objetos constituem um ambiente imaginativo, além de funcionarem como suportes para os desenhos, que cumprem o papel de “tecido conectivo entre os elementos”. O traço da artista, delicado e simples, revela influência do desenho japonês. Em 2011, ela confirma essa influência nipônica em um projeto para o Sesc Santo André, denominado Céu e mar para presente (Japonismo). Nele, aplica azulejos serigrafados às paredes que ficam ao redor de uma piscina. Para além das questões visuais, a filosofia se faz presente, por meio do zen, do vazio e da necessidade de valorizar o tempo. Livros são outros elementos constantes nas obras de Sandra Cinto, mas, na maioria das vezes, aparecem fechados e como parte das instalações. Um exemplo disso é a obra En Silencio II (2014), na qual um escritório evoca o vazio do espaço criativo enfrentado pelo trabalhador. Empilhados sobre uma mesa, os livros se tornam suportes para um violoncelo, cercados por partituras inacabadas. No mesmo ano, a artista cria Partitura, instalação que exibe pela primeira vez livros abertos. Como ocorre na obra En Silencio II, a ausência da figura humana é marcante na produção da artista. Segundo ela, o fator humano é contemplado pela presença dos espectadores e sua ocupação do espaço expositivo, em convergência com a obra. Em 2017, Sandra cria a instalação imersiva Biblioteca do Amor [Library of Love], no Contemporary Arts Center (CAC), em Cincinnati, Estados Unidos. O projeto coletivo leva ao público cerca de 200 livros-objetos, frutos da reflexão de artistas, consagrados e iniciantes, que pensam o amor em suas diferentes manifestações, considerando também sua ausência. O projeto se realiza em uma sala de leitura, na qual biblioteca e instalação artística convergem na chamada Sala de Contemplação. O espaço na área de convivência do CAC é criado com o objetivo de ampliar a reflexão. Configura-se como uma ação coletiva de observar as relações humanas propostas pelos livros dos artistas, em um ambiente de trânsito constante. Ao criar contraposições entre as obras e o ambiente que as cerca, Sandra gera atmosferas de sonho e utopia. Os desenhos e instalações levam o público a espaços de meditação e reflexão sobre a ordem do tempo e das relações ao seu redor.

REFERÊNCIAS

SANDRA Cinto. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10461/sandra-cinto>. Acesso em: 12 de Mai. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

Registro fotográfico André Seiti/Itaú Cultural

BIOGRAFIA

Sérgio Camargo (Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1930 - idem, 1990). Escultor. Considerado um dos mais originais artistas brasileiros ligados à vertente construtiva, destaca-se por explorar os limites da forma ao realizar cortes audaciosos nos materiais, em um procedimento por ele denominado “geometria empírica”. Embora tenha contato com trabalhos da vertente construtiva desde o início da carreira, Sérgio Camargo desenvolve uma obra independente e pessoal, sem filiar-se a qualquer grupo ou movimento. Durante dois anos (1946-1948), estuda na Academia Altamira, em Buenos Aires, onde é orientado pelos artistas argentinos Emilio Pettoruti (1892-1971) e Lucio Fontana (1899-1968). Lá, interessa-se pelo construtivismo da Argentina. Parte para Paris em 1948, onde estuda a obra do escultor romeno Constantin Brancusi (1876-1957) e faz um curso de filosofia na Sorbonne. Nesse período, familiariza-se com as esculturas de Georges Vantongerloo (1886-1965) e Henri Laurens (1885-1954). De volta ao Brasil, produz em 1954 suas primeiras esculturas figurativas de bronze, nas quais já se evidenciam a preocupação com o volume das obras e a potência dos cortes que ordenam as massas, qualidades fundamentais de seus trabalhos posteriores. Novamente em Paris (1961), frequenta o curso de sociologia da arte ministrado por Pierre Francastel (1905-1970), na École Pratique des Hautes Études, e faz experimentações com gesso, areia e tecido, criando estruturas informes e irregulares. A partir de 1963, produz a série Relevos, da qual se ocupa proficuamente por cerca de dez anos. A operação será quase sempre a mesma: dispor cilindros brancos de madeira de diversos tamanhos, cortados em ângulos variados, sobre uma superfície plana também branca e de madeira. O desafio está em criar composições nas quais a forma geométrica original ⎼ cilindros ou paralelepípedos ⎼ é sistematicamente rompida e rearticulada para estabelecer um novo arranjo, não reversível ao ponto de partida. Nesse instante, a diferença entre o método de Camargo e o procedimento do construtivismo histórico torna-se evidente. Mesmo incorporando a coerência da atitude sistemática e a exatidão geométrica, seu trabalho se abre para o imprevisto; abarca, na interpretação do crítico Ronaldo Brito (1949), a ordem e a loucura da ordem. Os relevos são acolhidos na Europa, e Camargo desenvolve uma carreira internacional bem-sucedida. Em meados dos anos 1960, o artista começa a experimentar o mármore de carrara em algumas peças. Realiza diversas obras para espaços públicos, entre elas: o muro estrutural do Palácio do Ministério das Relações Exteriores, em Brasília; o Tríptico do Banco do Brasil de Nova York; a coluna Homenagem a Brancusi, para a Faculdade de Medicina de Bourdeaux, França; uma escultura na Praça da Sé, em São Paulo; e um monumento para o Parque da Catacumba, no Rio de Janeiro. Somente nos anos 1970 passa a utilizar quase exclusivamente o mármore em trabalhos decididamente escultóricos, numa passagem natural dos relevos conhecidos como "trombas" às peças de chão. Por um lado, tal material, com fortes raízes na tradição escultórica, acentua o caráter de permanência e estabilidade dos trabalhos. Por outro, a superfície lisa e uniforme do mármore polido reage de modo mais efetivo aos efeitos da luz, intensificando o aspecto dinâmico e transitório do conjunto. Camargo retorna definitivamente ao Rio de Janeiro em 1974, mas mantém até o fim da vida um ateliê em Massa Carrara, Itália. Com peças alongadas em pedra negro-belga, produzidas nos anos 1980, o artista experimenta de modo radical os limites da forma ao realizar cortes cada vez mais agudos, ameaçando a integridade física da matéria. Alcança o ponto extremo de convivência possível entre a ordem e sua dissolução. Segundo os críticos, esses trabalhos acrescentariam certa conotação dramática ao singular construtivismo de Sérgio Camargo. A possibilidade de combinar, de modo coerente e conciso, um número restrito de volumes geométricos (cilindros, cubos, retângulos), sem prestar contas a uma racionalidade didática, confere ao método de Camargo um caráter experimental permanente ao longo de sua obra. Tal experimentalismo, guardadas as devidas diferenças, coloca-o ao lado de artistas como Lygia Clark (1920-1988), Mira Schendel (1919-1988) e Hélio Oiticica (1937-1980). Mesmo orientada pelo princípio construtivo da coerência e da lucidez integrais, a obra de Camargo não abandona o páthos de aventura característico da lírica moderna, como também observa Ronaldo Brito. Num período em que se acredita no esgotamento da inovação e no qual se defende a superação do legado moderno, Sérgio Camargo inaugura uma trajetória em que a relação conflituosa, mas sempre atenta, com uma tradição preexistente gera uma produção inovadora e singular.

REFERÊNCIAS

SÉRGIO Camargo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8759/sergio-camargo>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Sérgio Fingermann (São Paulo SP 1953). Pintor, gravador. Estuda desenho e pintura com Yolanda Mohalyi (1909-1978), em São Paulo, 1972; tem aulas com Mário de Luiggi em Veneza, Itália, entre 1973 e 1974. Freqüenta a Escola Brasil: em 1974, e estuda arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP), de 1975 a 1979. É premiado como Melhor Gravador pela Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA), em 1987. Análise Sérgio Fingermann atua como gravador desde o início de sua trajetória artística, quando realiza obras figurativas, nas quais dialoga com a produção de Evandro Carlos Jardim (1935). Realiza séries como Fragmentos de um Dia Extenso (1976), em que reproduz figuras relacionadas à sua visita a um parque em São Paulo, com um caráter intimista. Nessas gravuras, destacam-se os grafismos e o acentuado claro-escuro. Posteriormente, como nota o crítico Olívio Tavares de Araújo, o artista estabelece propostas para uma utilização diferente da gravura, não mais como multiplicadora de imagens, mas como o único suporte em que determinada idéia é exeqüível. Em exposição realizada em 1986, apresenta imagens obtidas por processos de justaposição de diferentes chapas, e por interferências com apliques de papel japonês colorido pelo artista, quimicamente integrados ao papel de tiragem. Na década de 1980, Sérgio Fingermann apresenta telas que se situam entre a figuração e a abstração. Posteriormente, a figuração narrativa de caráter intimista dos primeiros trabalhos dá lugar a obras com uma linguagem mais abstrata. A partir da metade dos anos 1990, o artista apresenta pinturas com as quais pretende "evocar a memória do espectador" por meio de inscrições, desenhos e manchas que parecem brotar na superfície. A "ferrugem" presente nesses quadros (obtida pela tinta com óxido de ferro) dá a impressão de que algo foi retirado dali, ficando apenas a marca de sua passagem. Nas obras mais recentes, associa ainda inscrições, grafismos e desenhos às manchas de cor, realizadas com pinceladas gestuais. Paralelamente à sua produção artística, Fingermann é responsável pela formação de novas gerações de artistas.

REFERÊNCIAS

SÉRGIO Fingermann. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9290/sergio-fingermann>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Sérgio Niculitcheff (São Paulo, SP, 1960). Pintor, desenhista, professor. Entre 1975 e 1977, estuda no Instituto de Artes e Decoração (Iadê). Frequenta, em 1978, o Ateliê de Gravura da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo (ECA/USP), onde é aluno de Evandro Carlos Jardim (1935). Em 1980, licencia-se em Educação Artística com especialização em Artes Plásticas, pela Faculdade de Belas Artes de São Paulo. Entre 1981 e 1982, viaja para a Europa, principalmente França e Espanha, onde participa de exposições e mantém contato com Leonilson (1957-1993) e Luiz Zerbini (1959). Em Paris, é auxiliar do artista Piza (1928), na Galeria Bellechase. Sua primeira exposição individual ocorre em 1985, em Curitiba. Obtém em 2004 o título de mestre em artes visuais pela Universidade Estadual Paulista "Júlio de Mesquita Filho" (Unesp). Desde 2007, ingressa no doutorado em Artes Visuais na Universidade Estadual de Campinas (Unicamp). Desde então, Niculitcheff já expôs em São Paulo, Campinas, Belém do Pará, Freiburg (Alemanha), Rio de Janeiro e Brasília, entre outras cidades. Comentário Crítico O significado da pintura de Sérgio Niculitcheff decorre, em grande medida, do efeito enigmático resultante de tirar objetos cotidianos de seu contexto: colchão, escada, livro etc., enfim, uma variedade de coisas presentes em nosso dia a dia figuram no centro da tela, pairando sobre um fundo neutro, homogêneo. Tal descontextualização, porém, não deve ser entendida como simples alienação, pois não se trata de apartar um objeto de seu ambiente apenas para negar-lhe a rede de significações que o sustenta. Ao invés disso, o artista pretende dirigir nosso olhar para o objeto em questão, nele concentrando nossa atenção, desmentindo sua banalidade. O espectador, ao olhar as telas de Niculitcheff, percebe imediatamente qual é o objeto representado (é um colchão, uma árvore, etc.), mas, ao mesmo tempo, uma questão se apresenta - saber qual é o significado dessa representação. E muito do vigor dessa dúvida vem justamente do isolamento em que a figura foi posta. Niculitcheff evidencia, assim, a distância existente entre olhar e ver, entre pousar os olhos e pensar com base no que se vê. É metáfora disso a distância ambígua entre as figuras e o fundo - próximos, sem dúvida, mas não se sabe o quanto. Reconhecimento e conhecimento não são idênticos, apesar de semelhantes. O artista aponta para o cerne do enigma existente mesmo nas coisas mais cotidianas, a centelha de mistério presente até mesmo naquilo destinado ao uso e ao descarte, a evocação de questões perenes vindas até mesmo de coisas passageiras, que logo se desfazem.

REFERÊNCIAS

NICULITCHEFF . In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9882/niculitcheff>. Acesso em: 19 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Sérgio Sister (São Paulo, São Paulo, 1948). Pintor, desenhista. Cursa pintura na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, entre 1964 e 1967, e desenho, com Ernestina Karman (1915-2004), de 1965 a 1967. Entre 1968 e 1975, realiza graduação em ciências sociais e pós-graduação em ciência política na Universidade de São Paulo (USP). Nesse período, é preso por motivos políticos. Permanece 19 meses, entre 1970 e 1971, no Presídio Tiradentes, em São Paulo, e freqüenta o ateliê livre dessa instituição. Torna-se membro do conselho consultivo da revista Guia das Artes. Na década de 1980, realiza telas abstratas e quadros de pequenas dimensões, e, no fim dos anos 1990, executa em madeira a série Ripas. Em 2002, é publicado o livro Sérgio Sister, com textos de Alberto Tassinari, Lorenzo Mammì, Rodrigo Naves e do próprio artista, pela Editora Casa da Imagem, de Curitiba. Atua ainda como jornalista e ilustrador, entre outros, do livro O Senhor do Bom Nome, de Ilan Brenman, publicado em 2004.

REFERÊNCIAS

SÉRGIO Sister. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa3733/sergio-sister>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

SÉRGIO TELLES (NASCEU EM: 1936, RIO DE JANEIRO,RJ – FALECEU EM: 2022, SÃO PAULO,SP) ARTISTA MULTIFACETADO, ATUANDO COMO PINTOR, DESENHISTA E ILUSTRADOR. SUA CARREIRA ARTÍSTICA INICIOU CEDO E FOI MARCADA POR UMA INTENSA PRODUÇÃO, COM DESTAQUE PARA SEUS TRABALHOS QUE RETRATAM A CULTURA BRASILEIRA, ESPECIALMENTE A BAHIA. TELLES CONCILIOU SUA PAIXÃO PELA ARTE COM UMA CARREIRA DIPLOMÁTICA, O QUE LHE PROPORCIONOU A OPORTUNIDADE DE VIAJAR PELO MUNDO E ENRIQUECER SUA PERSPECTIVA ARTÍSTICA. SUAS OBRAS, QUE TRANSITAM ENTRE O FIGURATIVO E O ABSTRATO, SÃO CARACTERIZADAS POR UMA RICA PALETA DE CORES E POR UM TRAÇO EXPRESSIVO. ALÉM DE SUA PRODUÇÃO INDIVIDUAL, TELLES TAMBÉM COLABOROU COM OUTROS ARTISTAS E ESCRITORES, COMO JORGE AMADO, DEIXANDO UM LEGADO IMPORTANTE PARA A ARTE BRASILEIRA.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Siegbert Franklin (Fortaleza, 1957) é artista plástico e ilustrador nascido em Fortaleza que passa a atuar profissionalmente em 1975 no Salão do Crato - CE e logo depois em 1978 com uma grande individual na galeria Antonio Bandeira - Feira de Ilusões. Cria um enorme interesse sobre seu trabalho entre críticos do Sudeste como Frederico de Moraes e Walmir Ayala já que se tratava de uma obra com fortes tendências conceituais, quando arte conceitual ainda não era uma moda vigente entre os jovens artistas do nordeste. Sob supervisão de Bené Fonteles Siegbert Franklin passa a mostrar desenhos e colagem com forte influência nos quadrinhos e na vertente da arte alemã do realismo critico. Depois de ganhar importantes prêmios em salões nacionais ( Salão Pernambucano de Arte, Salão do Paraná, Mostra do Desenho Brasileiro em Curitiba, Salão Nacional do Ceará e Salão de Abril em duas edições, Unifor Plastica entre outras) é convidado pelo Professor Bardi, na época curador e diretor do MASP em São Paulo, a fazer uma mostra individual de seus desenhos naquele prestigioso museu. Muda-se para São Paulo onde passa a trabalhar com várias galerias da cidade e a participar de mostras por todo o território nacional. Atualmente tem atividades constantes na Alemanha e França onde mantem trabalhos em galerias institucionais e particulares. Desenvolve trabalhos em vídeo e instalações alem de continuar ativo com seu trabalho sobre suportes convencionais como a pintura a gravura-litografia e o desenho. Também tem atuado como curador e ministrado oficinas, palestras e workshops no Brasil e na Europa. Reside em Fortaleza desde 2006.

REFERÊNCIAS

Fonte: https://www.guiadasartes.com.br/siegbert-franklin/biografia

BIOGRAFIA

SILVIO OPPENHEIM (NASCEU EM 1941, SÃO PAULO - FALECEU EM 2012, SÃO PAULO,SP) ARTISTA E ARQUITETO, FILHO DE IMIGRANTES JUDEUS ALEMÃES. DURANTE SUA CARREIRA, COMBINOU A ARQUITETURA COM A PRODUÇÃO ARTÍSTICA, CRIANDO MURAIS E PAINÉIS INTEGRADOS A PROJETOS DESENVOLVIDOS. ENTRE SUAS EXPOSIÇÕES MARCANTES ESTÃO A VIII E IX BIENAIS DE SÃO PAULO (1965, 1967), O PANORAMA DA ARTE ATUAL BRASILEIRA NO MAM-SP (1971, 1973, 1976), E MOSTRAS NA GALERIA COSME VELHO. NO EXTERIOR, EXPOSIÇÕES EM NOVA YORK E NO TENNESSEE. COMO GRAVADOR, PRODUZIU SERIGRAFIAS E LITOGRAFIAS A PARTIR DE 1979. RECEBEU BOLSA DE ESTUDOS DO DAAD PARA ESTUDAR EM BERLIM E PUBLICOU UM LIVRO SOBRE SUA ARTE EM 2004​.

REFERÊNCIAS

https://www.escritoriodearte.com/artista/silvio-oppenheim

https://www.guiadasartes.com.br/silvio-oppenheim/biografia

https://www.beirith.art.br/artista/Silvio-Oppenheim-/37

BIOGRAFIA

Sonia Ebling de Kermoal (Taquara RS 1918 - Rio de Janeiro RJ 2006). Escultora, pintora e professora. Inicia sua formação fazendo cursos de pintura e escultura na Escola de Belas Artes do Rio Grande do Sul e do Rio de Janeiro, entre 1944 e 1951. Em 1955, recebe o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Arte Moderna do Rio de Janeiro. De 1956 a 1959, viaja por vários países da Europa, estudando com Zadkine, em Paris, França. Reside nessa cidade, entre 1959 e 1968, e recebe uma bolsa de estudo da Fundação Calouste Gulbenkian. De volta ao Brasil, executa relevo para o Palácio dos Arcos, do Ministério das Relações Exteriores, em Brasília, Distrito Federal. Em 1970, ministra um curso de extensão técnica, diretamente em cimento, na Escola de Belas Artes da UFRGS. Seis anos depois, é convidada para lecionar escultura nessa mesma universidade.

REFERÊNCIAS

SONIA Ebling. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8531/sonia-ebling>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Sônia Gomes (Caetanópolis, Minas Gerais, 1948). Artista visual. Suas obras são impregnadas de visualidade pictórica, ao mesmo tempo que se inscrevem no espaço tridimensional. Transitam entre texturas sutis de fios de tecido e estruturas robustas. Os trabalhos evocam a memória e a ação do tempo sobre as coisas e revelam outros paradigmas estéticos, com fontes no trabalho manual, na cultura afro-brasileira e nas práticas visuais populares. Nascida em uma cidade que abriga importante produção têxtil, aprende cedo os princípios da costura com a avó materna. Após a morte da mãe, vive com parentes paternos e, com eles, entra em contato com a produção de bordados e rendas, que fazem parte de suas brincadeiras. Inicia as investigações visuais personalizando roupas, bijuterias e bolsas que destinava à comercialização. Com transformações cada vez maiores, essas peças ultrapassam os limites da funcionalidade. Ao viajar para os Estados Unidos, percebe a conexão desses trabalhos com a arte contemporânea e lá permanece por alguns meses para aprofundar seus estudos. Após formar-se em Direito, dedicando-se paralelamente à produção artística, cursa disciplinas livres de arte na Escola Guignard, da Universidade Estadual de Minas Gerais (UEMG). Em 1994, expõe estruturas abstratas, livros-objeto, colagens, reunidos em torno de questões pictóricas. Dez anos depois, realiza exposição individual de maior projeção, Objetos, em Belo Horizonte. A partir daí começa a receber doações de roupas e tecidos sem uso, que não haviam sido descartados por questões afetivas. Esse fato torna a ressignificação do que está perdido aspecto relevante em seu trabalho. Distantes dos gêneros escultóricos tradicionais, suas primeiras obras não se apoiam num sistema representativo, nem na exploração de relações puramente formais. Caracterizam-se pelos atos que as constróem – amarrações, torções etc. – e pelas funções que evocam formas como abrigo de outras formas: ninhos, casulos, mantos, trouxas. Em Memória (2004), uma série de construções e emendas de texturas criam padrões visuais variados. A obra se apresenta como superfície que pende no espaço, tal como um manto claro parcialmente coberto pelo grafismo das linhas. O caráter solene lembra mantos tribais, ou ainda a obra de Arthur Bispo do Rosário (1911-1989). Mas diferente dela, o tecido transformado por Gomes guarda apenas uma memória de sua antiga função de vestimenta, libertada para uma existência plástica mais livre. Se Bispo faz da costura metáfora do caminho de ascensão à vida espiritual, Gomes recupera aquilo que já se foi da vida, numa ressignificação dos vestígios. A sobreposição de costuras e linhas presas a arremates aludem à ação de coletar, reter, consertar o equilíbrio rompido da peça para que ela habite um novo tempo e lugar. Evoca-se a ausência daqueles que passaram por essas roupas e mostra-se a possibilidade de outra existência, a despeito de terem perdido a animação dos corpos que originalmente as habitavam. Diferente do uso que os artistas neoconcretos fizeram do tecido, o interesse de Gomes não parece residir na forma e na cor em si, mas no processo de construção, no uso, desgaste e na sobrevida dessas “peles”. Nas palavras do crítico Alexandre Bispo: “a artista explora o tempo buscando a espessura histórica que fica nas coisas, que as afeta enquanto materiais que mantiveram relações emocionais com os corpos”1. O reconhecimento no circuito brasileiro ocorre depois de a artista participar de mostras no exterior. Em 2013, expõe na mostra Art Basel, na Suíça, e sua obra Memória é publicada no suplemento cultural do Financial Times2. É convidada pelo curador nigeriano Okwui Enwezor para ser a única representante do Brasil na mostra especial da Bienal de Veneza de 2015. O interesse internacional pela obra de Gomes parece ver, na amplitude das questões que aborda, em linguagem abstrata, diálogos com uma emergente produção contemporânea que se afasta do pensamento hegemônico sobre arte, chamando a atenção para outras representatividades. O caminho percorrido por Sônia Gomes entre a artesania e a arte torna-se claro na obra Mãos de Ouro (2008). Trata-se de um livro-objeto que faz referência a um manual homônimo dirigido às mulheres, publicado semanalmente nos anos 1960/70, composto por lições de bordado, pinturas, crochê etc. Sobre folhas de papel encadernadas, Gomes acumula desenhos, costuras, recortes de revista, amarrações, tecidos, rendas e artigos de armarinhos reunidos em um par de luvas transparentes. O desvio daquilo que é prescrito pelo manual leva-a a formas mais livres de investigação poética. Partindo da não aceitação da norma, seu trabalho assume o risco de trilhar outros caminhos e assim ocupar o espaço público. A exploração tridimensional intensifica-se em sua produção com o aproveitamento da maleabilidade do tecido para a construção de estruturas cada vez mais complexas, que adquirem estabilidade por meio da junção de arames encobertos. Na obra de Gomes, a materialidade da linha oferece a um só tempo cor, textura e um potencial construtivo orgânico, que nasce ponto a ponto, nó a nó. Transforma o frágil bordado em escultura pelo gesto de torcer, abrir e fechar-se rumo ao tridimensional. Formas maleáveis inspiradas no trabalho tradicionalmente feminino e popular de ornamentação da vida doméstica tornam-se esculturas que revelam o avesso das coisas, numa organicidade visceral.

REFERÊNCIAS

SÔNIA Gomes. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa330138/sonia-gomes>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

SOU KIT GOM São Paulo - SP - Brasil 1º de Junho de 1973. Sua obra caracteriza-se pelo equilíbrio e harmonia de suas pinceladas soltas e expressivas. Seus temas, em geral objetos, flores e paisagismo, são sustentados por uma forte e intensa luminosidade, com o objetivo de valorizar a aproximação de tons e contrastes.

REFERÊNCIAS

guiadasartes.com.br/sou-kit-gom

BIOGRAFIA

Tarsila do Amaral (Capivari, São Paulo, 1886 – São Paulo, São Paulo, 1973). Pintora e desenhista. Influenciada por vanguardas europeias, especialmente pelo cubismo, cria um estilo próprio, explorando formas, temáticas e cores na busca por uma pintura de caráter tipicamente brasileiro. Passa a infância nas fazendas da família no interior de São Paulo e em 1902 vai à Espanha para completar os estudos no colégio Sacré Couer de Barcelona, onde se inicia nas artes. Em 1913, volta a São Paulo. Em 1916, trabalha no ateliê do escultor sueco William Zadig (1884-1952), com quem aprende a modelar. Em 1917, estuda desenho e pintura com o pintor Pedro Alexandrino (1856-1942), e conhece a pintora Anita Malfatti (1889-1964). Anos depois, faz aulas de pintura com o pintor alemão Georg Elpons (1865-1939), que lhe apresenta técnicas diferentes das acadêmicas. Em 1920, Tarsila vai a Paris para entrar em contato com a produção europeia e se aperfeiçoar. Ingressa na Académie Julian, e também tem aulas com a pintora francesa Emile Renard (1850-1930). Tem os primeiros contatos com a arte moderna e a produção dos dadaístas e futuristas. Em junho de 1922, depois da Semana de Arte Moderna, volta ao Brasil para “descobrir o modernismo” no país. Conhece os escritores Mário de Andrade (1893-1945), Oswald de Andrade (1890-1954) e Menotti del Picchia (1892-1988), e com eles e Anita Malfatti funda o Grupo dos Cinco. Tarsila pinta com cores mais ousadas e pinceladas mais marcadas. Faz retratos de Mário de Andrade e Oswald de Andrade com cores expressionistas e gestualidade marcada. Em 1923 volta a Paris e retoma as aulas, mas se distancia da educação convencional, acadêmica, para estudar as técnicas modernas. Entra em contato com grandes nomes do modernismo parisiense e essa convivência a influencia profundamente. Tem aulas, entre outros, com o pintor francês Albert Gleizes (1881-1953), autor do primeiro grande tratado sobre o cubismo, De Cubisme (1912).  Faz uma pintura de inspiração cubista, porém, interessa-se cada vez mais pela figuração tipicamente brasileira, como se observa em A Negra (1923) e A Caipirinha (1923). Ambos representam um ponto importante da obra de Tarsila: o caráter popular, que se apresenta tanto nas figuras e paisagens que protagonizam os quadros da artista (negros, índios, fazenda, favela, plantas e animais) quanto na paleta de cores explorada por ela, consideradas cores “feias” ou de mau gosto (“azul puríssimo, rosa violáceo, amarelo vivo, verde cantante”, como chama a própria Tarsila).  A abordagem geométrica da iconografia brasileira origina a pintura Pau-Brasil (1924). O crítico de arte Sérgio Milliet (1898-1966) descreve os trabalhos dessa época como “a captação sintética de uma realidade brasileira sentimental e ingênua, de que haviam se envergonhado antes os artistas do nosso país”. Em 1928, Tarsila presenteia Oswald de Andrade com seu mais famoso quadro, Abaporu. A pintura estimula o escritor a fundar o movimento antropofágico, cuja ideia central é “deglutir” a cultura europeia da época para produzir uma cultura brasileira. Abaporu sintetiza essa ideia. Faz também uma crítica social ao representar o brasileiro comum (de rosto indefinido), que tem a cabeça pequena, mas braços e pernas grandes, pois tem sua força braçal explorada, mas não sua habilidade intelectual. Abaporu torna-se a pintura brasileira mais valiosa no mundo. Nas obras desse mesmo período, a geometria é abrandada. As formas crescem, tornam-se orgânicas e adquirem características fantásticas, oníricas. Telas como O Ovo, O Sono e A Lua, todas de 1928, compostas de figuras selvagens e misteriosas, aproximam Tarsila do surrealismo. A partir de 1933, seu trabalho passa a ter uma aparência mais realista. Influenciada pela mobilização socialista, pinta, no mesmo ano, quadros como Operários e 2ª Classe, que apresentam uma preocupação com as mazelas sociais. A partir de 1936, seus quadros ganham um modelado geométrico. As cores perdem a homogeneidade e tornam-se mais porosas e misturadas.  Na segunda metade dos anos 1940, as inquietações do período pau-brasil e da antropofagia são reformuladas, os temas rurais voltam de maneira simples. Em telas como Praia (1947) e Primavera (1946), as figuras agigantadas evocam o período antropofágico, mas aparecem agora sob forma mais tradicional, com passagens tonais de cor e modelado mais clássico, características da fase neo pau-brasil. Em 1950, o Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) faz a primeira retrospectiva de seu trabalho. A exposição dá mais prestígio à artista, e as pinturas da fase neo pau-brasil são mostradas pela primeira vez. O retorno a temas nacionais anima Tarsila a pintar dois murais de forte sentido patriótico: Procissão do Santíssimo (1954), encomendado para as comemorações do IV Centenário da Cidade de São Paulo, e O Batizado de Macunaíma (1956), para a Editora Martins. Em 2019, o Museu de Arte de São Paulo (Masp) realiza a maior exposição já dedicada à artista: Tarsila Popular. Reunindo 92 obras da pintora, a mostra se propõe a apresentar Tarsila sob outras óticas, ressaltando o que caracteriza sua pintura como tipicamente brasileira. Tarsila Popular supera o recorde de visitação do Masp: 400 mil pessoas em três meses de exposição. Tarsila do Amaral figura como um grande nome da pintura no cenário internacional, representando uma arte genuinamente brasileira ao contemplar elementos, temáticas e narrativas populares que constituem a identidade nacional forjada inicialmente pelo movimento modernista. 

REFERÊNCIAS

TARSILA do Amaral. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa824/tarsila-do-amaral>. Acesso em: 21 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Teresinha Soares (Araxá, Minas Gerais, 1927). Artista visual, poeta e cronista. Seu trabalho explora temas como sexualidade, direito das mulheres e questões ambientais. Utiliza o corpo em suas performances e participa de importantes exposições entre as décadas de 1960 e 1970.  Em Araxá, Teresinha Soares atua em diversas funções chegando a ser eleita vereadora. Sua carreira como artista começa aos 40 anos, depois de participar de uma série de cursos livres no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM-Rio) e formar um repertório visual ao visitar as principais instituições de arte do mundo em viagens internacionais.  No ano de 1967, realiza sua primeira exposição individual na Galeria Guignard, em Belo Horizonte. Exibe uma série de trabalhos com um estilo ainda não bem definido, mas que demonstra com vigor um dos principais assuntos de sua obra, o erotismo. Nessa mostra apresenta Caixa de Fazer Amor, objeto com um coração dentro e duas cabeças na parte superior. O espectador, ao rodar uma manivela na lateral, escuta o barulho de um gemido. O curador Rodrigo Moura (1975) destaca a originalidade do trabalho pelo fato de a artista trazer o teor sexual e tornar o espectador cúmplice do ato. A boa receptividade da mostra e o convite para participar da 9ª Bienal Internacional de São Paulo fazem com que a artista se dedique ainda mais ao trabalho artístico.   Explorando uma estética pop, com cores puras e fortes, em 1968, Teresinha realiza exposições em diversas cidades, como Brasília, São Paulo e Ouro Preto. Um dos trabalhos exibidos é a série Desenhos Espaciais, em que funde o corpo com a máquina, desenhando fios e mangueiras que ligam órgãos, misturados com ampolas, engrenagens e frascos.  A experiência com o teatro, em 1969, com a adaptação de seu livro infantil Luno e Lunika no País do Futuro, em que produz os figurinos e o cenário, influencia radicalmente seu trabalho. A performance começa a fazer parte de algumas obras e passa a explorar mais o espaço expositivo, ocupando também o chão, como é o caso de Ela Me Deu Bola (Camas), de 1970, em que cria três camas, com recortes móveis de silhuetas femininas, que contêm, em seu verso, pinturas de três famosos jogadores da época: Pelé (1940), Tostão (1947) e Yustrich (1917-1990). De acordo com a curadora Cecilia Fajardo-Hill (1963), por meio do jogo de palavras, Teresinha trabalha com temas como sexo e futebol. Ao utilizar uma cama (o que para a artista é o lugar do prazer, do sexo e do descanso), toca diretamente na questão do corpo e ainda incita a participação do espectador.  Publica o álbum Eurótica (1970), em que desenha, em papel colorido, utilizando apenas linhas quase contínuas, fragmentos de corpos como seios e falos, insinuando atos sexuais. Em diversos trabalhos a artista explora o corpo feminino, o que também retrata uma decoberta do próprio corpo: “Reinventei-me na descoberta de meu próprio corpo como uma nova mulher e, em todos os meus trabalhos de arte, nos desenhos, gravuras, performances, o leitmotiv é o corpo. Meus trabalhos, considerados de vanguarda para aquela época, nos anos 1960/70, continuam atuais porque focam todas essas problemáticas que ainda vivenciamos no nosso dia a dia: os tabus do sexo, o relacionamento homem-mulher, os encontros e desencontros, a mulher na sociedade exigindo respeito, lutando pelos seus direitos e liberdade"1. No dia abertura 4º Salão de Artes Nacional de Belo Horizonte (1972), a artista aparece vestida de anjo, para performar em A trilogia dos Túmulos (Módulo I, Vida) (Módulo II, Morte) e (Módulo III, Ressurreição), que parte de um objeto escultórico em forma de túmulo, do qual saem duas cruzes com torneiras que despejam chope. As gavetas, embaixo dos túmulos, podem ser abertas pelo público e guardam queijo, linguiça e dentadura. Conforme Marília Andrés Ribeiro, o trabalho remete a um imaginário surrealista, explorando o dualismo entre vida e morte, sagrado e profano, sonho e realidade. Uma capacidade singular de sua poética em trabalhar questões humanas fundamentais.  Em seus dois últimos trabalhos, O Circo e a Montanha (1973) e O Altar do Sacrifício (1976), a artista discute questões ambientais. No primeiro, arma a lona de um circo, criando o desenho de uma montanha que dialoga com o relevo de Minas Gerais, que está em constante transformação com a exploração de minério e o crescimento urbano desordenado. No último, a artista cria um altar onde se pode ler: VER, VERDE, VERDADE; e, em vez de trazer na vitrine uma tradicional imagem sacra, coloca um tronco de madeira, que lembra as esculturas de Cristo morto. Para o crítico Frederico Morais (1936), essa é uma obra profética e premonitória de tragédias ambientais que acontecem décadas mais tarde, como os rompimentos das barragens de Mariana (2015) e Brumadinho (2019), em Minas Gerais. Após essa mostra, a artista passa a se dedicar à escrita, produzindo crônicas para jornais até os anos 1980.  Apesar da trajetória profissional curta, de cerca de uma década, a obra de Teresinha Soares tem grande impacto na cena artística mineira e nacional. Dentro de uma estética pop em pinturas e gravuras, suas figuras saem do plano para ganhar volume em objetos e instalações.    Nota: 1. RIBEIRO, Marília Andrés, ‘Fiz do meu corpo a minha própria arte’. Revista UFMG, Belo Horizonte, v. 19, n. 1-2, p. 130-139, jan./dez. 2012. Disponível em: https://www.ufmg.br/revistaufmg/pdf/REVISTA_19_web_130-139.pdf. 

REFERÊNCIAS

TERESINHA Soares. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa24188/teresinha-soares>. Acesso em: 05 de Abr. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Thiago Toes nasceu em 1986 em Curitiba/PR. Podemos afirmar que a produção de Thiago Toes é híbrida entre diferentes manifestações, entre elas a pintura, escultura e o site specific, orientando o espectador para um espaço sensorial que nos faz refletir sobre nossa presença e passagem pelo universo. Segundo a jornalista Mariana Melleu, “seu trabalho nos leva às sensações mais necessárias, ao mesmo tempo em que se propõe a observar e repensar nosso lugar no espaço.” Em suas produções mais recentes, investiga a partir de seus olhos poéticos, as estrelas e constelações, as dimensões alternativas, os fenômenos físicos e ópticos, empregando elementos alheios a essa terreno – balaclavas, máscaras e bonés – Elementos esses ligados à sua história com o grafitti. Ao passo que constrói sua obra, origens e nascimentos muito lhe interessam, fazendo-o crescer como artista nesse tempo espaço. Esse tempo nos mostra a multiplicidade de sentidos, cores e espectros desse mundo criado por Toes.    O artista já expôs seu trabalho em diversos espaços importantes, como o Memorial da América, SESC Belenzinho, Funarte, Casa do Olhar Luiz Sacilotto, e Paço das Artes; além de espaços no exterior, como o Kunstmuseum Kultuverein – Museu de Arte de Wittingen na Alemanha, galeria IK-Projects em Lima, e participação no festival Vulica Brasil, com um mural no prédio do Banco Nacional de Minsk, na Bielorússia. Também já participou da residência artística na 13ª Semana Internacional de Arte de Lüben – Alemanha, e na Kaysaá - Residência Artística ­no litoral norte de São Paulo. Foi premiado com menção honrosa pelo Salão de Artes de Vinhedo, e pela revista DasArtes com prêmio GARIMPO. 

REFERÊNCIAS

Texto e Imagem obtidas no site do artista

Foto: Ise - https://www.instagram.com/ise.vlok/

Texto: https://www.thiagotoes.com/bio

BIOGRAFIA

TIKASHI FUKUSHIMA (NASCEU EM: 1920, FUKUSHIMA JAPÃO  - FALECEU EM: 2001, SÃO PAULO, SP) PINTOR, GRAVADOR. VEM PARA O BRASIL EM 1940 E RESIDE, INICIALMENTE, NAS CIDADES DE POMPÉIA E LINS, NO INTERIOR DE SÃO PAULO. EM 1946, TRANSFERE-SE PARA O RIO DE JANEIRO PARA TRABALHAR COMO ASSISTENTE DO PINTOR TADASHI KAMINAGAI (1899 - 1982), DE QUEM TORNA-SE ALUNO. POSTERIORMENTE, EM SÃO PAULO, PARTICIPOU ATIVAMENTE DE GRUPOS COMO O SEIBI E O GUANABARA, CONTRIBUINDO PARA O DESENVOLVIMENTO DA ARTE MODERNA BRASILEIRA. SUA OBRA, MARCADA PELA ABSTRAÇÃO E PELA INFLUÊNCIA DA CULTURA JAPONESA, FOI RECONHECIDA NACIONALMENTE, CULMINANDO EM UMA RETROSPECTIVA NA PINACOTECA DE SÃO PAULO EM 2001.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

JOSÉ TITO REGIS DE ALENCASTRO (NASCEU EM: 1934, RIO DE JANEIRO – FALECEU EM: 1999, SÃO PAULO) MAIS CONHECIDO COMO TITO DE ALENCASTRO, PINTOR, DESENHISTA, GRAVADOR, MOSAICISTA E CENÓGRAFO. DESENVOLVEU UMA CARREIRA MULTIFACETADA, DESTACANDO-SE EM DIVERSAS ÁREAS DAS ARTES VISUAIS. SEU TRABALHO ABRANGEU DESDE PINTURAS E DESENHOS ATÉ GRAVURAS E MOSAICOS, ALÉM DE CONTRIBUIÇÕES SIGNIFICATIVAS NO CAMPO DA CENOGRAFIA.  

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

TOMIE OHTAKE (NASCEU EM\: 1913, KYOTO, JAPÃO – FALECEU EM: 2015, SÃO PAULO, BRASIL) UMA DAS PRINCIPAIS ARTISTAS NIPO-BRASILEIRAS, RECONHECIDA POR SUAS PINTURAS, GRAVURAS E ESCULTURAS. SUA CARREIRA COMEÇOU NA DÉCADA DE 1950, COM INFLUÊNCIAS DO ABSTRACIONISMO E DO "MA" JAPONÊS. PARTICIPOU DE IMPORTANTES EVENTOS COMO A BIENAL DE SÃO PAULO (SEIS EDIÇÕES), A BIENAL DE VENEZA (1972) E A BIENAL DE TÓQUIO. RECEBEU O PRÊMIO NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS DO MINISTÉRIO DA CULTURA (1995) E FOI AGRACIADA COM A ORDEM DE RIO BRANCO (1988). SUAS OBRAS PÚBLICAS ICÔNICAS INCLUEM MONUMENTOS EM SÃO PAULO E SANTOS, ALÉM DE ESCULTURAS PARA O CENTENÁRIO DA IMIGRAÇÃO JAPONESA. SEU LEGADO É CELEBRADO PELO INSTITUTO TOMIE OHTAKE, FUNDADO EM 2000​

REFERÊNCIAS

https://arteeartistas.com.br/tomie-ohtake/

https://www.guiadasartes.com.br/colunas/tomie-ohtake

BIOGRAFIA

TORQUATO BASSI (NASCEU EM: 1880, FERRARA, ITÁLIA – FALECEU EM: 1967, SÃO PAULO, BRASIL) PINTOR, ESCULTOR E DECORADOR. ESTUDOU NO LICEU DE ARTES E OFÍCIOS DE SÃO PAULO E, ENTRE 1913 E 1914, APROFUNDOU-SE EM PINTURA COM JEAN-PAUL LAURENS NA ACADÉMIE JULIAN, EM PARIS. NO BRASIL, DESTACOU-SE POR FUNDAR O GRUPO ALMEIDA JÚNIOR EM 1928 E A ASSOCIAÇÃO PAULISTA DE BELAS ARTES EM 1942. FOI PREMIADO NO SALÃO NACIONAL DE BELAS ARTES COM MEDALHAS DE OURO (1908 E 1935). 

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Pintor e desenhista, Tuneu (Antonio Carlos Rodrigues, São Paulo, 1948), entre 1960 e 1966, estuda com Tarsila do Amaral e recebe influência de Wesley Duke Lee. Em 1966, realiza a primeira mostra individual no João Sebastião Bar, em São Paulo. Entre as exposições de que participa, destacam-se: Salão de Arte Contemporânea de Campinas, várias edições entre 1966 e 1974 (Prêmio Viagem à Europa, 1970 e Prêmio Aquisição, 1974); XVI e XVII Salão Paulista de Arte Moderna, São Paulo, 1967/1968; Bienal Internacional de São Paulo, várias edições entre 1967 e 1975 (Prêmio Aquisição Itamarati , 1971 e 1975); Panorama de Arte Atual Brasileira, no MAM/SP, São Paulo, várias edições entre 1971 e 1989; III e VI Salão Paulista de Arte Contemporânea, no Masp, São Paulo, 1971/1975; Arte na Rua 2, São Paulo, 1984; OFF Bienal, no MuBE, São Paulo, 1996.

REFERÊNCIAS

Referência:www.guiadasartes.com.br/tuneu-antonio-carlos-rodrigues

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Vasco Prado Gomes da Silva (Uruguaiana, Rio Grande do Sul, 1914 - Porto Alegre, Rio Grande do Sul, 1998). Gravador, escultor, tapeceiro, ilustrador, desenhista, professor. Estuda por um breve período na Escola de Belas Artes de Porto Alegre, em 1940. Inicia pesquisas em escultura como autodidata. Em 1941, constrói seu primeiro ateliê e é assistido pelo pintor Oscar Boeira (1883-1943). Estuda em Paris, entre 1947 e 1948, como bolsista do governo francês. É aluno de Fernand Léger (1881-1955) e freqüenta por um curto período o ateliê de gravura da École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Em Paris, entra em contato com o artista mexicano Leopoldo Mendez (1902-1968), dirigente do Taller de Gráfica Popular. Retorna ao Brasil em 1949, e, no ano seguinte, funda o Clube de Gravura de Porto Alegre, com Carlos Scliar (1920-2001). Leciona escultura no Ateliê Livre da Prefeitura Municipal de Porto Alegre, em 1966. Entre 1968 e 1969, faz estágio como artista convidado, viajando pela Europa. Integra a equipe de direção do Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli (Margs), entre 1987 e 1991. Possui esculturas e painéis murais instalados em espaços públicos no Brasil e no exterior. Em 1994, é realizada a retrospectiva Vasco Prado, 80 Anos, na Usina do Gasômetro, em Porto Alegre. Sua residência em Porto Alegre é transformada em memorial, em 2000, com a finalidade de preservar documentos, objetos pessoais e obras do artista. São publicados livros sobre sua produção, em 1984, pelo Margs, e em 2001, pela editora Animae.

REFERÊNCIAS

VASCO Prado. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa7486/vasco-prado>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Cícero Alves dos Santos, o Véio, é um artista sergipano que utiliza a madeira para representar o seu olhar inusitado sobre o homem e a vida no sertão nordestino. Nascido no município de Nossa Senhora da Glória em 12 de maio de 1947, o artista recebeu o apelido de Véio, por que desde criança gostava de ficar junto aos mais velhos escutando suas conversas. Hoje, Véio é um nome dos mais destacados na arte popular brasileira, tendo participado de importantes exposições no Brasil e no exterior. Suas obras ainda fazem partem do acervo de muitas galerias dedicadas à arte popular, assim como de muitas coleções particulares. Véio começou a expressar sua admiração pelo sertão nordestino utilizando a cera de abelha, mas logo que “descobriu” a madeira, deixou a cera de lado e começou a expressar sua visão do sertão através da escultura em madeira: Eu comecei bem criança. Aos 5 anos, já fazia coisinhas com cera de abelha, que parece uma massa de modelar, mas, com o progresso chegando, as abelhas manduri foram embora. Depois tentei o barro. Não achei que era bom, porque tem que levar no fogo e aí deixa de ser barro. Então tentei a madeira. Aqui tem muita. A gente vai pegar nos loteamentos que abrem, nas derrubadas que fazem por aí, conta Véio. O Sítio Soarte, Museu do Sertão, criado por ele ao lado de sua casa, recria a vida do sertanejo e traz para os visitantes, esse universo do sertão nordestino através de obras como, a Casa de Farinha, a Casa de Profissões, a Igreja e o Sítio Caduco. O Soarte se localiza na BR 206, entre os municípios sergipanos de Nossa Senhora da Glória e Feira Nova, na altura do Km 8. Quem passar pelo lugar vai se deparar com um cenário curioso, formado por esculturas em madeira bruta que representam manifestações socioculturais criadas pelo olhar de Véio. São peças grandes, médias, pequenas e minúsculas. São noivas, grávidas, seres imaginários, chapéus de couro, utensílios domésticos, máquinas rústicas, roupas e acessórios que fazem parte da vida do sertanejo. Autodidata, Véio conta que a inspiração para sua obra foi dada por Deus: Quando a inspiração chega, posso criar qualquer coisa que esteja na mente do povo, desde a Marquês de Sapucaí às lendas e realidades do homem sertanejo. Vou em busca do material e deixo a imaginação tomar conta, pois temos muita riqueza a nível de história e cultura, conta o artista. Em suas obras, o artista tenta fazer uma espécie de alusão ao ciclo da vida: Digo que as peças novas trazem o valor da juventude e as velhas, já frágeis, que vão se destruindo pela ação da natureza, trazem a parte final da vida, explica Véio. Assim, suas peças, expostas a sol e chuva, têm vida curta, adoecem, envelhecem e morrem. Além do seu museu particular, Véio tem peças espalhadas em vários lugares do mundo e do Brasil. No Brasil, suas obras podem ser encontradas no Memorial de Sergipe e no Museu da Gente Sergipana (Aracaju, SE). no Museu do Folclore Edison Carneiro (Rio de Janeiro, RJ), na Galeria Estação (São Paulo, SP), Museu do Homem do Nordeste (Recife, PE), na Galeria Pé-de-boi (Rio de Janeiro, RJ), entre outros. Além de livros de arte, a obra de Véio já foi retratada em cinco documentários. São eles: “Véio - Tradição e Comtemporaneidade”, “Nação Lascada de Véio”, “A Glória do Sertão”, “Véio – O filme”, “O Universo Simbólico de Véio” e a “Cavalhada de Poço Redondo”.

REFERÊNCIAS

Texto e imagem retirados de: http://artepopularbrasil.blogspot.com/2012/11/veio.html

 

Véio. Reprodução fotográfica TV Cultura.

BIOGRAFIA

VICENTE KUTKA (NASCEU EM: 1952, SANTO ANDRÉ, SP – FALECEU EM: 2006, SÃO PAULO, SP) ARTISTA  CUJA OBRA SE DESTACOU NO EXPRESSIONISMO ABSTRATO. ESTUDOU HISTÓRIA NA USP, E EM PARALELO, DESENHO E COMPOSIÇÃO COM HEDVA MEGGED, ALÉM DE GRAVURA COM BRANCA DE OLIVEIRA. DURANTE SUA VIDA, RESIDIU NO MÉXICO, ONDE ESTUDOU ANTROPOLOGIA, E EM LONDRES, ANTES DE INICIAR SUA CARREIRA ARTÍSTICA EM VENEZA. SUAS OBRAS REFLETEM INFLUÊNCIAS CULTURAIS DE SUAS VIAGENS, COMO AO JAPÃO, E POSSUEM GESTUALIDADE E INTENSIDADE CROMÁTICA. PARTICIPOU DE EXPOSIÇÕES NO BRASIL E NO EXTERIOR, INCLUINDO UMA MOSTRA NA PINACOTECA DE SÃO CAETANO EM 2015, ONDE FORAM EXIBIDAS MAIS DE 40 DE SUAS OBRAS​

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Victor Vasarely , nascido em Hungria, (Pécs, 9 de abril de 1908 — Paris, 15 de março de 1997) foi um pintor e escultor húngaro radicado na França considerado o "pai da OP ART" (abreviatura de Optical Art). Nasceu em Pécs na Hungria, tendo ido posteriormente estudar arte em Budapeste, onde se familiarizou com o movimento Bauhaus e com os trabalhos de Paul Klee, Wassily Kandinsky e Josef Albers. A influência destes, teve um impacto tal na sua obra, que se poderá afirmar que, nela, tenta resumir os princípios dos pioneiros da Bauhaus, segundo a qual, o movimento não depende, nem da obra de arte em si mesma, nem do tema específico que se pretende ver retratado, mas antes da apreensão do ato de olhar, que por si só é considerado o único criador. Em 1930, foi viver em Paris, onde trabalhou como designer gráfico em várias empresas de publicidade. Depois de um período de expressão figurativa, decidiu optar por uma arte construtivista e geométrica, tendo-se dedicado nos 13 anos seguintes ao aprofundamento de conhecimentos gráficos. O seu fascínio por padrões lineares levou-o a desenhar diversos motivos através da utilização de grelhas lineares bicolores (pretas e brancas) e das deformações ondulantes, onde a sensação de profundidade e a multidimensionalidade dos objectos foram sempre uma preocupação constante. Posteriormente, a introdução da cor nos seus trabalhos vai permitir ainda um maior dinamismo, através do qual pretendeu retractar o universo inatingível das galáxias, a gigante pulsação cósmica e a mutação biológica das células. Os seus trabalhos são então essencialmente geométricos, policromáticos, multidimensionais, totalmente abstractos e intimamente ligados às ciências.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/victor-vasarely/obras-e-biografia

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Vincenzo Cencin (Veneza, Itália 1925 - São Paulo SP 2010). Pintor e engenheiro. Forma-se engenheiro eletro-mecânico na Itália. Inicia-se na pintura sob a orientação de Francescchini em 1941 na cidade de Tolmezzo. Durante a Segunda Guerra Mundial enfrenta os fascistas e é preso por alemães, ficando um ano e meio em um campo de concentração. Terminada a guerra emigra para o Brasil, fixando residência em São Paulo em 1949. No Brasil, torna-se sócio efetivo da Academia de Belas Artes do Rio de Janeiro. Nos anos 1950, 1960 e 1970, sem abandonar a pintura, trabalha como engenheiro eletrônico numa indústria de eletrodomésticos de São Paulo. Em 1980 aposenta-se para dedicar-se somente à pintura, montando em 1981 a Galeria Velha Europa. Em 1992 realiza-se exposição comemorativa dos 50 anos de sua pintura na Galeria Grossman em São Paulo.

REFERÊNCIAS

VINCENZO Cencin. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8684/vincenzo-cencin>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Waldomiro de Deus Souza (Itagibá BA 1944). Pintor e desenhista. De origem humilde, leva uma vida itinerante pelo sertão baiano e norte de Minas Gerais, até vir para São Paulo em 1959, quando trabalha como engraxate. Começa a pintar em 1961, utilizando guache e cartolina encontrados na casa de um antiquário, onde trabalha como jardineiro. Acusado de negligência, perde o emprego e leva seus trabalhos para exposição no Viaduto do Chá - acaba vendendo dois deles para um americano no primeiro dia. Em 1962, o decorador Terry Della Stuffa fornece-lhe material e um lugar para pintar e, em 1966, faz a sua primeira exposição individual na Fundação Armando Álvares Penteado, Faap. No auge do movimento hippie, desfila de mini-saia pela Rua Augusta. Pinta temas religiosos ligados ao céu e ao inferno, criando imagens polêmicas, como Nossa Senhora de mini-saia, cinta-ligas e botas e Jesus de bermudas. Por causa disso é raptado por um grupo de jovens armados da organização TFP (Tradição Família e Propriedade), porém convence os rapazes a soltá-lo. Expõe em vários países como a Inglaterra, Itália, Bélgica, Alemanha, Inglaterra, Estados Unidos. Em 1972, volta a viver em Osasco. Viaja a Goiânia GO, em 1977, e lá monta uma casa. Vive de sua arte desde a década de 60, pintando o cotidiano e o folclore de sua terra natal: festas populares, histórias sobre mula-sem-cabeça e lobisomens, bem como imagens escatológicas e eróticas. As figuras humanas são sempre mulatos, nunca brancos ou negros. Em todas as telas há a presença de três cachorrinhos. É considerado o maior primitivista brasileiro ao lado de José Antônio da Silva e Djanira. É reconhecido internacionalmente como um dos mais criativos pintores naifs. Em 1983, é premiado com a Awarding the Statue of Victory pelo Centro Studi e Ricerche Delle Nazioni, na Itália.

REFERÊNCIAS

WALDOMIRO de Deus. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8628/waldomiro-de-deus>. Acesso em: 01 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

Waldomiro de Freitas Sant'Anna (Itápolis, São Paulo, 1952). Pintor e professor. Estuda na Escola de Belas Artes de São Paulo e na Escola de Artes Plásticas da Associação de Ensino de Ribeirão Preto, com Bassano Vaccarini e Pedro Manoel Gismondi. De 1977 a 1981, leciona desenho e pintura para os cursos de educação artística e arquitetura da Universidade Estadual de Londrina, no Paraná. É um dos fundadores da Vila dos Artistas de Osasco, em São Paulo.

REFERÊNCIAS

WALDOMIRO Sant'Anna. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10053/waldomiro-santanna>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

BIOGRAFIA

WALTER LEWY (NASCEU EM: 1905, BAD OLDESLOE, ALEMANHA – FALECEU EM: 1995, SÃO PAULO, SP) PINTOR, ILUSTRADOR, PAISAGISTA E PUBLICITÁRIO. ESTUDOU NA ESCOLA DE ARTES E OFÍCIOS DE DORTMUND, ALEMANHA, E SE FILIOU AO REALISMO MÁGICO, PARTICIPANDO DE EXPOSIÇÕES EM VÁRIAS CIDADES ALEMÃS. COM A CRISE DE 1929, PERDEU SEU EMPREGO COMO DESENHISTA E COMEÇOU A ILUSTRAR ANEDOTAS PARA JORNAIS. SUA PRIMEIRA EXPOSIÇÃO INDIVIDUAL EM 1932 FOI FECHADA DEVIDO À PROIBIÇÃO DE JUDEUS NAS ARTES NA ALEMANHA NAZISTA. EM 1938, IMIGROU PARA O BRASIL, ONDE RETOMOU A PINTURA E TRABALHOU COMO ILUSTRADOR E PUBLICITÁRIO. FEZ ILUSTRAÇÕES PARA OBRAS DE BERTRAND RUSSELL, MACHADO DE ASSIS E ARNOLD TOYNBEE. 

REFERÊNCIAS

 

BIOGRAFIA

Waltercio Caldas Júnior (Rio de Janeiro RJ 1946). Escultor, desenhista, artista gráfico, cenógrafo. Estuda pintura com Ivan Serpa (1923-1973), em 1964, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). Entre 1969 e 1975, realiza desenhos, objetos e fotografias de caráter conceitual. Na década de 1970, leciona no Instituto Villa-Lobos, no Rio de Janeiro; é co-editor da revista Malasartes; integra a comissão de Planejamento Cultural do MAM/RJ; participa da publicação A Parte do Fogo e publica com Carlos Zilio (1944), Ronaldo Brito (1949) e José Resende (1945) o artigo O Boom, o Pós-Boom, o Dis-Boom, no jornal Opinião. Em 1979, sua produção é analisada no livro Aparelhos, com ensaio de Ronaldo Brito, e, em 1982, no Manual da Ciência Popular, publicado na série Arte Brasileira Contemporânea, pela Funarte. Em 1986, o vídeo Apaga-te Sésamo, de Miguel Rio Branco (1946), enfoca a sua produção. Recebe, em 1993, o Prêmio Mário Pedrosa, da Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA), por mostra individual realizada no Museu Nacional de Belas Artes (MNBA), no Rio de Janeiro. Em 1996, lança a obra O Livro Velázquez e realiza a mostra individual Anotações 1969/1996, no Paço Imperial, Rio de Janeiro, apresentando pela primeira vez seus cadernos de estudos.

REFERÊNCIAS

WALTERCIO Caldas. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10633/waltercio-caldas>. Acesso em: 12 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Wega Nery Gomes Pinto (Corumbá MT 1912 - Guarujá SP 2007). Pintora, desenhista, poeta e professora. Nos anos 1930, publica poemas na revista O Malho (Parnaso Feminino), como "Vera Nunes". De 1946 a 1949, estuda desenho e pintura na Escola de Belas Artes, em São Paulo. Na década de 1950, tem aulas com Joaquim da Rocha Ferreira (1900-1965) e Yoshiya Takaoka (1909-1978), com quem participa do Grupo Guanabara (1950-1959). Em 1953, freqüenta o Atelier-Abstração, de Samson Flexor (1907-1971), e produz as primeiras pinturas abstratas, de tendência geométrica. Em 1955, expõe desenhos no Museu de Arte de São Paulo (Masp). Participa de várias edições da Bienal Internacional de São Paulo, é premiada como melhor desenhista nacional em 1957 e recebe sala especial em 1963, 1973 e 1989. Ainda em 1963, leciona desenho e pintura na Sociedade Cívica Feminina de Santos, São Paulo. Na mesma década, cria as primeiras "paisagens imaginárias", que pintará até fins de 1980. Expõe obras em diversos Panorama da Arte Atual Brasileira, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), a partir do primeiro, em 1969. Em 1975, o crítico de arte Geraldo Ferraz (1905-1979), companheiro da pintora, lança Wega Liberta em Arte: 1954-1974. Em 1993, a Pinacoteca do Estado de São Paulo (Pesp) realiza uma individual da artista e, no ano seguinte, uma retrospectiva é mostrada no Centro Cultural São Paulo (CCSP).

REFERÊNCIAS

WEGA Nery. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8559/wega-nery>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Weimar Marchesi de Amorim nasceu em 1945 na cidade de Ribeirão Preto (SP)   FORMAÇÃO 2010 – 2020 Realiza acompanhamento artístico com o historiador e curador Josué Mattos, como integrante do Grupo Latitude 22 de 2010 até 2015 em reuniões presenciais no Ateliê da Praça em Ribeirão Preto (SP) e em atendimento particular presencial e online até hoje 1989 Participa do Curso de Gravura com o artista Marcelo Grassman, na UNAERP – Universidade de Ribeirão Preto (SP) 1988 Começa a frequentar o Atelier Livre de Gravura, coordenado pelo artista Geraldo Lara, na UNAERP - Universidade de Ribeirão Preto (SP) 1988 Participa de curso de água tinta, com a gravadora Arriete Chaim, na UNAERP – Universidade de Ribeirão Preto (SP) 1986 Participa do 1º Curso de Desenho de Nu com modelo vivo, ministrado pelo pintor e escultor José Antonio Van Acker, na sede do Atelier Albatroz, Ribeirão Preto (SP) 1985 Participa do ateliê comunitário Albatroz, com Waldomiro Sant ́Anna, Vânia Castaldelli, Pama Loiola, Célia Henriques, Pedro Manuel e Nívea Martins. 1980 integração grupo Anacrônicos da Madrugada, com Afrânio Montemurro, Bassano Vaccarini, Mario Bueno, Raul Porto, Pedro Manuel, Thomaz Perina, Ermelindo Nardin, Francisco Amêndola, Eduardo Lima, Fúlvia Gonçalves, Ricardo Amadeu e Van Acker 1980 – 1998 Frequenta o ateliê do artista Pedro Manuel-Gismondi, participando do curso de amadurecimento artístico, Ribeirão Preto (SP) 1980 Participa de curso de pintura da Escola de Belas Artes “Cândido Portinari”, Ribeirão Preto (SP) 1976 Frequenta o ateliê do pintor Branchini, Ribeirão Preto (SP)   EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS 2019 “Sem pressa”, MUnA – Museu Universitário de Arte, Uberlândia (MG) 2019 “Aportar / fragmentosfragmentos / Natureza-morta”, CAC W, Ribeirão Preto 2018 Panorama urbano, MAC, Jataí (GO) 2018 “Campos geométricos / Vestígios / Transcurso / Impermanência”, CAC W, Ribeirão Preto 2017 “O Baile”, CAC W, Ribeirão Preto 2016 Fragmentos, MARCO, Campo Grande (MS) 2016 Natureza-morta, Gris Ateliê, Araraquara (SP) 2015 Fragmentos, Gris Ateliê, Araraquara (SP) 2014 Geometria na paisagem, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2014 Fragmentos, MAC, Jataí (GO) 2013 Só o que não é do tempo permanece no tempo, MUnA, Uberlândia (MG) 2013 Natureza-morta, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2011 Só o que não é do tempo permanece no tempo, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2011 Fragmentos / Memória / Processo, Projeto Parede do MARP, Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi, Ribeirão Preto (SP) 2010 “Janelas abertas”, Casa de Família Móveis, Ribeirão Preto (SP) 2008 “Percurso”, inauguração do W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2007 “Caminho de Santiago”, 10ª Semana de Fotografia de Ribeirão Preto, MARP - Unidade Centro de Convenções, Ribeirão Preto (SP) 2002 “Auto-retrato”, MARP, Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi Ribeirão Preto (SP) 1997 “Weimar”, Sala José Antonio Teodoro, Secretaria da Cultura de Londrina (PR) 1995 “Weimar – Peintures du Brésil”, Galerie Herouet, Paris, França 1993 “Weimar – Paysages Brésiliens”, Conservatoire National de Région de Ville de Reuil- Malmaison, Paris, França 1993 “Weimar – Paysages”, Conservatoire Paul Dukas, Paris, França 1991 Weimar – Peintures, Espaço Cultural da Embaixada do Brasil, Paris, França 1992 Lazúli Joalheiros Art Group, Ribeirão Preto (SP) 1988 Itaúgaleria, Ribeirão Preto (SP) 1987 Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1984 na Sala do Artista da Quinzena, na Delegacia Regional de Cultura, Ribeirão Preto (SP) 1983 Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1982 Galeria Prof. Alberto França no Instituto Moura Lacerda, Ribeirão Preto (SP)   EXPOSIÇÕES COLETIVAS 2019 5º SAP – Salão de Aquarelas, Pinacoteca Miguel Dutra, Piracicaba (SP) 2019 “Ler, escrever e contar” com Élcio Miazaki, Mariana Whately e Yolanda Cipriano, Casa da Cultura Dide Brandão, Itajaí (SC) 2019 “Peles” com Élcio Miazaki e Mariana Whately, Galeria Cañizares, Salvador (BA) 2019 “Por isso essa voz tamanha”, CAC W, Ribeirão Preto (SP) 2019 “Campos de visão” com Heloisa Junqueira, Sala da Praça, Ribeirão Preto (SP)     2017 XI Salão Nacional Victor Meirelles, Ateliê NaCasa, Florianópolis (SC) 2017 “Algumas coisas que amanhã talvez hajam desaparecido”, Ateliê Imprevisto, Sorocaba (SP) 2017 Programa Exposições, MARP, Ribeirão Preto (SP) 2017 “(A)nota(çõe)s” com grupo Ateliê da Praça, Sala da Praça, Ribeirão Preto (SP) 2016 “Liberdade, um mundo sem fronteiras”, Galeria Municipal de Torres Vedras, Portugual 2016 41º SARP, MARP, Ribeirão Preto (SP) 2016 Programa Exposições, MARP, Ribeirão Preto (SP) 2016 Projeto Medicina e Arte com Cleido Vasconcelos, Helio Martins e Fernando Carvalhal, ECEU, Faculdade de Medicina USP, Ribeirão Preto (SP) 2016 Arte contemporânea na Casa da Memória Italiana, Ribeirão Preto (SP) 2016 Bienal de Arte Contemporânea, SESC Distrito Federal 2016 Programa Exposições, MARP, Ribeirão Preto (SP) 2015 Programa Exposições, MARP, Ribeirão Preto (SP) 2014 É sempre bom estar bem acompanhado – 2ª edição com grupo Latitude 22 e artistas convidados, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2013 É sempre bom estar bem acompanhado – 1ª edição com grupo Latitude 22 e artistas convidados, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2013 12º Salão Nacional de Arte de Jataí, MAC, Jataí (GO) 2012 “Poipoidrome” com grupo Latitude 22, SESC Ribeirão Preto (SP) 2012 Programa Exposições, MARP, Ribeirão Preto (SP) 2012 37º SARP, MARP, Ribeirão Preto (SP) 2012 II Semana de arte com grupo Latitude 22, Faculdade de Direito da USP, Ribeirão Preto (SP) 2011 “Até meio Kg” com grupo Aluga-se, Galeria Archidy Picado, João Pessoa (PB) 2011 “Latitude 22”, paralela do SARP, parceria do MARP com Ateliê Lolô Junqueira, Ribeirão Preto (SP)   2011 “Frestas” com grupo Latitude 22, Ribeirão Preto (SP) 2011 “Trama” com Adda Prieto, William Ferreira, Jael Guimarães e Yolanda Cipriano, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2011 Objetos para Arte, MARP- Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi, Ribeirão Preto (SP) 2010 com a artista Eloiza Caldana, Florense Móveis Planejados, Ribeirão Preto (SP)   2010 Elos Viáveis com grupo de artistas de Ribeirão Preto, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2010 Mostra “Arte e Decoração Sustentável” com Sarita Dávila, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2009 Mostra Panorama, Adearte Galeria, Design Brasil e Espaço de Arte UNIP, Ribeirão Preto (SP) 2009 Sinergia, com Nívea Martins e Iolanda Marchesi, W espaço de arte, Ribeirão Preto (SP) 2009 79>09 – 30 anos de artes visuais em Campinas e Ribeirão Preto MARP - Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi, Ribeirão Preto (SP) 2008 Entropia, com Iolanda Marchesi e Nívea Martins, Adearte Galeria, Ribeirão Preto (SP) 2007 ateliê acasaonírica, Seleção Programa Exposições 2007 MARP- Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi, Casa da Cultura, Ribeirão Preto (SP) 2007 com o grupo ateliê acasaonírica, sede do ateliê acasaonírica, Ribeirão Preto (SP) 2001 Bienal de Jaboticabal 2001 Mostra Coletiva os Artistas de Ribeirão Preto, MARP - Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi (SP) 2001 com o grupo da Associação dos Artistas Plásticos de Ribeirão Preto (SP) 2000 Galeria Moldurarte, Ribeirão Preto (SP) 2000 ateliê da artista Mena Pressoto, Ribeirão Preto (SP) 1999 I Salão Primavera Virtual 1999 com o grupo da Associação dos Artistas Plásticos de Ribeirão Preto (SP) 1998 Sociedade Hípica, Ribeirão Preto (SP) 1998 Galeria Moldurarte, Ribeirão Preto (SP) 1998 com Pedro Manuel e Nívea Martins, Museu do Café, Ribeirão Preto (SP) 1997 Espaço Cultural Eduardo Figueiredo, Sociedade Hípica, Ribeirão Preto (SP) 1997 “Soirée Brésilienne”, Auditorium Tony Aubin, Conservatoire Paul Dukas, França 1997 Galeria Eduardo Figueiredo, Ribeirão Preto (SP) 1997 Atelier Pedro Manuel, Casa da Cultura, Ribeirão Preto (SP) 1997 I SAB – Salão de Arte de Bebedouro, realização Departamento Municipal de Cultura, Bebedouro (SP) 1996 MARP – Museu de Arte de Ribeirão Preto 1996 com o grupo da Associação dos Artistas de Ribeirão, Câmara dos Vereadores de Ribeirão Preto (SP) 1996 com Nilton Campos, Gabriel Figueiredo e Nívea Martins, Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1995 Mulheres, MARP – Museu de Arte de Ribeirão Preto (SP) 1995 Artistas de Ribeirão Preto, MARP – Museu de Arte de Ribeirão Preto (SP) 1995 Galeria Saint Germain, Ribeirão Preto (SP) 1995 com o Atelier Pedro Manuel, Casa da Cultura, Ribeirão Preto (SP) 1994 com Nívea Martins na Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1993 Artistas de Ribeirão Preto, Novo Espaço na Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1993 Le Donne, Blue Life Galeria de Arte, São Paulo (SP) 1993 MARP - Museu de Arte de Ribeirão Preto (SP) 1992 “Sinhá Decorações – Pamplona Projetos”, Sertãozinho (SP) 1992 Lazúli Joalheiros Art Group, Ribeirão Preto (SP) 1992 Maison Communale Gérard Philipe, La Garde, França 1992 “Brésil Aujourd´hui”, Galerie Debret, Paris, França 1991 com Pedro Manuel, Odila Mestriner, Francisco Amêndola, Vânia Castaldelli, Eny Aliperty, Judith Zuccolloto, Marcelo Guarnieri, Nívea Martins, S. Miranda, Marcos Menezes, Maria Cecília Guarnieri, Waldomiro Sant´Anna, V. Ramazini, Ulieno e Bassano Vaccarini, Artstaff Galeria de Arte, Ribeirão Preto (SP) 1991 com Nívea Martins e Vânia Castaldelli, Galeria Eduardo Figueiredo, Ribeirão Preto (SP) 1991 Arte ao ar livre / 100 outdoors pela cidade, Ribeirão Preto (SP) 1990 XV Exposição de Arte Simonense “Expasi”, Centro Cultural Marcello Grassmann, São Simão (SP) 1990 Galeria Eduardo Figueiredo, Ribeirão Preto (SP) 1990 The International Museum of 20th century Arts, Laguna Beach, Califórnia (EUA) 1990 Casa da Cultura “Manuel Vasconcellos Martins”, Pontal (SP) 1990 Exposição Coletiva dos Artistas Plásticos de Ribeirão Preto, em comemoração aos festejos dos 134º aniversário de Ribeirão Preto, Casa da Cultura, Ribeirão Preto (SP) 1989 Moldurarte, Ribeirão Preto (SP) 1989 com o grupo da Associação de Artistas de Ribeirão Preto, na Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1988 “Aniversário de Marcelo Grassman”, São Simão (SP) 1988 Delegacia de Cultura de Ribeirão Preto (SP) 1988 com o grupo Albatroz e outros pássaros, Sociedade Hípica, Ribeirão Preto (SP) 1988 com o grupo da Associação de Artistas de Ribeirão Preto, Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1987 dos Artistas Plásticos de Ribeirão Preto, Espaço para exposições “Suzana E. Schmidt” do Museu Histórico “Plínio Travassos dos Santos”, Campus da USP, Ribeirão Preto (SP) 1987 Três de Ribeirão Preto, Galeria Itaúgaleria, Ourinhos (SP) 1986 Delegacia de Cultura, Ribeirão Preto (SP) 1986 Mostra “Prêmio Paleta Internacional”, Taipei Fine Arts Museum, China 1986 XI Salão de Artes de Ribeirão Preto (SP) 1986 Shopping de Ribeirão Preto, Semana da Mulher, Ribeirão Preto (SP) 1986 reabertura da Itaúgaleria, Ribeirão Preto (SP) 1986 Arte Galeria, I Expoarte, Ribeirão Preto (SP) 1986 com o grupo Forja da Fantasia, Galeria SENAC, Ribeirão Preto (SP) 1986 com o grupo Albatroz, Galeria Nather, Ribeirão Preto (SP) 1986 com o grupo da Associação dos Artistas de Ribeirão Preto, Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1986 Galeria SESC Paulista, “Artistas de Ribeirão Preto”, São Paulo (SP) 1986 com o grupo Forja da Fantasia, Itaúgaleria, Uberaba (MG) 1986 com o grupo Forja da Fantasia no Itaúgaleria, Ribeirão Preto (SP) 1985 XII Salão de Arte Contemporânea de Campinas, MACC - Campinas (SP) 1985 Museu de Artes Plásticas “Quirino da Silva” de Mococa (SP) 1985 VI Salão de Artes Plásticas da Noroeste - FUNARPE, Penápolis (SP) 1985 X Salão de Artes de Ribeirão Preto (SP) 1985 Jovens Artistas de Ribeirão Preto (SP) 1985 com o grupo Forja da Fantasia, Orlândia (SP) e Cravinhos (SP) 1985 com o grupo Forja da Fantasia, Galeria Itaú, Ribeirão Preto (SP) 1985 com o grupo Forja da Fantasia, SENAC, Ribeirão Preto (SP) 1985 ART Galeria, Ribeirão Preto (SP) 1984 I Expoarte, Ribeirão Shopping, Ribeirão Preto (SP) 1984 I Salão de Artes de Cravinhos, Casa da Cultura, Cravinhos (SP) 1984 ArtStaff Galeria e Molduras, Ribeirão Preto (SP) 1984 Arte para os Universitários, Anfiteatro Barão de Mauá, Ribeirão Preto (SP) 1984 VIII Salão Oficial de Belas Artes de Matão (SP) 1984 IX Salão de Artes de Ribeirão Preto (SP) 1984 IV Mostra Regional de Artes Plásticas de Dumont (SP) 1984 II Salão Paulista de Arte Contemporânea, Museu da Imagem e do Som e Paço das Artes, São Paulo (SP) 1984 com Bassano Vaccarini, Amêndola, Karime Garcia, Maurilima, Odila Mestriner, Pedro Manuel, Waldomiro Sant´Anna, Paço de Artes, São Paulo (SP) 1984 com Karime Garcia, Maria Cecília, Nívea Martins, Vânia Castaldeli, Eny Aliperti, Galeria de Arte SENAC, Ribeirão Preto (SP) 1984 Campus da USP, Ribeirão Preto (SP) 1983 VIII Exposição de Arte Simonense, Casa da Cultura Marcelo Grassmann, São Simão (SP) 1983 VII Salão de Artes Plásticas de Franca (SP) 1983 I Salão Nacional de Arte Contemporânea Embraer, São José dos Campos (SP) 1983 VII Salão Oficial de Belas Artes de Matão (SP) 1983 VIII Salão de Artes de Ribeirão Preto (SP) 1983 IV Semana Cultural Marcello Grassmann, São Simão (SP) 1983 com o grupo Anacrônicos da Madrugada, Catanduva (SP) 1983 Semana de Portinari, Brodósqui (SP) 1983 III Mostra Regional de Artes Plásticas, Casa da Cultura, Ribeirão Preto (SP) 1983 com o grupo da Associação dos Artistas de Ribeirão Preto, Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1983 “Mulher e Arte” com Antonieta Gallo Cunha, Célia Henriques, Darcy Emília Prieto Haddad, Eny Aliperti Ferreira, Maria Cristina Gual, Maria Cecília Camargo Guarnieri, Norma Luzano Campaz, Vânia Castaldelli, Weimar Marchesi de Amorim e Odilla Mestriner, na Galeria do Banespa do Campus da USP, Ribeirão Preto (SP) 1982 Galeria Senac Novos Artistas, Mostra Preliminar, Ribeirão Preto (SP) 1982 VI Salão de Artes Plásticas de Franca (SP) 1982 1ª Mostra de Pintura da Galeria Prost, colaboração: Luis Furlan, Ribeirão Preto (SP) 1982 II Salão de Artes Visuais de Rio Claro, Centro Cultural de Rio Claro (SP) 1982 com Célia Henriques, Eny Aliperti, Nívea Martins, Pama Loiola e Therezinha Bonfá (Thera), Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1982 com o grupo Anacrônicos da Madrugada, Belo Horizonte (MG) e Brasília (DF) 1981 Galeria Jardim Contemporâneo, Ribeirão Preto (SP) 1981 com o grupo Anacrônicos da Madrugada, Matão, Cravinhos, Ribeirão Preto, Campinas e São Carlos (SP) 1980 com o grupo Anacrônicos da Madrugada, Altinópolis (SP)   PREMIAÇÕES e MENÇÕES 2001 Prêmio exposição individual para 2002, MARP - Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi (SP) 1999 Prêmio Exposição Virtual, I Salão Primavera Virtual PESQUISAR MELHOR 1997 Medalha de Ouro, I Salão de Artes de Bebedouro (SP) 1990 Medalha de Ouro em Gravura, Salão de São Simão (CSP) 1986 Taipé (Taiwan) - Prêmio Internacional de Artes Plásticas Brasil - Extremo Oriente, no Taipei Fine ArtsMuseum. 1986 Prêmio Paleta Internacional, Exposição Taipei Fine Arts Museum, Taiwan, China 1986 Prêmio Aquisição, XI SARP – Salão de Arte de Ribeirão Preto (SP) 1985 Prêmio Aquisição, VI Salão de Artes Plásticas da Noroeste, Penápolis (SP) 1983 Medalha de Ouro, VIII Salão de Artes de São Simão (SP)Aquisição, IX SARP – Salão de Arte de Ribeirão Preto (SP)   OBRAS EM ACERVOS PÚBLICOS Acervo MARCO – Museu de Arte Contemporânea de Mato Grosso do Sul, em Campo Grande (MS). Doação feita em 2016 Acervo MARP – Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi, em Ribeirão Preto (SP). Doação feita em 2014   PUBLICAÇÕES 1991 É citada na revista francesa “Pariscope” 1989 É incluída no volume 3 do livro “Artes Plásticas Brasil 89” de Júlio Louzada 1989 Tem obra publicada na revista “Brasilian Art”, Editora Nair Barbosa Lima   RESIDÊNCIAS 2014 programa de Residência Artística na Casa do Sol (Instituto Hilda Hilst, Campinas)   OUTROS 2009 Participa como palestrante convidada de debate sobre o tema “Arte-educação: arte como veículo de inclusão social”, I Semana de Artes no Centro Universitário Barão de Mauá, Ribeirão Preto (SP) 2007 Presidente do 32º SARP - Salão de Arte de Ribeirão Preto (SP) 2001 Conselheira do 26º SARP - Salão de Arte de Ribeirão Preto (SP) 1996 Comissão Organizadora do XXI SARP - Salão de Arte de Ribeirão Preto (SP) 1992 Vice-presidente do XVII SARP - Salão de Arte de Ribeirão Preto (SP) 1990 Comissão Organizadora do XV SARP - Salão de Arte de Ribeirão Preto (SP) 1986 Profere duas palestras sobre pintura contemporânea, Escola de Belas Artes Cândido Portinari, Ribeirão Preto (SP)

REFERÊNCIAS

Texto retirado do site da Artista: weimar.art.br/curriculo

Foto: https://www.tribunaribeirao.com.br/site/reliquia/

BIOGRAFIA

Wesley Duke Lee (São Paulo, São Paulo, 1931 - Idem, 2010). Desenhista, gravador, artista gráfico, professor. Faz curso de desenho livre no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (Masp), em 1951. Um ano depois, viaja para os Estados Unidos e estuda na Parson's School of Design e no American Institute of Graphic Arts, em Nova York, até 1955. Nessa época, acompanha as primeiras manifestações da arte pop e vê trabalhos de Robert Rauschenberg (1925-2008), Jasper Johns (1930) e Cy Twombly (1928-2011). No Brasil, em 1957, deixa a publicidade e torna-se aluno do pintor Karl Plattner (1919-1989), com quem trabalha em São Paulo e, posteriormente, na Itália e na Áustria, até 1960. Nessa época, vive também em Paris, freqüenta a Académie de la Grande Chaumière e o ateliê de Johnny Friedlaender (1912-1992). Retorna ao Brasil em 1960. Em 1963, inicia trabalho com os jovens artistas Carlos Fajardo (1941), Frederico Nasser (1945), José Resende (1945), Luiz Paulo Baravelli (1942), entre outros. Nesse ano, realiza, no João Sebastião Bar, em São Paulo, O Grande Espetáculo das Artes, um dos primeiros happenings do Brasil. Procura organizar um movimento artístico, o realismo mágico, com Maria Cecília (1928), Bernardo Cid (1925-1982), Otto Stupakoff (1935-2009) e Pedro Manuel-Gismondi (1925-1999), e outros. Em 1966, com Nelson Leirner (1932), Geraldo de Barros (1923-1998), José Resende (1945), Carlos Fajardo e Frederico Nasser, funda, como reação ao mercado de arte, o Grupo Rex, que existe até 1967.

REFERÊNCIAS

WESLEY Duke Lee. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa3154/wesley-duke-lee>. Acesso em: 29 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Yaacov Agam foi um dos mais importantes realizadores de obras cinéticas transformáveis, ou seja, aquelas que requerem a movimentação do observador para perceber todas as suas variações. Agam formou-se na Academia de Arte de Jerusalém, embora se saiba que começou a pintar ainda na adolescência, motivado pelas obras de Van Gogh, Rembrandt e Doré. Seu professor, o artista plástico Ardo, aconselhou-o a continuar os estudos na Suíça, junto a Itten, pertencente à Bauhaus. Além das aulas de arte, Agam também estudou composição musical no conservatório de Zurique, o que iria se refletir intensamente em suas obras posteriores. Definitivamente instalado em Paris, o artista expôs em 1953 suas primeiras pinturas polifônicas de natureza eminentemente cinética. Já na década de 1960 se decidiu por um novo suporte, o alumínio de superfície irregular, que trabalhou em tons muito brilhantes e com um estudado efeito ótico. Também se aventurou pela escultura. Uma de suas obras mais importantes nessa disciplina, As 100 Portas, decora a residência presidencial de Israel.

REFERÊNCIAS

https://www.guiadasartes.com.br/agam-yaacov/obras-e-biografia

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Yara Tupynambá Gordilho Santos (Montes Claros MG 1932). Pintora, gravadora, desenhista, muralista e professora. Tem seu primeiro emprego aos 17 anos de idade como concursada em datilografia, na Caixa Econômica Estadual. Lá permanece por dois anos e, por datilografar com agilidade, faz um acordo com o chefe e consegue mais tempo livre, o qual utiliza para desenhar. Inicia-se nos estudos de arte com Guignard (1896-1962), em 1950, em Belo Horizonte, além de estudar gravura com Misabel Pedrosa (1927), em 1954, e aperfeiçoar-se posteriormente com Oswaldo Goeldi (1895-1961), no Rio de Janeiro. Cursa a Faculdade de Artes Visuais da Universidade Federal de Minas Gerais - UFMG e, em 1967, defende tese sobre Albert Dürer. No ano seguinte, passa lecionar gravura na mesma universidade. Dedica-se à gravura, especialmente sobre madeira, preferindo o preto e branco à gama de cores. Em telas a óleo pinta congados, cavalhadas e violeiros, temas referentes a sua adolescência, e as andanças pelo interior do estado de Minas Gerais. Ela mesma fabrica algumas tintas vinílicas. É convidada a fazer um mural sobre a inconfidência mineira na reitoria da UFMG, inaugurado em 1969, e posteriormente torna-se se diretora da Escola de Belas Artes da mesma universidade. Na década de 1970, realiza diversos murais para residências, estabelecimentos comerciais e órgãos públicos, como o Minas, do século XVII ao século XX , feito para a Assembléia Legislativa de Minas Gerais. Executa um mural na Igreja Matriz na cidade de Ferros, Minas Gerais, no qual retrata Adão e Eva nus, fato que causa polêmica, obrigando o prefeito a colocar a obra no seguro. Pesquisa as pinturas do século XVIII em igrejas de Ouro Preto e Sabará, produzindo desenhos realizados sobre arcas e baús, e retratando cenas da época e símbolos como brazões. Lidera o Atelier Vivo na Bienal Nacional de São Paulo, em 1974, onde mostra uma pesquisa realizada na área educacional e com estandartes. Recebe bolsa de estudos do Pratt Institute e viaja para Nova York (Estados Unidos). Retorna a Belo Horizonte e torna-se assessora cultural da Empresa Mineira de Turismo - Turminas, além de ser responsável pela implantação de um programa do Ministério do Trabalho para requalificação do artesanato no estado de Minas Gerais. Em 1992, recebe o título de Cidadã Honorária de Belo Horizonte do governo de Minas Gerais. É escolhida pela crítica diversas vezes como destaque das artes, além de homenageada com poemas, como fez Carlos Drummond de Andrade (1902 - 1987) ao escrever o poema Exposição sobre a artista.

REFERÊNCIAS

YARA Tupynambá. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8822/yara-tupynamba>. Acesso em: 12 de Fev. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

Yolanda Lederer Mohalyi (Kolozsvar, capital da Transilvânia, Hungria [atual Cluj Napoca, Romênia] 1909 - São Paulo SP 1978). Pintora, desenhista. Na Hungria estuda pintura na Escola Livre de Nagygania e, em 1927, ingressa na Real Academia de Belas Artes de Budapeste. Em 1931, vem para o Brasil e fixa-se em São Paulo, onde leciona desenho e pintura. Foram seus alunos, entre outros, Maria Bonomi (1935) e Giselda Leirner (1928). A partir de 1935, começa a freqüentar o ateliê de Lasar Segall (1891 - 1957), com quem identifica-se. Por volta de 1937, integra o Grupo 7, ao lado de Victor Brecheret (1894 - 1955), Antonio Gomide (1895 - 1967) e Elisabeth Nobiling (1902 - 1975), entre outros. Sua primeira exposição individual ocorre em 1945 no Instituto de Arquitetos do Brasil - IAB/SP. Em 1951 realiza suas primeiras xilogravuras, com Hansen Bahia (1915 - 1978). Em 1958, recebe o Prêmio Leirner de Arte Contemporânea. Entre as décadas de 1950 e 1960, executa em São Paulo vitrais para a Fundação Armando Álvares Penteado - Faap e murais para as igrejas Cristo Operário e São Domingos, além de mosaicos para residências particulares. Mais tarde, executa também vitrais para a Capela de São Francisco, em Itatiaia. Entre 1960 e 1962, leciona no curso de desenho e plástica da Faap. É também nesse ano que a artista representa o Brasil na 1ª Bienal Americana de Arte, na Argentina, tendo alguns de seus trabalhos escolhidos pelo crítico Sir Herbert Read para uma exposição itinerante nos Estados Unidos. Em 1963, recebe o prêmio de melhor pintor nacional na 7ª Bienal Internacional de São Paulo.

REFERÊNCIAS

YOLANDA Mohalyi. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8469/yolanda-mohalyi>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

YUGO MABE (NASCEU EM: 1955, LINS,SP) FILHO DO PINTOR MANABU MABE (1924-1997), CUJA FAMÍLIA MIGRA PARA O BRASIL EM 1935. MANTÉM CONTATO COM AS ARTES DESDE MUITO CEDO, FREQUENTANDO EXPOSIÇÕES E CONVIVENDO COM O TRABALHO DE SEU PAI E DE SEUS AMIGOS ALDEMIR MARTINS (1922-2006), ARCANGELO IANELLI (1922-2009), TOMIE OHTAKE (1913) E TIKASHI FUKUSHIMA (1920-2001), ENTRE OUTROS. É PREMIADO NOS SALÕES BUNKYO, EM 1972 E 1975, E PAULISTA DE BELAS ARTES, EM 1975 E 1982. DOIS ESTILOS SE DESTACAM EM SUAS OBRAS: UMA MAIS CLÁSSICA E RIGOROSAMENTE ESPECULATIVA E OUTRA, MAIS ROMÂNTICA, SENTIMENTAL E CONTEMPORÂNEA. A PRIMEIRA, EXPRESSA POR UM DESENHO SÓLIDO E ARQUITETÔNICO DE DERIVAÇÃO CUBISTA, A SEGUNDA CONFIADA A UM CLIMA DE ORIGEM EXPRESSIONISTA E LÍRICA.

REFERÊNCIAS

BIOGRAFIA

Nascida na Hungria, Yuli chegou ao Brasil em 1957. Mora e trabalha no Rio de Janeiro em seu atelier no Cosme Velho. Dedica-se exclusivamente à pintura em tinta acrílica sobre tela desde 1994. Yuli discute as questões da ilusão de volume, figura e fundo, luz e sombra na pintura. Seus trabalhos atraem o olhar do espectador, conduzindo-o para o interior e o exterior de planos e relevos constituídos de faixas de cores contrastantes. Exposições coletivas 2008 "Zona Oculta" - Centro Cultural CEDIM - Centro - Rio - RJ 2008 "Zona Oculta" - Galeria SESC - Nova Iguaçu - Rio - RJ 2007 "Geo Centric" - Broom Street Gallery - New York - NY 2007 International Art Expo - Washington - DC - USA 2006 International Art and Antique Expo - Dubai - Emirados Arabes 2005 Panorâmica 2004 - Centro Cultural Candido Mendes - Ipanema - RJ 2004 29º Salão de Artes de Ribeirão Preto - SP 2004 9ª Bienal Nacional de Santos - Santos - SP 2004 1º Salão Nacional de Artes de Paraty - RJ 2002 Brazilian Euphoria - Marina Kessler Gallery - Miami - USA 2001 Novíssimos - IBEU - Galeria de Arte - Rio - RJ 2000 Projeto 4 Quadros - Centro Cultural Candido Mendes - Ipanema - Rio - RJ 1999 25 Artistas selecionados na Universidarte VII - Museu Nacional de Belas Artes - Rio - RJ 1999 Panorâmica 98 - Centro Cultural Candido Mendes - Ipanema - Rio - RJ 1998 Espaço Mira Schendell - Universidade Estácio de Sá - Campus Centro - Rio - RJ 1998 26 Artistas selecionados na IV Universidarte - Museu Nacional de Belas Artes - Rio - RJ 1997 Frente a Frente - Espaço Cultural dos Correios - Rio - RJ 1996 Pintura, Ponto e Contraponto - Espaço Cultural dos Correios - Rio - RJ 1996 Pintura, Multiplicidade - Faculdade da Cidade - Rio - RJ 1995 5ª Bienal Nacional de Santos - Santos - SP 1995 9 Espaços Individuais - Casa de Cultura Laura Alvim - Rio - RJ 1994 14º Salão Nacional - Palácio da Cultura - Rio - RJ 1994 Sôbre Branco - Escola de Artes Visuais - Rio - RJ 1993 Homenagem a Mark Berkowitz - Escola de Artes Visuais - Rio - RJ Exposições Individuais 2007 Galeria 90 - Gávea - Rio - RJ 2005 Casa de Cultura Julieta de Serpa - Rio - RJ 2004 Galeria Centro Cultural Candido Mendes - Ipanema - Rio - RJ 2003 Galeria Lana Botelho - Gavea - Rio - RJ 2001 Museu Nacional de Belas Artes - Rio - RJ 2000 Casa de Cultura Laura Alvim - Rio - RJ 1998 Galeria Centro Cultural Candido Mendes - Ipanema - Rio - RJ

REFERÊNCIAS

Catálogo das Artes

BIOGRAFIA

Yutaka Toyota (Tendo, Japão, 1931). Pintor, escultor, desenhista, gravador e cenógrafo. No início da década de 1950, frequenta a Universidade de Arte de Tóquio, Japão. Transfere-se para o Brasil em 1962 e, no ano seguinte, é premiado no 2º Salão do Trabalho, em São Paulo, e no 12º Salão Paulista de Arte Moderna. Entre 1965 e 1968, vive em Milão, Itália, onde conhece designer Bruno Munari (1907-1998). Recebe prêmio na 10ª Bienal Internacional de São Paulo em 1969. Em 1964, expõe individualmente no Museu de Arte Moderna do Rio Grande do Sul (MAM/RS). Ganha prêmios no 1º Salão Esso de Jovens Artistas em 1965; em 1968, na 2ª Bienal de Artes Plásticas da Bahia, em Salvador, e no Salão de Santo André, São Paulo. No mesmo ano, participa do 12º Salão Seibi, em São Paulo. A partir da década de 1970, realiza esculturas para espaços públicos e edifícios no Brasil e no exterior. Entre outros locais estão: a Praça da Sé (1978), o Hotel Maksoud Plaza (1979), ambos em São Paulo; Parque Toyotomi em Hokkaido, Japão (1979). Em 1973, apresenta mostra individual no Museu de Arte Moderna de Kyoto e, em 1974, expõe na mostra Artistas Japoneses nas Américas, no Museu de Arte Moderna de Tóquio. Participa do Panorama de Arte Atual Brasileira, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), em 1972 e 1985, sendo premiado no primeiro. Em 1991, é eleito melhor escultor pela Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA), em São Paulo.

REFERÊNCIAS

YUTAKA Toyota. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8772/yutaka-toyota>. Acesso em: 19 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7

 

No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!

BIOGRAFIA

MARCOS ZECHETTO, ARTISTA PLÁSTICO BRASILEIRO, NASCEU EM SÃO PAULO DESENVOLVEU UMA OBRA IMPRESSIONISTA QUE RETRATA A CIDADE DE SÃO PAULO E SEUS ÍCONES URBANOS, COMO A CATEDRAL DA SÉ E O TEATRO MUNICIPAL. FILHO DO PINTOR JOSÉ LINO ZECHETTO, INICIOU SUA FORMAÇÃO ARTÍSTICA DESDE JOVEM, CONVIVENDO COM NOMES COMO MARIO ZANINI E OMAR PELLEGATTA. PARTICIPOU DE DIVERSAS EDIÇÕES DO SALÃO PAULISTA DE BELAS ARTES, ONDE FOI PREMIADO EM 1979, 2000, 2001 E 2002. TAMBÉM ESTEVE ENVOLVIDO EM INTERCÂMBIOS CULTURAIS COM A FRANÇA, ORGANIZADOS PELA ONG AÇÃO ÉTICA E CIDADANIA.

REFERÊNCIAS