Anexar um rótulo singularmente definidor para Larry Rivers permaneceu uma tarefa difícil para muitos que tentaram contextualizar sua contribuição de mais de 50 anos para as artes. Rivers foi um talentoso músico de jazz, pintor, escultor, poeta, ator, personalidade da televisão, cineasta, MC em boates, personalidade popular no circuito de palestras, autor e professor. Ele tem sido apropriadamente referido como “um homem renascentista”, mas talvez ele seja mais frequentemente reconhecido e ironicamente às vezes igualmente subestimado como um dos, senão os principais fundadores da Pop Art.
Andy Warhol nunca fez segredo de que foi influenciado pela arte de Rivers, mas talvez em uma citação mais reveladora do livro “Popismo”, Warhol reconhece a personalidade única de Rivers como um ingrediente influente no desenvolvimento da Pop Art. Warhol disse: “O estilo de pintura de Larry era único - não era expressionismo abstrato e não era pop, ele caiu em um período intermediário. Mas sua personalidade era muito pop. ”
Foi a personalidade pop de Rivers que o motivou a estar na frente de seus trabalhos, servindo como parte do pacote, um sistema de entrega para levar para casa seu ponto de vista particular. Os críticos frequentemente acusam Rivers de roubar os holofotes de seu próprio trabalho. Mas Rivers considerou mais uma forma de autenticar seu trabalho, porque seu trabalho não poderia ser autenticado por nenhum “ismo” particular. É verdade, o trabalho de Rivers não era pop e não era expressionismo abstrato, era mais um diálogo contínuo com arte e ideias, uma ponte expansiva entre dois movimentos artísticos significativos.
Há uma certa ironia profética no nome Larry Rivers. Ele se tornou famoso por fazer um trabalho sobre a Travessia de um Rio, e então continuou a cultivar uma carreira como um influente artista de transição; um construtor de pontes.
Ele nasceu Yitzroch Loiza Grossberg, no Bronx, Nova York em 1923, filho de Samuel e Sonya Grossberg. Em 1940 ele começou uma carreira como saxofonista de jazz profissional. Ele logo mudou seu nome, após ser apresentado como “Larry Rivers and the Mudcats” em um clube da cidade de Nova York. Em 1942, ele se alistou no Corpo Aéreo do Exército dos Estados Unidos, mas dentro de um ano foi dispensado com honra das forças armadas por motivos médicos. Em 1944 ele estudou teoria musical e composição na Juilliard School of Music, onde conheceu e se tornou amigo de Miles Davis e Charlie Parker.
Em 1945, o músico Jack Freilicher mostrou a Larry Rivers uma pintura de Georges Braque e, no mesmo ano, após ver a obra cubista, Rivers começou a pintar. De 1947 a 1948, ele estudou na Escola de Pintura de Hans Hofmann. Após suas experiências com Hoffman, ele continuou seus estudos e, em 1951, recebeu seu bacharelado em educação artística pela New York University. Desde que se formou na NYU em 1951, ele recebeu doutorado honorário de várias outras instituições.
Em 1949, ele teve sua primeira exposição individual na Jane Street Gallery em Nova York. Nesse mesmo ano, ele conheceu e tornou-se amigo de John Ashbery e Kenneth Koch.
Em 1950 ele conheceu Frank O'Hara. Nesse mesmo ano, ele fez sua primeira viagem à Europa, passando 8 meses em Paris lendo e escrevendo poesia. Começando em 1950 e continuando até a morte de Frank em julho de 1966, Larry Rivers e Frank O'Hara cultivaram uma amizade exclusivamente criativa que produziu inúmeras colaborações, bem como pinturas e poemas inspirados. Além dessas obras mais reconhecidas publicamente, os dois amigos mantiveram uma correspondência de 15 anos, trocando vários documentos compostos principalmente de cartas com alguma poesia.
Em 1951, os trabalhos de Rivers são exibidos por John Myers na Galeria Tibor de Nagy, onde ele continuou a expor anualmente (exceto 1955) por 10 anos. Uma colaboração de 1952 com Frank O'Hara incluiu o projeto do cenário para a peça de O'Hara "Try! Try!".
Em 1953 ele completou Washington Crossing the Delaware. Dessa obra seminal, muitos anos depois, Rivers ofereceu uma visão sobre o desenvolvimento de sua persona ao abordar a natureza provocativa dessa obra. Em sua autobiografia, ele escreveu: “A ideia de Larry Rivers nasceu com Washington Crossing the Delaware”.
Em 1954 teve sua primeira exposição de esculturas na Stable Gallery de Nova York. Em 1955, o Museu de Arte Moderna adquiriu o Washington Crossing the Delaware. Nesse mesmo ano, ele ganhou o 3º prêmio no concurso nacional de pintura da Corcoran Gallery por “Auto-Figura”. Rivers 'também pintou “Double Portrait of Berdie” em 1955, que logo foi comprado pelo Whitney Museum.
Em 1957, sua sogra Berdie Burger, tema da famosa obra “Retrato duplo de Berdie”, bem como tema de muitos outros desenhos e pinturas de Rivers, morreu aos 66 anos. Nesse mesmo ano, ele e Frank O'Hara começaram a trabalhar em “Stones”, uma mistura colaborativa de imagens e poesia em uma série de litografias. Este foi o primeiro projeto para a empresa ULAE de Tatyana Grosman. Durante esse tempo, ele também apareceu no game show de televisão “The $ 64.000,00 Question”, onde junto com outro competidor, ambos ganharam, cada um recebendo $ 32.000,00. Em 1958 passou um mês em Paris e tocou em várias bandas de jazz.
Em 1959 ele pintou Cedar Bar Menu I e II. Neste mesmo ano, adaptado de uma peça de Jack Kerouac, ao lado de Allen Ginsberg, Gregory Corso, Peter Orlovsky, David Amram, Richard Bellamy, Alice Neel, Sally Gross, Pablo Frank, com narração de Kerouac, Rivers apareceu no filme “Pull My Margarida."
Rivers continuou a cultivar um forte interesse pela colaboração, trabalhando com o poeta Kenneth Koch na coleção de poemas pictóricos Nova York 1959-1960. Em 1961 ele conheceu Jean Tinguely; Juntos, eles produziram vários trabalhos em colaboração, incluindo “The Friendship of America and France”, exibido no Musée des Arts Décoratifs, Paris.
A primeira retrospectiva abrangente de Rivers em 1965 incluiu 170 obras compostas de pinturas, desenhos, esculturas e gravuras. O show percorreu cinco museus dos Estados Unidos. Rivers preparou “A História da Revolução Russa: De Marx a Maiakovski” para inclusão no local final, uma exposição no Museu Judaico. Sobre esse trabalho, Rivers observou: “ou é a maior mídia mista pintura-escultura do século 20, ou a mais estúpida”.
Em 1966, Rivers projetou os cenários e os figurinos para Oedipus Rex de Stravinsky; uma apresentação com a Filarmônica de Nova York sob a orientação de Lukas Foss. Rivers colocou a ópera em um ringue de boxe e vestiu o coro com camisetas sem mangas e óculos escuros; a produção indignou os críticos e o público.
No ano seguinte, ele viajou para a África Central para filmar o documentário para a televisão “Africa and I” com Pierre Gaisseau. Nesse mesmo ano, ele participou da exposição em memória do poeta e curador Frank O'Hara no Museu de Arte Moderna.
Em 1968 voltou à África com Gaisseau para concluir o documentário. Os dois escaparam por pouco da execução como suspeitos de serem mercenários.
Em 1970 começou a trabalhar com videoteipe. Neste mesmo ano ele completou “Some American History” para a De Menil Foundation.
Em 1976 viajou para a Rússia a convite da União dos Artistas Soviéticos, onde lecionou em várias cidades sobre a arte contemporânea americana. Viajando com seu filho Steven Rivers, os dois documentaram esta viagem; fazendo fitas de vídeo ao longo do caminho. Continuando a experimentar vários meios mistos, Rivers começou a produzir trabalhos gerados pela combinação de papel carbono colorido, uma técnica que ele demonstrou como convidado no show de Dick Cavett.
Em 1978 ele começou a trabalhar na série “Golden Oldies” onde, consistente com seus esforços para investigar temas históricos, ele reexaminou suas próprias obras dos anos 50 e 60.
Ao longo do início dos anos 80, as obras de Larry Rivers constituem a base de várias retrospectivas, começando em 1980 com a exposição retrospectiva no Museu de Arte Contemporânea de Caracas. Em 1980-81 suas obras formam a base para a exposição retrospectiva itinerante: Kestner-Gesellschaft, Hannover Kunstverein, Munich Kunsthalle, Tubingen Stattliche Kunsthalle, Berlin. Em 1983, The Guild Hall Museum, East Hampton, Nova York e Lowe Art Museum, Coral Gables, FL, exibiram uma pesquisa de trinta anos.
Encomendado por Sivia Loria e Jeffrey Loria em 1984, Rivers trabalhou de 1984-85 na “História do Matzoh (a História dos Judeus)” - que foi posteriormente exibida no Museu Judaico de Nova York. Em 2006, honrando o desejo de Rivers de ter seu trabalho exibido em um local mais público, Jeffrey Loria doou “History of Matzoh” para a Universidade de Yale.
Com base em suas experiências anteriores com trabalhos tridimensionais, Rivers desenvolveu uma fórmula para criar pinturas tridimensionais em relevo que se concentrava em uma ampla gama de assuntos. Ele documentou essa técnica em um filme que fez chamado “Duck Farm”.
Na década de 1990, o trabalho de Rivers é o tema de ou incluído em uma ampla variedade de exposições abrangentes: Uma retrospectiva de suas pinturas e desenhos, “Public and Private”, inaugurada no Butler Institute of American Art em Youngstown, Ohio em 1990 e em turnê nos Estados Unidos até 1992. No outono de 1991, ele foi destaque em uma exposição “Pop Art” na Royal Academy of Arts de Londres e em “American Realism and Figurative Art 1952-1991”, uma exposição que viajou para cinco museus no Japão. A exposição “Copier / Créer de Turner á Picasso, 300 Oeuvres inspirées par les Maîtres du Louvre”, organizada pelo Louvre em Paris em 1993, incluiu várias das suas obras. "Pop pintado à mão: American Art in Transition 1956-62", que se originou no Museum of Contemporary Art em Los Angeles e viajou para o Whitney Museum em Nova York em 1993, também incluiu trabalhos de Rivers. Uma de suas obras tridimensionais foi selecionada para a exposição “Slittamenti”, segmento da Bienal de Veneza de 1993.
Em 1992, Harper Collins, de Nova York, publicou a autobiografia de Larry Rivers, “O que eu fiz?” Ao mesmo tempo, Rivers 'é também o assunto de várias monografias acadêmicas e vídeos, e uma dissertação de doutorado.
Em 1993, uma exposição individual intitulada “Art and the Artist” marcou uma associação de trinta anos com a Marlborough Gallery em Nova York. A exposição viajou para Marlborough em Madrid, Espanha. Em 1994, uma exposição no Nassau County Museum of Art intitulada “Art After Art” apresentou pinturas de Larry Rivers.
Rivers também foi uma figura central na grande exposição intitulada “Bop, Beat e Beyond” em 1995 no Museu de New South Wales da Austrália. Este show explorou as conexões entre artistas visuais, músicos e escritores do período beat. Ele também foi apresentado na abrangente exposição "Cultura Beat e a Nova América (1950-65)" no Museu Whitney de Arte Americana em Nova York em 1995.
Em 1997, o Philharmonic Center for the Arts em Naples, Flórida, montou uma retrospectiva das obras de Rivers de 1980-1997. A Marlborough Gallery em Nova York apresentou sua exposição individual, “Recent Works”, e a Ulysses Gallery em Viena, Áustria, apresentou seus primeiros trabalhos no papel.
Os primeiros interesses de Rivers pela moda como assunto ressurgiram em 1997 e continuaram como tema em seu “Fashion Show”, uma exposição individual de 1999 na Marlborough Gallery em Nova York. De 1999 a 2000, ele embarcou em um projeto encomendado por Jeffrey Loria; “The History of Hollywood” é uma montagem pintada em quatro painéis de 20 x 25 cm, pintados com os momentos memoráveis de Hollywood. Outros setenta e cinco desenhos saíram de "A História de Hollywood".
Em 2001, Marlborough apresentou um segundo “Desfile de Moda” que teve uma prévia, apropriadamente, na Lord & Taylor Department Store na elegante Quinta Avenida em Nova York e mudou-se para a Marlborough Gallery em Monte Carlo.
Em 2002, Larry Rivers estava mais ocupado do que nunca, com uma grande retrospectiva na Corcoran Gallery of Art em Washington, DC e uma exposição dos primeiros trabalhos na Tibor de Nagy Gallery em Nova York na primavera. Com outro “desfile de moda” agendado na Marlborough Gallery no outono, Rivers continuou trabalhando em pinturas de moda até três meses antes de sua morte em agosto de 2002. Obituários apareceram em vários jornais e periódicos em todo o mundo, com cobertura nacional que incluía, entre outros, Time Revista e a primeira página do New York Times, onde homenagearam uma cobertura de primeira página anteriormente prevista sobre seu falecimento.
Texto retirado e traduzido de: http://www.larryriversfoundation.org/bio.html
No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!
Lasar Segall (Vilnius, Lituânia, 1889 - São Paulo, São Paulo, 1957). Pintor, gravador, escultor, desenhista. De origem judaica, inicia estudos de arte, em 1905, na Academia de Desenho do mestre Antokolski, em Vilna, na Lituânia. Muda-se para a Alemanha em 1906 e estuda na Escola de Artes Aplicadas e na Academia Imperial de Belas Artes, em Berlim. Viaja para a cidade de Dresden, onde freqüenta a Academia de Belas Artes. Amplia seu contato com a pintura impressionista e realiza, em 1910, a primeira mostra individual na Galeria Gurlitt. No final de 1912, vem para o Brasil e no ano seguinte expõe em São Paulo e Campinas. No mesmo ano retorna à Europa. Inicialmente, realiza uma pintura de derivação impressionista, com influência de Jozef Israël e de Paul Cézanne (1839-1906). A partir de 1914, passa a interessar-se pelo expressionismo, desenvolvendo-se plenamente nessa estética em 1917. Em 1919, em Dresden, funda com Otto Dix (1891-1969), Conrad Felixmüller (1897-1977), Otto Lange (1879-1944) e outros, o Dresdner Sezession Gruppe 1919, grupo que agrega artistas expressionistas da cidade. Em 1921, publica o álbum de litografias Bübüe e, em 1922, o Erinnerung an Wilna - 1917 com águas-fortes. Volta ao Brasil, onde fixa residência em São Paulo, no ano de 1923. Na capital paulista, Lasar Segall é destaque no cenário da arte moderna, considerado um representante das vanguardas européias. No ano seguinte, executa decoração para o Baile Futurista do Automóvel Clube e para o Pavilhão Modernista de Olívia Guedes Penteado (1872-1934). É um dos fundadores da Sociedade Pró-Arte Moderna (Spam), em 1932, da qual se torna diretor até 1935. Dez anos após sua morte, em 1967, a casa onde morava, na Vila Mariana, em São Paulo, é transformada no Museu Lasar Segall.
LASAR Segall. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8580/lasar-segall>. Acesso em: 26 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7
No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!
Beatriz Lecuona e Oscar Hernández são artistas visuais formados em Belas Artes pela Universidade de La Laguna (ULL).
Lecuona y Hernández, que começaram seu trabalho juntos em 1999, também trabalharam como gestores culturais e são especialistas em Teoria das Artes. Participaram de mais de noventa projetos individuais e coletivos, exibindo com maior regularidade em projetos de caráter internacional.
Nesse sentido, vale a pena mencionar sua representação espanhola na XI Bienal de Havana, na X Bienal Internacional de Cuenca-Equador, na Bienal de DaKar Off 06 e na II Bienal de arte, arquitetura e paisagem das Ilhas Canárias.
Ultimamente, sua presença tem se intensificado na América Latina e nos Estados Unidos, expondo em Miami, Venezuela, Brasil, Equador, Cuba e Peru, entre outros.
Por outro lado, seu trabalho faz parte das seguintes coleções: TEA Tenerife Espaço das Artes (Santa Cruz de Tenerife), Ideo Box Art Space Miami (Miami), Cidade de Santa Cruz de Tenerife, Cabildo de Tenerife, Fundação Caja Canarias (Santa Cruz de Tenerife) e coleções particulares como Leo H Silitonga (Peru), Fabio Luchetti (Brasil) e Antonio Ascaso (Miami), entre outros.
Atualmente, eles estão em um projeto de residência em São Paulo no Instituto Adelina e em novembro farão mais uma residência artística na instituição americana com sede em Miami, Maná Contemporary
Fonte: artland.com/artists/lecuona-y-hernandez
Leda Catunda (São Paulo, São Paulo, 1961). Artista Visual, pesquisadora e professora. Uma das expoentes da Geração 80, explora em seu trabalho questões referentes à representação das imagens e ao universo pop.
Formada pela Fundação Armando Alvares Penteado (Faap), em São Paulo, Leda é aluna de Regina Silveira (1939), Nelson Leirner (1932) e Julio Plaza (1938-2003). Durante a formação, se aborrece por ter de desenhar tanto a pedido dos professores e parte, então, em busca de desenhos já disponíveis no mercado.
Entre seus primeiros trabalhos estão as Vedações (1983). Nessa série, a artista se apropria de tecidos estampados, em geral figurativos, e apaga algumas informações com tinta, recriando a estampa. Utiliza-se conceitualmente da pintura: pincel e tinta servem para destacar, apagar, recriar ou criticar um mundo já coberto de imagens. Como tela, utiliza objetos aparentemente banais encontrados em regiões de comércio popular, como flanelas, cortinas de banheiro, cobertores, toalhas e tecidos, em geral usados em ambientes domésticos.
No ano seguinte, ainda recorrendo a materiais disponíveis no mercado, Leda realiza pinturas mais figurativas, como Aquário (1984). Nela, apropria-se das imagens de peixes de uma cortina de plástico para pintar uma caixa de vidro em volta do cardume. A artista chama esses trabalhos de pinturas-objetos.
De acordo com Leda, o interesse pelo universo popular e kitsch vem da ausência desse repertório na casa dos pais. Filha de arquitetos, a residência em que mora na infância é decorada com poucos objetos e, em geral, com design planejado. É a casa da avó portuguesa que desperta o interesse da artista por elementos populares e artesanais de decoração, como toalhas de crochê. O repertório visual começa a se formar nos passeios com a avó pelo comércio popular no largo de Pinheiros, em São Paulo.
Ainda no começo da carreira, a pintura de Leda (como a de outros artistas dos anos 1980) chama a atenção dos principais críticos, galeristas e curadores da época. Em 1983, com apenas 22 anos, participa da mostra coletiva Pintura Como Meio, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), ao lado dos artistas Ciro Cozzolino (1959), Sergio Romagnolo (1957), Ana Maria Tavares (1958) e Sérgio Niculitcheff (1960), com curadoria de Aracy Amaral (1930). Para a curadora, o talento e o frescor da produção desses jovens está na forma contemporânea de usarem a pintura, buscando suportes menos usuais do que a tela emoldurada e destacando na parede materiais menos nobres, como o "pano".
No ano seguinte, Leda participa da icônica exposição Como Vai Você, Geração 80?, que faz um balanço da produção de 123 artistas da época no Parque Lage, no Rio de Janeiro. Recém-saída da faculdade, ainda nos anos 1980, expõe trabalhos na I Bienal de Havana (em Cuba) e nas XVII e XVIII bienais de São Paulo.
No final dos anos 1980, começa a se distanciar do trabalho figurativo, procedimento que ganha força na década seguinte. Nas obras abstratas, a textura e a estampa do material continuam presentes, mas explora formas geométricas, como na produção apresentada na exposição individual na Galeria São Paulo, em 1992.
Durante essa década, Leda cria o que chama de pintura-instalação, isto é, obras com maior volume e dimensão. As formas geométricas adquirem aparência abstrata, como em Siameses (1998). Essa fase é simultânea à pesquisa de mestrado desenvolvida na Escola de Comunicação e Artes (ECA), que recebe indicação ao doutorado direto, defendido em 2003. Na tese, Leda pesquisa a "poética da maciez", em que estuda sua produção e de outros artistas que exploraram o uso de formas amolecidas. Em 2014, essas estruturas macias passam a dar espaço a materiais mais duros, quando a artista realiza Nó, considerada sua primeira escultura, feita em madeira, em que explora a imagem de fórmicas que imitam madeira.
A partir dos anos 2000, aplica imagens fotográficas às pinturas. Primeiro, utiliza fotos de seu acervo pessoal, com amigos e familiares, como em Todo Pessoal (2006). Depois, apropria-se de imagens enviadas por amigos ou encontradas na internet. Com o fenômeno das redes sociais, as fotos postadas pelos usuários entram para seu repertório, como em Mar Linda (2016), em que usa fotos do perfil de uma jovem. Essa obra faz parte da exposição I love You, Baby, em 2016, no Instituto Tomie Ohtake. Nela, apresenta pinturas que trabalham com o que chama de "consumo afetivo", explorando o uso de logomarcas e imagens de desejo, como de paisagens de férias na praia.
A obra de Leda Catunda se pauta pelo uso de imagens, tecidos e estampas disponíveis a todos. Como ela própria costuma dizer: "gosto de gostar do que os outros estão gostando"1. Atenta ao comportamento das pessoas a sua volta, ao que estão vestindo e fazendo, a artista capta essas referências, transformando-as em matéria-prima para seu trabalho, sem perder o tom de crítica e acidez, que se acentua em seu universo almofadado e colorido.
LEDA Catunda. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa10215/leda-catunda>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7
No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!
Leon Ferrari (Buenos Aires, Argentina 1920 - idem 2013). Pintor, gravador, escultor, artista multimídia. Inicia seu trabalho como escultor na Itália, onde reside por três anos. Em 1955, realiza individual na Galeria Cariola, em Milão. Em 1960, começa a fazer esculturas de arame e aço inoxidável e, dois anos depois, produz desenhos caligráficos e colagens. Em 1965, engaja-se no movimento cultural e político do Instituto di Tella de Buenos Aires, e abandona a produção abstrata. Entre 1968 e 1969, participa dos eventos Tucuman Arde e Malvenido Rockefeller, em Buenos Aires. Muda-se para São Paulo, em 1976, e retoma a produção de escultura de metal. Em 1977, passa a fazer esculturas sonoras em barras metálicas e interessa-se por novos meios expressivos, incentivado pela convivência com Regina Silveira (1939) e Julio Plaza (1938-2003). Realiza obras em videotexto, microfichas, arte postal, cria livros de artista e trabalha com litografia. Recebe prêmio da Associação Paulista de Críticos de Arte - APCA de melhor exposição do ano, em 1983. No ano seguinte volta a residir em Buenos Aires. Passa a utilizar também o meio digital em suas proposições, como em Electronicartes, 2002/2003. Em paralelo às atividades em artes visuais, publica livros como Nosotros No Sabíamos, em 1976; Cuadro Escrito, em 1984; Exégesis, em 1993, e La Bondadosa Crueldad, em 2000. Nesse ano, recebe o Prêmio Costantini.
LEÓN Ferrari. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa19872/leon-ferrari>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7
Nascida em Buenos Aires, filha de pais argentinos e italianos, Leonor cresceu em Trieste, Itália, criada pela sua independente e determinada mãe, Malvina. Foi uma artista autodidata, aprendendo anatomia diretamente dos estudos de cadáveres no necrotério local e absorvendo técnicas dos velhos mestres através de livros e visitando museus.
Após começar a pintar, foi para Milão, onde participou de sua primeira exposição individual em 1929, e depois em Paris em 1931.
Sua personalidade vivaz e suas roupas extravagantes garantiram-lhe um foco no mundo da arte parisiense e ela logo desenvolveu relacionamentos estreitos com os principais escritores e pintores surrealistas, incluindo Paul Eluard, Salvador Dali, Man Ray e Max Ernst, que se tornou seu amante por um tempo. O único surrealista que não podia suportar por causa de sua misoginia era André Breton. Embora ela repetidamente exibisse com eles, ela nunca se considerava surrealista. O negociante americano Julien Levy, muito impressionado com a pintura de Fini e ferido por seus encantos excêntricos, convidou-a para Nova York em 1936, onde participou de uma exposição de galeria conjunta com Max Ernst e conheceu muitos surrealistas americanos, incluindo Joseph Cornell e Pavel Tchelitchew. O trabalho dela foi incluído na exposição de arte fantástica, Dada e Surrealismo do MoMA, juntamente com De Chirico, Dali, Ernst e Yves Tanguy.
Em 1939, em Paris, organizou uma exposição de móveis surrealistas para seu amigo de infância, Leo Castelli, para a abertura de sua primeira galeria. As apresentações aos catálogos da exposição foram escritas por De Chirico, Ernst e Jean Cocteau.
Um tema predominante da arte de Fini é a relação complexa entre os sexos, principalmente a interação entre a mulher dominante e o macho passivo e andrógino. Em muitas de suas obras mais poderosas, a fêmea assume a forma de uma esfinge, muitas vezes com a cara da artista. Fini também foi uma retratista bem sucedida. Entre seus tópicos estavam Stanislao Lepri e Constantin (Kot) Jelenski (dois de seus amantes de longa data, com quem vivia simultaneamente, juntamente com mais de uma dúzia de gatos) e seus amigos, o escritor Jean Genet, as atrizes Maria Casarès, Anna Magnani, Alida Valli, e Suzanne Flon, a bailarina Margot Fonteyn, o diretor de cinema Luchino Visconti, os artistas Meret Oppenheim e Leonora Carrington, e as socialites Francesca Ruspoli e Hélène Rochas.
O amor de Fini pelo design para o palco e a tela pode ter derivado de sua paixão por máscaras extravagantes, trajes elaborados e drama fantástico. Ela criou projetos, figurinos e posters premiados para a Ópera de Paris e a Associação Metropolitana de Ópera, Le Palais de cristal de George Balanchine (agora chamado Sinfonia em C), Les Demoiselles de la nuit de Anouilh, Romeu e Julieta de Renato Castellani, Wagner's Tannhäuser, Bérénice de Racine, The Maids e The Balcony de Jean Genet, o 8 1/2 de Federico Fellini e A Walk With Love de John Huston, o primeiro filme de Anjelica Huston.
https://www.guiadasartes.com.br/leonor-fini/obras-e-biografia
No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!
Leonora Weissmann (1982, Belo Horizonte), graduada em pintura e gravura, com mestrado em artes pela Escola de Belas-Artes da UFMG. Participou de diversas exposições coletivas e individuais no Brasil e no exterior, nas áreas das artes plásticas e gráficas, atuando principalmente com pintura em exposições na Martha Pagy Escritório de Arte (RJ), AM Galeria de Arte (MG), SP-Arte (SP), Galeria de Arte da Cemig (MG), Espaço Cultural Vallourec (MG), Museu Mineiro (MG), Sesc-Ribeirão Preto (SP), Espaço Cultural BDMG (MG), Instituto dos Arquitetos do Brasil (MG), Palácio das Artes (MG), Exposição Fiat Mostra Brasil no porão da Bienal de São Paulo (SP), VII Salão do Recôncavo, entre outras além de exposições na Africa, Itália, França e Suíça.
Em 2015 integrou a coletiva “Álbum de família”, no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, no Rio de Janeiro, sob a curadoria de Daniella Geo. Fez parte da residência de pintura Caravane d’artistes 2, no Centre Soleil d’Afrique, em Bamako, Mali, África, onde além da oficina da técnica Bogolan, participou da exposição “Bogolan photo”, evento paralelo ao Fórum Social Mundial – “Um mundo melhor é possível”.
Foi selecionada e premiada por projetos como o Garimpo da revista Dasartes, Fiat Mostra Brasil, Prêmio Chamex de Arte Jovem, Salão da Juventude de Ribeirão Preto e, como cantora, no Festival da Canção de Tatuí e Cantoras Daqui, promovido pelo BDMG Cultural. Atua também como cantora e letrista e atualmente integra o Coletivo ANA de cantoras e compositoras.
Texto e imagem retirados do site da artista | foto de Alexandre Fonseca
No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!
Leopoldo Francisco Raimo (Botucatu, São Paulo, 1912 - São Paulo, São Paulo, 2001). Pintor, gravador e médico. Muda-se com a família para a capital paulista em 1918. Durante o curso no Ginásio do Estado (de 1924 a 1930), Raimo tem aulas com o pintor acadêmico Oscar Pereira da Silva (1867-1939). Em 1931, estuda durante um semestre na Escola Paulista de Belas Artes. Escolhe a medicina como profissão, frequentando entre 1932 e 1937 a Faculdade de Medicina da Universidade de São Paulo (FMUSP) e atuando como médico desde então. Entre 1951 e 1958, participa do Atelier Abstração, onde estuda com o artista romeno Samson Flexor (1907-1971), membro da Escola de Paris, que fixara residência com a família em São Paulo em 1948. Em 1956, integra a diretoria artística do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), tomando parte na elaboração do regulamento da 4ª Bienal Internacional de São Paulo. Em 1959, estuda gravura na Escola de Artesanato do MAM/SP, sendo então orientado por Lívio Abramo (1903-1992).
Raimo é um dos membros-fundadores do Núcleo dos Gravadores de São Paulo (Nugrasp). Em 1976, integra o conselho de arte e cultura da Fundação Bienal para a 14ª Bienal Internacional de São Paulo.
LEOPOLDO Raimo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa23677/leopoldo-raimo>. Acesso em: 22 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7
No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!
Lívio Abramo (Araraquara, São Paulo, 1903 - Assunção, Paraguai 1992). Gravador, ilustrador, desenhista. Muda-se para São Paulo, onde, em 1909, estuda desenho com Enrico Vio (1874-1960) no Colégio Dante Alighieri. No início dos anos de 1920, faz ilustrações para pequenos jornais e entra em contato com a obra de Oswaldo Goeldi (1895-1961) e de gravadores expressionistas alemães. Realiza as primeiras gravuras em 1926. No começo dos anos de 1930, influencia-se pela fase antropofágica de Tarsila do Amaral (1886-1973). Durante o governo Getúlio Vargas, filia-se ao Partido Comunista Brasileiro (PCB), do qual é expulso em 1932. É preso por motivos políticos por duas vezes. Ainda nessa época deixa de gravar para dedicar-se ao sindicalismo. Retornando à gravura em 1935, incorpora a temática social em seu trabalho. Em 1947, ilustra o livro Pelo Sertão, do escritor Afonso Arinos de Mello Franco, publicado em 1949 pela Sociedade dos Cem Bibliófilos do Brasil. Com essa série de ilustrações, apresentadas no Salão Nacional de Belas Artes (SNBA), obtém o prêmio de viagem ao exterior. Segue para a Europa em 1951. Em Paris freqüenta o Atelier 17 aperfeiçoando-se em gravura em metal com Stanley William Hayter (1901-1988). De volta ao Brasil, em 1953, é premiado como o melhor gravador nacional na 2ª Bienal Internacional de São Paulo. Dá aulas de xilogravura na Escola de Artesanato do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP). Foram seus alunos, entre outros, Maria Bonomi (1935) e Antonio Henrique Amaral (1935-2015). Funda o Estúdio Gravura, em 1960, com Maria Bonomi. Em 1962, é convidado pelo Itamaraty a integrar a Missão Cultural Brasil-Paraguai, posteriormente Centro de Estudos Brasileiros. Muda-se para o Paraguai e dirige até 1992, o Setor de Artes Plásticas e Visuais. É fundador do Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico do Paraguai.
Lívio Abramo começa a estudar desenho com Enrico Vio (1874-1960) em 1909. Com incentivo do professor segue a carreira artística, fazendo para pequenos jornais suas primeiras ilustrações, na década de 1920. Autodidata em gravura realiza, em 1926, suas obras, trabalhando, de forma rudimentar, com lâminas quebradas em pedaços de madeira e adquire pouco depois suas primeiras goivas. Em 1928 e 1929, faz gravuras em linóleo para o jornal Lo Spaghetto, em que retrata a vida operária em formas bastante simplificadas, ao estilo cubista. No fim da década, entra em contato com as gravuras de Oswaldo Goeldi e visita mostras de expressionistas alemães, que o afetam pela força e expressividade de sua arte, cheia de cor e de sentimento, manifestando o desejo de transformação que o artista procurava definir em seu trabalho.
No início dos anos 1930, a obra de Lívio Abramo é bastante influenciada pelo movimento da antropofagia, apresentando formas largas e arrendondadas ao estilo de Tarsila do Amaral, com elementos paisagísticos estilizados e deformação dos personagens. No período varguista, ingressa na política e filia-se ao Partido Comunista Brasileiro (PCB), do qual é expulso em 1932, acusado de ser trotskista. Entra para o Partido Socialista Brasileiro (PSB) no ano seguinte, torna-se amigo do crítico de arte Mário Pedrosa (1900-1981). Em 1931, começa a trabalhar no Diário da Noite como desenhista, mas suas charges, como Inundação no Canindé, ca.1932, são consideradas demasiado críticas, é então designado para o cargo de titulista da seção internacional, no qual permanece até 1962. Em paralelo, dedica-se ao sindicalismo. Em meados da década de 1930, incorpora a temática social a seus trabalhos, resultado também do engajamento político. Tanto nas obras da fase operária como nas que tiveram como tema as guerras, segue a linguagem expressionista, marcada pela dramaticidade e monumentalidade das cenas. Impressionado com a Guerra Civil Espanhola (1936-1939), realiza a série Espanha, 1938, com gravuras contundentes que revelam sua oposição ao conflito.
Na década de 1940, conhece o alemão Adolphe Köhler, professor de gravura, que o auxilia a dar refinamento técnico ao trabalho, tanto no tratamento da madeira utilizada nas pranchas quanto no uso de buris mais sofisticados, raiados, que em um só golpe cortam a madeira em diversos cortes paralelos, produzindo matizes diferenciados e variados. Em 1947, ilustra o livro Pelo Sertão, de Afonso Arinos de Mello Franco, publicado pela Sociedade dos Cem Bibliófilos do Brasil, com xilogravuras em papel-arroz. Por este trabalho, viaja para a região de caatinga de Minas Gerais e Bahia e lê Mário de Andrade (1893-1945) e Euclides da Cunha (1866-1909). Afasta-se da estética expressionista e procura nova solução formal, mais despojada e sintética. O uso da madeira de topo permite mais delicadeza nos cortes, que, aliado a novos instrumentos, serve para expressar melhor seu conceito de luz, cor e forma da paisagem brasileira.
Nos anos seguintes, inicia os desenhos, guaches e aquarelas da série Macumba, nos quais se nota o interesse em captar o ritmo e a dança. Realiza posteriormente xilogravuras sobre esse tema, que alcançaram mais intensidade, com a ampliação da sensualidade das linhas na alternância das áreas de luz e de densa sombra.
Viaja para a Europa em 1951, com o prêmio de viagem ao exterior do Salão Nacional de Belas Artes. Freqüenta o ateliê de Stanley William Hayter e se aperfeiçoa em gravura em metal. Regressando da Europa, realiza as séries de gravuras Rio, ca.1953, Festa, ca.1954 e Mandala, ca.1955, de tendência abstratizante, nas quais cristaliza melhor sua linguagem gráfica, valorizada pela diversidade de tons e de texturas que articulam figuras e planos. Com a série Rio é premiado como o melhor gravador nacional na 2ª Bienal Internacional de São Paulo.
Dá aulas de xilogravura na Escola de Artesanato do MAM/SP, e, em 1960, funda com Maria Bonomi o Estúdio Gravura. Em 1962, radica-se no Paraguai e trabalha na Missão Cultural Brasil-Paraguai, posteriormente Centro de Estudos Brasileiros. Nas gravuras da fase paraguaia, recria a paisagem do país, trabalhando com pontilhados e linhas que se aproximam da renda local, nhanduti, muito delicada. Intensifica-se a simplificação da forma, predominam os elementos horizontais e verticais, que dão um ritmo intenso, lírico e por vezes dramático a composições quase abstratas, em que o artista não perde o referencial visual, buscando traduzir a geometria das fachadas das casas e dos povoados.
A produção de Lívio Abramo situa-se entre a figuração e a abstração. Seu engajamento ao programa modernista gradualmente é alterado pela abertura às vertentes não figurativas que começam a chegar ao Brasil após a Segunda Guerra Mundial (1939-1945). O artista consegue conciliar, de maneira peculiar, esses dois conceitos opostos e, com refinamento técnico, apresenta em seu trabalho soluções formais de grande interesse estético.
LÍVIO Abramo. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa9132/livio-abramo>. Acesso em: 18 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7
No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!
Lothar Charoux (Viena, Áustria, 1912 - São Paulo, São Paulo, 1987). Pintor, desenhista, professor. Inicia estudos artísticos com seu tio, o escultor austríaco Siegfried Charoux. Vem para o Brasil em 1928, e fixa-se em São Paulo. Na década de 1930, matricula-se no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo (Laosp), onde conhece Waldemar da Costa (1904 - 1982), com quem, a partir de 1940, estuda pintura. Pinta paisagens e retratos. Posteriormente passa a lecionar desenho no Liceu de Artes e Ofícios e no Senai. Em 1947, realiza sua primeira exposição individual, na Galeria Itapetininga. A partir de 1948, Charoux volta-se a questões construtivas. Em 1952, participa da fundação do Grupo Ruptura, ao lado de artistas como Waldemar Cordeiro (1925 - 1973) e Geraldo de Barros (1923 - 1998). Com Hermelindo Fiaminghi (1920 - 2004) e Luiz Sacilotto (1924 - 2003), cria a Associação de Artes Visuais NT - Novas Tendências, em 1963. É homenageado com retrospectiva no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP) e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ) em 1974. Em 2005, é publicado o livro Lothar Charoux: A Poética da Linha, pela historiadora de arte Maria Alice Milliet.
Análise
A obra de Lothar Charoux, na década de 1940, é bastante diversificada. O artista realiza paisagens, em que apresenta proximidades formais com a pintura de Waldemar da Costa e do Grupo Santa Helena, e retratos de caráter expressionista.
A partir de 1948, Charoux volta-se às questões construtivas. Para a historiadora da arte Ana Maria Belluzzo, o artista trabalha freqüentemente com uma trama prévia, que organiza o campo visual dos quadros. Na década de 1950, realiza a série dos desenhos negros, nos quais explora a oposição gráfica do traço branco com relação a uma superfície negra, promovendo seu valor luminoso. Em outras obras, busca propiciar uma tensão entre figura e fundo, por meio de formas geométricas vazadas, que cortam o plano em diferentes direções.
Para o historiador Walter Zanini, a participação de Charoux no Grupo Ruptura contribui para a maturidade atingida pelo movimento concretista naqueles anos. Em sua obra, o artista explora com criatividade e habilidade as questões da linha, do movimento e do equilíbrio, assim como as vibrações óticas e os mais variados jogos combinatórios.
LOTHAR Charoux. In: ENCICLOPÉDIA Itaú Cultural de Arte e Cultura Brasileiras. São Paulo: Itaú Cultural, 2021. Disponível em: <http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa8761/lothar-charoux>. Acesso em: 20 de Jan. 2021. Verbete da Enciclopédia.
ISBN: 978-85-7979-060-7
No momento, não possuímos obras deste artista. Caso você possua e tenha vontade de vender, entre em contato conosco, teremos o maior prazer em comercializa-la!
Nasceu em 1998 e passou parte da infância em Buíque/PE, atualmente mora em Campinas na Moradia da UNICAMP, cresceu na casa do avô em Buíque e desde a infância gostava de desenhar o que via, da troca de espaço e energia potente existente no desenhar o que se vê.
De família humilde trabalhou com costura para bancar os estudo e materiais de aprendizado, teve seu primeiro contato com a gravura em um espaço aberto e inicialmente odiou o contato com as matrizes e desistiu das gravuras, até que começou a aprender desenho onde aprendeu as diferentes técnicas de perspectiva, proporção e movimento.
Volta a ter contato com a gravura e aprecia o ambiente diferente proporcionado, principalmente na ilustração de livros.
Entra no Xiloceasa onde se especializa em gravuras e audiovisual, entrando para o catálogo Alma Brasileira do Instituto Acaia com a estampa “Aú”, um movimento do jogo de capoeira que gostava de fazer, trabalho que foi seu primeiro reconhecimento formal, posteriormente a estampa tomou forma nos aventais e toalhas do Instituto dando ao artista seu gosto de reconhecimento.
Com o caminho da arte definido para a vida, Luiz Lira entrou na faculdade por uma questão política, para ter um lugar de legitimação da fala, a partir da educação.
Trabalha as cores e formas separadamente, e toma tempo para apreciar e entender a obra que fez, procurando sempre atender e satisfazer ao gesto sobre a cabeça.
Xiloceasa é um grupo de São Paulo, formado em 2005 no Instituto Acaia. Reúne jovens talentos da periferia e ajuda a manter viva a arte da xilogravura. Promove a inserção social por meio da ação pedagógica, do convívio e do estímulo de jovens e adultos.
A série "Xiloceasa - A favela como ateliê" é uma realização do Sesc Santo Amaro, criada para contar histórias, mostrar processos de criação e dar visibilidade ao trabalho de jovens artistas plásticos que compõem o coletivo Xiloceasa.
Fonte: https://www.instagram.com/p/CHwHFLOHilp/
Luiz Paulo Baravelli (São Paulo SP 1942). Pintor, desenhista, escultor, gravador, professor, cronista. Cursa desenho e pintura na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, entre 1960 e 1962. Nessa época, estuda com Wesley Duke Lee (1931 - 2010), cuja obra torna-se uma referência importante em sua produção. Em 1964, inicia o curso de arquitetura na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP). Leciona desenho na Escola Superior de Desenho Industrial de Ribeirão Preto e no Instituto de Artes e Decoração (Iade), em São Paulo. Participa da fundação da Escola Brasil:, juntamente com Carlos Fajardo (1941), José Resende (1945) e Frederico Nasser (1945). É co-editor da revista Malasartes, entre 1975 e 1976, e da revista Arte em São Paulo, no período de 1981 a 1983. Escreve também crônicas para o jornal Folha de S. Paulo, entre 1985 e 1986. No início de sua carreira, realiza pinturas que se aproximam da arte pop. No fim dos anos 1960, cria objetos com base em materiais industrializados. A partir da década 1970, passa a dedicar-se exclusivamente à pintura. Realiza obras nas quais emprega freqüentemente suportes de formato irregular, sendo temas predominantes a paisagem urbana e a figura humana.
© 2024 - Altit Casa de Arte e Leilões
